Tema 12 el barroco



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TEMA 12

EL BARROCO

El barroco es el estilo que se gesta a finales del XVI y se extiende hasta el XVIII. Nace en Italia y desde allí se expande por toda Europa. Se trata de un estilo complejo fruto de una época de crisis. Es un arte brillante, ostentoso, con él se expresa el poder de los grandes monarcas, la fluyente riqueza de los Estados y la próspera situación del catolicismo.

La variedad de situaciones socioeconómicas, políticas y religiosas originan la existencia de barrocos "distintos": un barroco cortesano y católico, instrumento de propaganda de la Iglesia y del Estado absoluto (Italia, Francia, España), y otro barroco burgués y protestante (Inglaterra y Holanda).

Pese a estas grandes diferencias existen impulsos estéticos comunes, fruto de la sensibilidad de la época, que desdeña las reglas y tiende a lo emotivo y desbordante. Es un estilo que refleja el estado de ánimo del hombre del momento, pesimista, desengañado, realista, con conciencia de sus imperfecciones.

RASGOS GENERALES DE LA ARQUITECTURA BARROCO

La arquitectura es la principal manifestación del estilo: las demás se someten a ella para conseguir el efecto de conjunto. Se define por su libertad, fantasía y afán de movimiento.



Los materiales varían según las obras y los lugares; piedra, ladrillo estuco,...

Los elementos constructivos presentan pocas novedades; se utilizan los clásicos que se disponen de un modo poco ortodoxo. Existe un predominio de la forma sobre la función.

• El muro es el principal soporte y tiene en carácter dinámico; se ondula y modela permitiendo plantas flexibles. Los vanos que se abren pueden tener formas complejas, ovales, con sobreventanas, etc.

• Los soportes, exentos o adosados se emplean mucho pero en general con fines decorativos. Se usan los atlantes, cariátides y ménsulas y aparecen dos soportes nuevos típicamente barrocos: la columna salomónica y el estípite.

• Los arcos son muy variados: medio punto, elípticos, mixtilíneos, ovales ,...

• Las cubiertas son preferentemente abovedadas, de los tipos ya conocidos y otros nuevos como elipsóides, de planta mixtilínea. También pueden ser falsas llamadas encamonadas.

Los elementos decorativos desbordan lo constructivo y son abundantes. Pueden ser arquitectónicos (columnas, volutas, hornacinas, frontones,...) escultóricos y pictóricos (bóvedas y techumbres).

Los valores plásticos giran en torno a dos principios: liberación de las formas y dinamismo. Se rompe con el canon y no interesa la claridad sino los juegos de volúmenes y espacios. En el exterior las fachadas tiene un papel muy importante con movimiento y efectos de claroscuro. El espacio interior es envolvente, misterioso, infinito a veces teatral.

Los edificios son religiosos o civiles con un sentido simbólico-propagandístico y con una gran variedad de plantas. Los edificios típicos siguen siendo la iglesia y el palacio en sus distintas variaciones.

Como conclusión :

Se descartan los esquemas simples del Renacimiento sustituyéndolo por planteamientos más complejos.

Se introduce en la arquitectura la idea del movimiento.

La luz adquiere un nuevo papel en la percepción total del edificio

Los tradicionales elementos y formas arquitectónicas ( arcos, columnas, frontones, cornisas...) se enriquecen y complican.

• Se destaca un claro interés por el urbanismo. En este merece destacar las plazas, el papel que adquieren las fuentes, los jardines,... así como el hecho de que los arquitectos barrocos fueron los primeros en plantearse el ordenamiento de las ciudades no soló de un modo teórico, como en el Renacimiento, sino también operativo.



LA ARQUITECTURA BARROCA ITALIANA

Roma es el centro más importante y los papas son los grandes mecenas del momento. La arquitectura se pone al servicio de la Iglesia Católica que tiene como misión conducir al fiel y persuadirle moviendo su sensibilidad.

Los arquitectos más importantes del momento son:

Lorenzo Bernini: Es el arquitecto barroco por excelencia, además de escultor, pintor, decorador y urbanista. Va a encarnar mejor que nadie el deseo de grandeza de la Roma triunfal que recupera su supremacía espiritual y política.

Inicia su carrera con el Baldaquino de San Pedro, situado bajo la gran cúpula de la basílica. Es un monumental dosel de bronce sostenido por cuatro columnas salomónicas, donde no se utiliza la línea recta, sino que gira y se retuerce con gran sensación de movimiento. En esta obra consagra el uso de este tipo de columnas.

En la Scala Regia del Vaticano hizo Bernini uso de sus engaños perspectivos. Puso a cada lado de la Scala una hilera de columnas, convergentes y progresivamente más delgadas, de manera que la escalera parece más larga de lo que realmente es. En la gran Plaza de San Pedro la enorme columnata elíptica (dóricas), rematada de estatuas, parece abrazar a los fieles. Crea un lugar espacioso y al propio tiempo un impulso hacia la iglesia, consiguiendo un importante efecto de movimiento y de ilusionismo espacial.

En San Andrés del Quirinal utiliza planta ovalada con capillas alrededor y en la fachada, cóncava, coloca un pequeño pórtico, convexo, rematado con un frontón con volutas que sostiene un gran escudo central.

En la arquitectura civil Bernini realiza el Palacio Barberini de Roma.

Francesco Borromini: Sobre pasa a todos los arquitectos italianos por su invención decorativa. Si Bernini utilizó siempre los elementos de la arquitectura clásica, respetando las proporciones y las reglas generales de la composición, Borromini va a romper con todas las reglas, a inventar nuevos elementos, y a concebir la arquitectura casi en términos de escultura, haciendo ondular los entablamentos y cornisas, inventando formas nuevas para los capiteles y utilizando bóvedas que parecen nervadas y arcos mixtilíneos. Consigue en el muro efectos pictóricos al dirigirse luz a superficies curvadas y quebradas. Obras: Plaza Navona.San Ivo de Roma, San Carlos de las Cuatro Fuentes y La iglesia de Santa Inés.

Baltasar Longhera. Trabaja en Venecia y su obra maestra es la Iglesia de la Salute.

Guarino Guarini. Trabajo en Turín, en San Lorenzo de Turín.
ARQUITECTURA BARROCA EN FRANCIA

Rasgo fundamental del arte francés de la época barroca es su carácter cortesano. Los artistas principales trabajan para los reyes por esto el edificio típico es el palacio formado por un cuerpo alargado y dos alas hacia el jardín, formando escuadra. Al revés que en Italia, las fachadas no miran a la calle, sino hacia el jardín. Las techumbres son típicamente francesas, formando cuerpos prismáticos de gran altura. En ellas se abren buhardillas. También se edificaron en Francia infinidad de iglesias, disponiéndose en tres pisos o con dos pisos y cúpula.

En tiempos de Luis XIII los artistas más importantes son Lemercier y Mansart. De Lemercier es la Sorbona y Mansart realiza una importante serie de "hoteles", es decir, viviendas urbanas para la alta burguesía o la nobleza, cómodas y elegantes.

Con Luis XIV la arquitectura francesa acentúa su carácter monárquico. El Rey fiscaliza toda actividad artística y se crean manufacturas que nutren de tapices y de toda clase de mobiliario a los edificios reales. Luis XIV deseaba terminar el Louvre, que ya había sido agrandado por Lemercier y aceptó el plan de Perrault y de Le Vau colocando en la fachada una gran columnata clásica.

La creación de Versalles, será la obsesión del reinado y el símbolo del poder del Rey Sol, que establece allí su Corte. El primer proyecto de LeVau, pronto pareció pequeño y Luis Mansart, sobrino del anterior, realiza las ampliaciones y le da su carácter definitivo, con la riquísima decoración interior, dirigida por Le Brun primer pintor del rey. El gran Salón de los Espejos, las Sala de la Paz y de laGuerra son las más significativas del conjunto, del que los jardines son el complemento ideal. Este último hizo además la maravillosa iglesia de Los Inválidos, con soberbia cúpula.
ESCULTURA BARROCA EN ITALIA

Durante el barroco la escultura tiene un gran desarrollo tanto como decoración arquitectónica, como escultura independiente.

Los materiales más utilizados son el mármol y el bronce, procurando que reproduzcan las diversas calidades de las cosas. Se alcanza la perfección técnica y el virtuosismo. La textura de las superficies refleja gran calidad y expresividad.

• En cuanto al volumen externo normalmente las esculturas tienen un emplazamiento concreto. Se funden en el ambiente buscando efectos de luz por lo que tiene tratamiento pictórico.

La luz tiene un papel muy importante. Se buscan fuertes efectos de claroscuro. Es una luz dirigida y de alto valor expresivo.

El color es también importante. Se consigue por la policromía, los postizos e incluso por los efectos tonales producidos por la luz.

Gran movimiento en las figuras, que se representan de forma espontánea e imprevisible. Se representan en acto y no en potencia como en el Renacimiento. Predominan las diagonales, las líneas serpentinatas y las formas abiertas, el dinamismo en las actitudes y los ropajes, y las expresiones tensas e incluso exageradas.

La forma de expresión es naturalista realista. Normalmente representan un momento fugaz. Se representan los momentos álgidos, de dolor o alegría, nunca en reposo. Los ropajes se hinchan, desordenan y agitan. buscando crear un conjunto de gran efectismos y teatralidad. Se busca la capacidad de conmover. Las figuras barrocas representan pasiones y sentimientos, la exaltación y desbordante emotividad.

Los temas son muy variados, religiosos, mitológicos, alegóricos, retratos.

BERNINI


Es la figura culminante del siglo. Artista excepcional, comienza su actividad muy joven, realizando esculturas de carácter mitológico para el cardenal Borghese.

La perfección de su técnica se aprecia en obras como David, en el que hay que destacar la tensión muscular y la contracción del rostro, la actitud movida e inestable del cuerpo captado en pleno esfuerzo. En Apolo y Dafne, destaca el extraordinario tratamiento del mármol y del movimiento. Dafne encurva suavemente el cuerpo mientras Apolo contempla absorto como su víctima se convierte en árbol. Utiliza la composición en diagonal.

En el mausoleo del papa Urbano VIII crea un tipo de sepulcro papal que será muy imitado, con la figura del pontífice sentado en actitud de arenga, y en el basamento, figuras alegóricas de las Virtudes (la caridad y la justicia), y un esqueleto que está retirando el nombre del papa como símbolo de la muerte que se lleva su vida. En su vejez, en el mausoleo de Alejandro VII, reelabora el esquema, colocando al papa en oración y dramatizando aún más el grupo de las alegorías.

Como gran decorador urbano, realiza un conjunto deslumbrante de fuentes en Roma, desde la más sencilla, como La Barca en la plaza de España, que simboliza a la Iglesia navegando por el mundo , hasta la monumental de Los Cuatro Ríos en la Plaza Navona, complicada alegoría para exaltar el Papado, la Iglesia y a la familia del pontífice Inocencio X. La fuente hace alusión a los cuatro ríos del paraíso.

Como escultor religioso, empapado de un sentido teatral y escenográfico, pero también sinceramente expresivo, su obra maestra es la representación del Éxtasis de Santa Teresa en la Iglesia de Santa María de la Victoria. En ella Bernini consigue plasmar la expresión de lo espiritual. Un efecto luminoso hace que las imágenes parezcan suspendidas en el aire, y la expresión de la Santa en pleno arrebato místico, constituye una de las más grandes realizaciones de todo el arte barroco. Los rayos que aparecen están hechos de bronce y quieren representar la luz divina que se funde con la propia luz real que entra por la ventana.
PINTURA BARROCA EN ITALIA

Características Generales

Las técnicas son el temple en pintura mural y el óleo sobre lienzo. La pincelada varía según el autor pero tiende a ser suelta y abierta.

La línea pierde importancia. Predomina el color sobre el dibujo, así las manchas son las definidoras de las formas. El modelado tiende a contrastes violentos muy teatrales.

Profundidad continua: en el barroco la pintura parece poseer las tres dimensiones. La sensación de profundidad se consigue con líneas convergentes, escorzos con un primer término oscuro, juego de luces,..

La luz tiene un papel muy importante. El barroco es el arte de plasmar pictóricamente la luz y por esto la sombra juega un papel esta entonces inédito, especialmente en el tenebrismo. La forma se subordina a la luz y así pueden desvanecerse las formas por debilidad o intensidad del centelleo luminoso. El color es otro de los grandes protagonistas como definidor de formas.

Composición asimétrica: se pierde la simetría propia del renacimiento. Se prefiere el desequilibrio y se consigue con diagonales o con formas partidas que indique que no todo cabe en el cuadro ( figuras que no aparecen totalmente pintadas). Con las diagonales se consigue una primera impresión dinámica, reforzada por las figuras inestables, los escorzos, la ondulaciones,..

La forma de expresión es naturalista realista y los temas son también muy variados destacando la pintura de género, bodegones y los paisajes como novedad.

A finales del siglo XVI Italia conoce la obra de dos artistas que van a imprimir carácter a la pintura europea de la primera mitad del siglo XVII. Uno de ellos es Caravaggio, el otro Aníbal Carracci.

1) CARAVAGGIO Y EL NATURALISMO

Es una de las figuras estelares de la historia de la pintura. Este artista era un ser extravagante y violento que llevó una vida azarosa.

Toma para todo tipo de composiciones, desde las mitológicas a las religiosas, modelos callejeros, sin someterlos a ningún proceso de idealización. Este procedimiento resulta muy eficaz para la Iglesia porque el cristiano se reconoce con facilidad en esta pintura; los santos son hombres como todos y parece más fácil el camino de la santidad y los episodios del Evangelio son fácilmente comprensibles. Esta excesiva vulgaridad de los tipos fue la causa de que algunas obras fueran rechazadas.

Junto a la insistencia en lo real utiliza también un recurso importante: el Tenebrismo , consistente en presentar los personajes y los objetos sobre un fondo oscuro, destacándolos con una iluminación dirigida y violenta, como de un foco de teatro, que hace más evidente los gestos y los objetos, trayéndolos a una especie de primer plano. El tenebrismo ignora el paisaje, pero valora mucho la naturaleza muerta. En sus obras también es importante la psicología del personaje.

Pintó bodegones y composiciones con tipos populares pero sus obras maestras son grandes cuadros religiosos en los que la voluntaria vulgaridad de los modelos no quita grandeza y emoción a lo representado. Sus obras más importantes son: Vocación de San Mateo, El Martirio de San Mateo, La Conversión de San Pablo,el Martirio de San Pedro.,.El Entierro de la Virgen .2)EL CLASICISMO BOLOÑES

En Bolonia se desarrolla una corriente que rechaza las formas idealizadas en exceso, pero también la realidad inmediata, con sus imperfecciones. Pintan las cosas no como son, sino como deberían ser, buscando la belleza ideal. Se interesan mucho por la naturaleza y crea un tipo de paisaje de enorme belleza y equilibrio. Aunque el esquema de cuadratura fue usado por Miguel Angel, fueron los maestros de Bolonia quienes la consagraron.



Los Carracci crean una Academia que proporcione a los artistas, además de los conocimientos técnicos, una preparación literaria y humanística que enriquezca sus capacidades. Anibal es el de mayor calidad. Su obra maestra es la decoración del salón grande del palacio Farnesio. Guido Reni: Es un seguidor importante de los Carracci y de la corriente clasicista. Destaca su obra Hipómenes y Atalanta.
3)LA PINTURA DECORATIVA

Es el último gran estilo pictórico italiano que se especializa en amplias decoraciones de bóvedas y muros, con un sentido triunfal y grandioso. Pietro de la Cortona: Es el primer maestro de este género. Realiza las bóvedas de los palacios Barberini en Roma. Luca Jordán crea una pintura decorativa de enorme efecto. Dejó obras importantes en España: El Escorial, catedral de Toledo.


PINTURA BARROCA EN FLANDES Y EN HOLANDA

En el desarrollo de la pintura de los Países Bajos influyen factores sociales, económicos, políticos y religiosos. La reforma religiosa entre una zona católica, aristocrática y monárquica bajo dominio español (Flandes), y otra protestante, democrática y burguesa (Holanda) determinó una separación total en los ideales artísticos que se reflejan en la pintura.

PINTURA FLAMENCA..

Características y autores:

- Se multiplican los asuntos religiosos en grandes lienzos de altar, insistiéndose mucho en la vida de santos y en las representaciones de los Sacramentos, que los protestantes rechazan.

- Los temas mitológicos son representados también en grandes dimensiones, para decoración de los palacios reales y de la alta nobleza.

- El retrato tiene un carácter aparatoso y solemne, dando idea ante todo de la elevada posición social del retratado.

Pedro Pablo Rubens: Es la figura culminante de la pintura en Flandes. Se caracteriza por su dinamismo, vitalidad y exuberancia. Su colorido es cálido, aprendido de los venecianos, sus composiciones se ordenan sobre un esquema diagonal que les da una sensación de movimiento prolongado más allá del marco. Los cuerpos varoniles, musculosos o los afeminados, de modelos gruesos, carnosos y sensuales, se agrupan en composiciones de ritmo turbulento, enroscándose las formas.

Rubens trabaja con igual maestría todos los géneros. Como pintor religioso, crea una serie de grandes composiciones, de espectaculadidad extraordinaria, al servicio del sentido triunfal de la iglesia: Descendimiento de la Cruz y el levantamiento de la Cruz.

Dentro de la pintura histórica destaca la serie de María de Médicis, compuesta de veintiún lienzos.

Como pintor mitológico interpretar con maestría y sensualidad los temas de Dioses como en Las Tres Gracias, El Jardín del Amor, El Juicio de París o La Venus en el tocado.

También trabajó el retrato, creando, inspirándose en los venecianos, un tipo de retrato de aspecto cortesano como el del Duque de Lerma.

Van Dyck:. Es pintor, ante todo, de la aristocracia a la que sabe halagar componiendo los retratos con un sello distinguido. Da mucha importancia a la indumentaria, adelgaza las formas y afemina las figuras.. Destacan sus retratos como Carlos I de Inglaterra.

Jordaens: Sigue la influencia de Rubens, pero prefiere los temas populares, de tono humorístico, como El Rey bebe..

PINTURA HOLANDESA.

Características y autores:

- Desaparece por completo la pintura religiosa de altar al desaparecer el culto a las imágenes. Los cuadros religiosos son de pequeño formato para ser contemplados y meditados en las habitaciones de la burguesía.

- Los temas mitológicos apenas se tratan y, cuando existen tienen una intención alegórica o moralizante.

- El retrato toma un tono de intimidad, sobriedad y realismo. Aparece el retrato corporativo.

- Lo más característico de la pintura holandesa serán los géneros realistas, tan de gusto burgués, en cuadros de dimensiones reducidas para la decoración de las casas, en donde más que el lujo de los palacios de la nobleza, se busca la comodidad y el confort. Aparecen así los cuadros de interior, con escenas domésticas, los cuadros de animales, los puros paisajes y el bodegón.

Frans Hals: Es seguramente el más íntimo retratista de su generación, intérprete extraordinario de la vivacidad y de la alegría del holandés. Con él cristaliza el retrato de grupo que reúne a los miembros de una corporación ( las Regentes del Hospital de Harlem). También son importantes sus retratos individuales como La Gitana.

Rembrandt van Ryn: Es la personalidad más compleja del arte holandés. Auténtico genio de la pintura, abarcó todos los campos: el retrato, el paisaje, el interior, el cuadro religioso, el mitológico, siendo, al propio tiempo, uno de los más grandes grabadores de todos los tiempos.



Su estilo parte del tenebrismo, pero aunque gusta de los contrastes de luz y de sombra, el límite entre ambos no es nunca tajante como en Caravaggio, sino que prefiere unas penumbras misteriosas y doradas que dan un enorme atractivo a sus obras. Es un gran predicador de ideas generales; no es lo concreto lo que resalta de su obra, sino el sentido de lo universal, por ejemplo, se fija en los pobres, pero luego no pinta mendigos, sino la pobreza.

El Buey desollado, una de las más geniales naturalezas muertas que se hayan pintado. La serie principal de los cuadros de Rembrandt está integrado por retratos. Los hizo individuales y colectivos. Ningún pintor ha pintado tantos autorretratos, a través de ellos, como por vía de ensayo, podemos apreciar el estudio de todos los problemas de la luz y las diversas expresiones del rostro. Dejó también muchos retratos de grupo como Lección de Anatomía de tono dramático y misterioso ; La Ronda de Noche, encargado por los arcabuceros de Amsterdam. El asunto es una toma de armas, los personajes preparan sus armas para iniciar una acción., en él la luz ciega, deslumbra, y en la misma sombra impera el color. Los Síndicos de los pañeros de Amsterdam, su obra maestra , es una composición unitaria y llena de potente vida interior, hacia un mayor idealismo.

Vermeer: Es el gran maestro del género típicamente holandés del cuadro de interior. Sus lienzos, de una extraordinaria sencillez en la composición Lo fundamental en sus obras es la luz y la belleza de sus colores claros, con una técnica casi puntillista, que hacen de él un artista muy audaz y moderno.

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