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Edad Moderna


Hay disparidad de criterios para fijar el inicio de la edad moderna: algunos autores la relacionan con la caída de Constantinopla (1453), y otros la sitúan en el año del descubrimiento de América (1492). Hay más consenso con la fecha de finalización, la que vendría dada por el estallido de la Revolución Francesa (1789). Los historiadores de arte consideran que la escultura renacentista se inició con el concurso convocado el año 1401 para realizar las puertas del Baptisterio de San Juan de la ciudad de Florencia, una prueba en la que se presentaron los escultores Filippo Brunelleschi y Lorenzo Ghiberti.64​ Por eso, deben tomarse todas estas fechas con un criterio más bien pedagógico. La edad moderna transcurre más o menos desde mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII.

Renacimiento


La nueva forma artística del Renacimiento plantaba raíces en la escultura de la antigüedad clásica, buscando una total exaltación de la belleza. La matemática se convirtió en su principal ayuda, aplicando a todas las artes determinados principios y leyes como, por ejemplo, la perspectiva. Surgieron grandes mecenas como los Médicis de Florencia y los papas de Roma, así como varios cardenales, príncipes y también gremios. En esta época la escultura que se produjo prácticamente quedó liberada del marco arquitectónico, y los personajes mostraban expresiones llenas de dramatismo: transmitían la sensación de una gran terribilità.

Nicola Pisano alrededor del 1260 esculpió un púlpito para el Baptisterio de Pisa que es considerada la manifestación precursora del Renacimiento en la escultura. En contraste con este acontecimiento, su hijo Giovanni Pisano acarrearía un estilo aún más maduro y dominaría la escena en Florencia durante el primer tercio del siglo, y se volvería uno de los introductores del nuevo género, el de los cruxifixi dolorosi, de gran dramatismo y que fijarían una larga influencia.

Su talento versátil daría origen a otras obras de suma elegancia y austeridad, como el retrato de Enrico Scrovegni. Este etapa también mezcló los elementos góticos, dándole un nuevo sentido a la percepción y el espacio.

Contemporáneos como Tino di Camaino continuaron con la misma línea de trabajo, siendo esto característico durante la etapa del Trecento.67A mediados del siglo Andrea Pisano se volvería uno de los principales escultores de Italia, autor de los relevos de la puerta sur del Baptisterio de Florencia y siendo nombrado el arquitecto de la Catedral de Orvieto. ​ Fue maestre de Orcagna y Giovanni di Balducci, autor de un complejo monumento funerario en la Capela Portinari de Milán.

A pesar de los avances de los maestres del Trecento, su trabajo aún seguía reflejando la fricción entre las tendencias antiguas y modernas, así como la clara influencia de los elementos góticos. Para finales del Trecento, surgió en Florencia la figura de Lorenzo Ghiberti, autor de relevos en el Baptisterio de San Juan, donde los modelos clásicos fueron recuperados por completo.

Posteriormente Donatello comenzó los avances en varios frentes. En sus obras principales figuran estatuas de los profetas del Antiguo Testamento. De ellos, quizá Habacuc sea la más impresionante, una imagen cuyo porte recuerda la imagen de un romano con su toga, la cual fue extraída directamente de los retrato de la República de Roma. Innovó también la estatuaria ecuestre, creando el monumento a Gattamelata, la obra más importante en su género desde la hecha a Marco Aurelio; destacando en cada una de sus obras una imagen de austeridad y transfiguración, reintroduciendo las esquemáticas del helenismo.

En la generación siguiente, Verrocchio se destaca por la teatralidad y el dinamismo de sus composiciones. Su Cristo y Santo Tomás contienen gran realismo y poesía. Creó Un joven con un delfín para la fuente de Neptuno en Florencia, que es el prototipo de la figura serpentinata, que sería el modelo formal más prestigioso para el Manierismo y el Barroco. Su obra más importante, el monumento ecuestre a Bartolommeo Colleoni es una expresión de poder y fuerza aún más impresionante que el Gattamelata. Desiderio da Settignano y Antonio Rosselino también crearon obras de renombre.

Florencia continuó siendo el centro de la evolución hasta la aparición del Michelangelo, que trabajó en Roma para los papas —y también en Florencia paralos Médici— y fue el mayor nombre de la escultura desde el Alto Renacimiento hasta mediados del Cinquecento. Su obra pasó del clasicismo puro del David, del Baco, y llegó al Manierismo, expresado en obras vehementos como Los esclavos, el Moisés, y los frescos hechos en la Capilla Sixtina. Artistas como Baccio Bandinelli, Agostino di Duccio y Tullio Lombardo también dejaron obras de gran maestrías, como el Adán de este último. El ciclo renacentista fue cerrado por Giambologna, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino y Benvenuto Cellini, con un estilo que poseía un mayor dinamismo y expresividad, notable en Rapto de las Sabinas, de Giambologna. Artistas importantes en otros países de Europa iniciaron a trabajar en las mismas líneas claramente italianas, como Adriaen de Vries en el norte y Germain Pilon en Francia, la difusión del estilo italiano por una extensa zona geográfica dio lugar a varias fórmulas sincréticas con las escuelas regionales.

Manierismo y Barroco

La escultura del Manierismo tuvo sus precursores en Michelangelo, Jacopo Sansovino y Benvenuto Cellini. El estilo es tipificado por un modelo formal predominante, la figura serpentinata, una forma básicamente espiral que tiene su obra prima en el Rapto de las Sabinas, de Giambologna.

La idea no era nueva, puesto que se remonta a los antiguos griegos, considerando una línea devanada como el mejor vínculo para la expresión del movimiento, inspirando en la forma en que el fuego crepita y mantiene su versatilidad. En el Alto Renacimiento, este concepto fue remotado por Leonardo da Vinci y Michelangelo, que lo tranferirían hacia la figura humana, considerando que en torsión esta poseía más gracia y belleza. El término fue usado por primera vez por Lomazzo al analizar la producción de Michelangelo en el terreno escultórico.

El escultor cierta vez declaró que una buena composición debería ser piramidal y serpentinada, como el aspecto de llamas en pleno incendio, acreditándose que esta forma apenas podría ser considerado como un tipo de belleza. Con ello, el modelo se multiplica en las esculturas de la época, adaptándose a la pintura y la arquitectura, en este caso las escaleras en espiral se volvieron un tanto comunes. La figura serpentinata estaba acarreada de simbología. En tanto las espirales simples, en un único sentido, era una imagen de eternidad, trascendencia, de los ciclos y la metamorfosis; la doble espiral en su caso, con dos sentidos, era su opuesto, y significaba la mortalidad y el conflicto.

Las artes ornamentales, durante el Manierismo, continuaron en gran evolución, siguiendo la idea de Alberti; donde constituía «una forma de luz auxiliar y como complemento de belleza», modificando el concepto de que la belleza es abstracta, en tanto el ornamento es material, estableciendo así un punto imprescindible entre la idea y el fenómeno, entre la belleza y las imperfecciones de la materia.

En este sentido, la escultura también se aplica a una enorme cantidad de retábulos, púlpitos, altares y otros elementos decorativos de las iglesias, a los frisos y estucos de los edificios profanos, y también en la joyería. Merece especial atención en España el denominado estilo plateresco de la escultura y decoración arquitectónica, que dejó obras de extraordinaria riqueza y carácter monumental. De los escultores del Manierismo se citan algunos de los más conocidos: Michelangelo en su fase final, Benvenuto Cellini, Bartolo-meo Ammannati y Giambologna en Italia; Jean Goujon, Francesco Primaticcio, Pierre Franqueville y Germain Pilon en Francia; Alonso Berruguete, Juan de Juni y Diego de Siloé en España, y Adriaen de Vries en el norte.

La contrarreforma dio una especial atención a la imagen sacra, una antigua tradición que afirmaba que las imágenes de santos, pintadas o esculpidas, eran intermediarias para la comunicación de los hombres con el mundo espiritual. San Juan de la Cruz afirmaba que había una relación recíproca entre Dios y los fieles que era mediada por las imágenes, posición apoyada por otros religiosos católicos como San Carlos Borromeo y Roberto Bellarmino quienes reiteraban la importancia de este culto, que había sido negado y criticado por los protestantes, lo que desencadenó grandes movimientos iconoclastas en varias regiones protestantes que provocaron la destrucción de innumerables obras de arte.

Por tanto, la imagen sacra volvió a ser vista como un elemento central en el culto católico, como un conjunto de instrumentos usados por la iglesia para invocar emociones específicas en los fieles y les concendía la meditación espiritual.

En un tratado teórico sobre el tema, Gabriele Paleotti las defendió a partir de la idea de que estas ofrecerían para el fiel pagano una espece de biblia visual, la Biblia pauperum, enfatizando su función pedagógica y su paralelo como el sermón verbal. También consideró la función de la excitatio, la posibilidad de jugar con la imaginación y las emociones de las personas, transfiriendo al arte sacra la tipología de la retórica. Las imágenes deberían de cumplir el requisito de ser instructivas y moralmente ejemplares para los fieles, buscando también la persuasión.

A través de la transmisión «correcta» de fe a los fieles, el artista adquiría el papel teologizante, volviendo también al espectador en movimiento por la iglesia parte del paisaje de este «teatro de la fe».76​ Tal y como afirma Jens Baumgarten:

El teorema jesuítico postridentino y su nueva concepción de la imagen en sí, los modelos romanos, la representación del poder y la liturgia se encuentran fundadas en una síntesis. Sin la imagen perfecta no hay fe correcta. El nuevo énfasis dado a las imágenes se une a una nueva visión de la sociedad. Los cambios ocurridos hasta 1600 llevaríam a la construcción de una nueva perspectiva eclesiástica e iconográfica que acabó desembo-cando en el ilusionismo perspectivista, uniendo elementos de emocionalidad irracional con las transformaciones plásticas de conceptos teológicos intransigentes.

Durante estos años, la escultura decayó en desarrollar un género de composición grupal denominado «sacro monte», concebido por la propia iglesia y rápidamente difundido en otros países. Tratándose de un arte que intentaba reproducir la Pasión de Cristo y otras escenas piadosas, con figuras policromas en actos tanto realistas como dramáticos y destinados a conmover al público. Dando paso a una conceptualización meramente teatral, de modo que este instrumento pegagógio católico formaba parte de la construcción de escenarios que proporcionasen una mayor ilusión de la realidad. Estas obras se crearon con tal de ser transportadas y trasladadas, dando origen a una nueva categoría escultórica, la de las estatuas de roca en madera.

Con tal de aumentar el efecto mimético muchas poseían miembros articulados, para que se fuesen manipuladas como marionetas, asumiendo así una gestualidad eficiente y evocativa, variando de acuerdo con el progreso de la acción escénica.Prendas recibidas que imitaban los de las personas, y la pintura que se parecían a la carne humana. Y para los ojos más grande ilusión podrían ser de vidrio o cristal, pelucas naturales, lágrimas brillantes de resina, dientes y uñas de marfil o de hueso, y la preciosidad de la sangre de las heridas de los mártires y el Cristo azotado podría ser enfatizado con aplicación de rubíes.

Así, nada mejor para coronar la participación del público devoto en la re-creación de la realidad mística de permitir que la acción desenrolasse espacio abierto, en la procesión, donde el movimiento físico de los fieles a lo largo de la ruta de acceso podría proporcionar la estimulación de la persona como en su conjunto, a diferencia de la contemplación estática antes de una imagen en un altar. Cuando la "colina sagrada" se debe tomar a la calle, fue por lo general simplificado a una sugerencia de la roca o en una cueva. Como ocasión, la cueva o roca podrían representar el monte Sinaí, el Monte Tabor, el Monte de los Olivos, la Gruta de la Natividad, la Tentación roca de Cristo o de otros lugares impregnados de sentido.

A veces, el paisaje rocoso fue sustituido por otro de arquitectura, sobre todo después de la obra de Andrea Pozzo, la perspectiva arquitectónica ilusionista codificador que fue ampliamente utilizado en la decoración de las iglesias católicas. Con los mismos fines prácticos, para aliviar el peso del conjunto, las imágenes fueron talladas sólo parcialmente terminado sólo en las partes que deben ser vistos por el público, como las manos, la cabeza y los pies, y el resto del cuerpo consistía en una estructura simple listón o marco hueco cubierto por tela de la ropa.

Escultura africana



La escultura africana ha sido esencialmente de carácter religioso, del tipo animismo y por tanto su veneración ha sido la creencia en espíritus de la naturaleza y veneración a sus muertos, la muerte no supone su fin sino que vive en el reino de los espíritus.

Esta creencia en la presencia de los espíritus hace que se realicen rituales, donde las obras de arte hacen de médium. Estas obras en general son máscaras, esculturas exentas antropomórficas u otros objetos de culto. Los objetos de madera se realizaban a partir de un tronco o rama de árbol con la técnica de la talla directa, es decir, de una pieza cilíndrica que con herramientas primitivas iban rebajando y cortante. También han utilizado la arcilla en Nigeria la cultura nok, cerca de 500 a. C., la piedra o el marfil.

Por casi todo el continente se hacen máscaras, los «baga» que ocupan la parte de Guinea usan una máscara con cabeza de cocodrilo y largos cuernos rayadas. Hay máscaras recubiertas de una costra formada por sangre seca, tierra y zumo de semillas trituradas, máscaras con una gran nariz que se alarga hasta formar un pico; hay con adornos de petxinetes y cristales. En Ife y Benín, los yoruba trabajaron la terracota y el bronce para sus reyes desde el siglo XIII, en placas con relieves o en fines de tamaño natural. En Costa de Marfil los baulé además de esculturas exentas y máscaras, cortaban los dinteles de las puertas de sus casas con motivos geométricos.

Escultura de la India


La historia de la escultura india se inició hacia el 2500 a. C. en una zona a lo largo de 1500 kilómetros sobre las cuencas de los ríos Ravi y Sutlej, donde estaba establecida la cultura del valle del Indo. Sus principales poblaciones fueron Harappa y Mohenjo-Daro, donde en excavaciones arqueológicas del siglo XIX, se encontraron gran variedad de esculturas en terracota representando figuras humanas con símbolos relacionados con la fertilidad, así como una pequeña bailarina en bronce y un Busto de un rey-sacerdote en esteatita.80​ Hacia el 1500 a. C. la cultura del Indo se extinguió y durante un largo tiempo se entró en un período sin manifestaciones artísticas conocidas, hasta el siglo III a. C.

Entonces se forma el imperio Maurya y se construyeron grandes columnas, algunas todavía in situ, de manera escultórica remataban en un capitel que sostenía una escultura de algún tema animal, la más famosa es el Capitel de los leones en Sarnath. De esta misma época hay esculturas con representaciones de divinidades masculinas y femeninas, entre las que destaca la Yaksi del museo de Patna, que presenta una gran exuberancia de los pechos, amplias caderas y estrecha cintura, unos rasgos que se repiten en la demostración del ideal de la belleza femenina en la cultura india

Durante el imperio Kushan hubo un gran desarrollo cultural y se sumaron las tradiciones del budismo y el hinduismo en la región de Gandhara, el arte de la que se denomina «grecobúdico» por la influencia de la Grecia clásica a las imágenes de Buda realizadas en este período. El imperio Gupta se convirtió en un «arte clásico» donde se consiguieron líneas puras y formas de armonioso equilibrio, se representaron las divinidades Brahma, Vishnú y Shiva.

En la escultura del sur de la India, se encuentran en Mahabalipuram, templos excavados en la roca decorados con relieves magníficos, entre ellos el Descenso del Ganges de la época de la dinastía de los Pal·lava. Desde el siglo VIII el erotismo es tema principal de las escenas de muchos templos, donde se representa ilustraciones del Kama Sutra. A pesar de la conquista musulmana, en la parte sur del país continuó la tradición de su escultura que se fue transformando poco a poco en una fase clara de barroquismo vigente hasta el siglo XVIII.

Escultura en China


Durante la dinastía Tang (618-907) los chinos fabricaron gran cantidad de terracotas realizadas a presión por medio de moldes. En China hacia el 200 a. C. se moldearon siete mil guerreros en tamaño natural de la dinastía Qin, que aunque las caras son todas diferentes, y por tanto modeladas a mano, para los cuerpos parece que se utilizó un molde; este verdadero ejército permaneció enterrado hasta ser descubierto a fines del siglo XX.84​ Cuando el budismo se introdujo en China, surgió la necesidad de realizar representaciones escultóricas. La más antigua que se conoce es una de bronce dorado fechada en el año 338 y se cree que fue una réplica de una de Gandhara. Se fueron construyendo santuarios con estatuas colosales de Buda en las grutas de Yungang en la ciudad de Datong.

En la última etapa de la dinastía Tang las obras de figuritas de cerámica con variados temas, hacen tener una nueva visión a la escultura distinta y distante de la budista. A partir de aquí la escultura entra en una clara decadencia, aunque a la dinastía Ming, en sus obras arquitectónicas se instalan imágenes de grandes dimensiones como «guardianes» de las puertas de los grandes palacios o complejos funerarios, aunque siguen siendo las pequeñas esculturas de jade o cerámica donde pueden encontrarse las mejores representaciones. En el siglo XX y por transformaciones ideológicas de sus dirigentes, la escultura monumental se volvió a realizar con marcado estilo realista para exaltar las hazañas de la Revolución China

Escultura de Oceanía


El arte de los nativos australianos está restringido a sus tradiciones y los materiales que disponen, como la madera, corteza de árbol y punta de sílex, los escudos los decoran con líneas geométricas, realizan las «churingas» constituidas por piedras planas de carácter totémico donde graban motivos con relación a sus antepasados.

La creación de obras por parte de los melanesios tiene una gran variedad de estilos y formas. Nueva Guinea se destaca por los diseños de sus objetos, hay algunos de carácter sagrado que sólo pueden ser vistos por los «iniciados», existen unas casas para uso exclusivo de los hombres donde todos los troncos que forman los pilares que sostienen el techo están cortados representando seres totémicos, en estas casas se guardan las tallas que representan sus antepasados, máscaras, asientos completamente grabados con decoraciones de figuras humanas o animales.

En las Nuevas Hébridas la escultura está relacionada con las ceremonias religiosas, las estatuas representan figuras de sus muertos y las máscaras son utilizadas para ceremonias funerarias. En Nueva Irlanda existe una gran abundancia de objetos, también de madera tallada donde se insertan conchas, cortezas de otros árboles y piedras, que están relacionados con actos rituales. En las islas Salomón, aunque realizan máscaras, lo más destacado son las figuras humanas o de animales. En las islas Marquesas, se llegó a un gran virtuosismo en la construcción de canoas donde la proa y la popa estaban adornadas con profusión de tallas, en estas islas antiguamente se cortaban imágenes con piedra volcánica en las islas Cook las imágenes veneradas mostraban unos rostros con grandes ojos y boca y el resto del cuerpo con una proporción muy pequeña.

Los maoríes de Nueva Zelanda, construyeron casas con un gran frontón completamente decorado con figuras antropomorfas de expresión amenazadora, así como colgantes de nefrita cortada (hei tiki). En la isla de Pascua se encuentran las moai, enormes figuras antropomorfas de 4 a 5 metros de altura, realizadas en toba volcánica procedente del volcán Rano Raraku, donde se encuentran algunas figuras en diferentes etapas de construcción, por lo que se cree que se trabajaban in situ, y desde allí se supone que eran arrastradas utilizando cuerdas siendo distribuidas a los diversos puntos de la isla.

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