Renacimiento



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2.- ESCULTURA: MIGUEL ANGEL.
Desde comienzos de siglo, Miguel Angel Buonarroti se impuso como el gran genio creador eclipsando al resto de los escultores. Miguel Ángel, de origen florentino, se formó con las “lecciones” de Donatello y la Antigüedad, especialmente la escultura griega a la que tuvo acceso a través de los jardines de los Médici (Lorenzo había coleccionado gran cantidad de esculturas griegas), y sobretodo el impacto que le causó el descubrimiento de las esculturas helenísticas: Laocoonte y sus hijos, el Torso de Belvedere, y otras obras que contribuyeron a formarlo en el clasicismo y a dotar a sus obras de un patetismo y monumentalidad desconocidos en la época.

La Piedad de San Pedro del Vaticano. (1498-1499). Miguel Ángel recibió el encargo para San Pedro del Vaticano. Representa a una madre juvenil que sostiene sobre sus rodillas el cuerpo de su hijo, sin insistir en ninguna de las imágenes en las expresiones torturadas propias de la escena. Constituye, en ese sentido, uno de los mejores ejemplos del Renacimiento de belleza idealizada y de mansedumbre cristiana. Para ello incluso se recurrió a la modificación de las edades de los personajes: la Virgen se representa mucho más joven que su hijo. En lo formal presenta a los dos cuerpos inscritos en una composición piramidal cerrada y equilibrada.


David (1502-1504). Esta obra fue realizada en mármol dentro de su primer gran periodo que coincide con su estancia en Florencia (1501-1505) y consagró al artista como uno de los mejores escultores de todos los tiempos, con esta escultura de más de cuatro metros, Miguel Ángel, superó todo el legado plástico de la estatuaria clásica. La obra fue un encargo de la Signoría de Florencia para uno de los contrafuertes del Duomo, pero el pueblo entusiasmado con “el coloso” pidió que se colocara en la portada del palacio viejo. Se trata de un desnudo magistral que presenta toda la energía de la musculatura como si se tratara de un Hércules, acaso como símbolo de las virtudes cívicas renacentistas: “fortezza e ira”, y al mismo tiempo como el triunfo de la república de Florencia sobre los Médici. Aunque es una de las obras cumbres del Renacimiento es al mismo tiempo el principio del lenguaje manierista: es un cuerpo al mismo tiempo reposado y tenso, lleno de energía en potencia, concentrada, con un rictus típicamente donatelliano.
En 1505 el artista fue llamado por el Papa Julio II para realizar el sepulcro papal. Inicialmente iba a colocarse el sepulcro debajo de la gran cúpula diseñada por Bramante, pero el proyecto se modificó y a la muerte del pontífice realizó un nuevo proyecto de tumba-retablo. Estos mármoles que Miguel Angel realizó para el sepulcro, entre los que se encuentran las famosas esculturas del Moisés y los Esclavos, fueron colocados en 1542 en la basílica de San Pietro in Vincoli.

El Moisés, obra esculpida hacia 1515 está representado en el momento en que su mirada fulmina a los israelitas idólatras. Miguel Angel dotó al rostro del Profeta de una gran expresividad, denominada “terribilitá”, mezcla de ira y de orgullo contenido. Es una obra en la que se trasluce el fuerte impacto que provocó en Miguel Angel las esculturas del grupo de Laocoonte y sus hijos.

La Piedad Rondanini (1522-1564) Está considerada como la más trágica y misteriosa de las obras de Miguel Ángel. Es un conjunto formado por dos imágenes, la Virgen que sostiene de pie a su hijo muerto. Aunque se trata de una obra inacabada, el esbozo de los rostros demuestra un gran expresionismo.

3.- PINTURA: LEONARDO Y MIGUEL ÁNGEL.
La ciudad de Florencia fue cuna de dos de los grandes pintores del Renacimiento pleno: Leonardo y Miguel Ángel. A ellos se unió Rafael, que procedente de Urbino, coincidió en Florencia en idénticas fechas. Los tres pintores trasladaron a Roma su residencia y su taller. Las circunstancias personales y de estilo limitan la plenitud del clasicismo a las dos primeras décadas y se caracterizará por:

  • Importancia del contenido y desaparición de lo anecdótico.

  • Culto a la belleza ideal. Auge del desnudo, especialmente femenino.

  • La luz modela suavemente las figuras y produce la pérdida de sus contornos. Tiende a desaparecer el sentido escultoricista.


LEONARDO DA VINCI (1452-1519). Está considerado como el prototipo de erudito renacentista por la amplitud de sus conocimientos universales. Se interesó por todas las materias, especialmente el estudio del cuerpo humano en todas sus edades, estudiando la anatomía, expresión psicológica, etc...

Leonardo fue un hombre de una inquietud y curiosidad inagotables, y en su afán por ser consecuente con su propio principio de que el artista debía lograr la experiencia más vasta y profunda posible de la realidad que lo circunda, se puede decir que fue un ejemplo universal de síntesis entre la personalidad del artista y del científico.

Muy joven inicia su formación en la propia Florencia, en el tallar de Verrochio, con el que colaboró tempranamente en algunas obras. A los 20 años fue admitido como pintor en la Compañía de San Lucas, realizando pocos años después la primera versión de la Virgen de las Rocas. Pero su actividad no es estrictamente artística y pronto se introduce también en múltiples facetas del conocimiento experimental.

De hecho gran parte de su actividad científica se desarrolló en Milán donde trabajó para Ludovico el Moro realizando entre otras obras, trabajo hidráulicos y de saneamiento de desagües, proyectos urbanísticos y arquitectónicos, aparatos y complicados mecanismos para fiestas, torneos y espectáculos,... Pero es capaz de combinar esta actividad con la realización de importantes obras como la realizada para Santa María delle Grazie en 1495, La Última Cena. Siendo incontables también sus dibujos sobre anatomía, mecánica, botánica y geometría.

Con la caída de Sforza en 1499, deambuló por varias ciudades regresando a su Toscana natal donde al servicio de César Borgia hizo de ingeniero militar, confeccionando los planos de algunas fortificaciones en Umbría y la Romaña. Todavía en Florencia inicia en 1503 el popular retrato de la Gioconda.

La última década de su vida estuvo absorbido por sus estudios de geofísica, botánica y matemáticas, lo que no le impidió desplazarse hasta Roma en 1513 atraído por el mecenazgo de León X. Finalmente se trasladó a Francia en 1517 donde el rey Francisco I lo otorgó una incondicional hospitalidad, nombrándole primer arquitecto, pintor y médico del rey, lo que glosa perfectamente el alcance intelectual de este hombre. Allí moriría en el Castillo de Cloux.



En cuanto a los aspectos puramente formales, cabe resaltar su manera de componer y de concebir la luz dentro del cuadro. Sus composiciones suelen ser cerradas basadas en formas geométricas (triángulo). La luz la entendió como una lenta fusión entre el negro y el blanco (sus pinturas son grisallas cubiertas con colores transparentes). Así consigue sutiles degradaciones tonales: esfumato. Entre sus principales obras cabe destacar:

La Virgen de las Rocas (1483). Es una de las obras en las que Leonardo concreta su técnica del sfumato que redondea rostros. Basada en una composición triangular destaca la calidad técnica del escorzo.



La Última Cena (1495-1497). Es un fresco situado en el convento de Santa María de las Gracias en Milán. Esta obra se arruinó rápidamente debido a las atrevidas ocurrencias experimentales del propio artista. Leonardo no sólo investigó los efectos de la luz y el color en la pintura, sino que, al igual que otros de sus contemporáneos, estudió la representación espacial mediante imágenes perspectivas sobre el plano. El planteamiento espacial, que confluye en la imagen de Cristo, le confiere un aspecto teatral y dramático que se acompaña con el gesto de las manos.


La Gioconda (1503-1505). Esta obra pertenece al último periodo de la vida de Leonardo en el que por circunstancias políticas tuvo que vivir errante hasta que se exilió definitivamente en Francia donde murió. (Ver Guía visual del Arte pág.64-65).



MIGUEL ANGEL BUONARROTI. (1475-1564). Nacido en Caprese, lugar muy cercano a Florencia, en 1475, comenzó muy joven su formación artística. Como pintor eliminó el paisaje y se centró en el modelado de las figuras, a las que representa provistas de una extraordinaria fortaleza, de un gigantismo casi sobrehumano inspirado en Laocoonte, pero al mismo tiempo las dota de sólidos espíritus, equilibrando así la fuerza moral y la física. Se puede decir, en definitiva, que se trata de figuras escultóricas. En sus composiciones introduce el escorzo, pero sin romper el equilibrio dinámico. Su obra maestra como pintor es la bóveda de la Capilla Sixtina (1508- 1512). La pintó al fresco, con un programa compuesto por casi 350 figuras de tamaño algo mayor que el natural. Fingió una arquitectura de arcos, pilastras y medallones para distribuir las escenas. Su temática es religiosa con escenas del Génesis y la representación de profetas y sibilas.

El testero de la Capilla Sixtina fue ejecutado en 1533 y representa el Juicio final. Allí se distingue con más claridad la “terribilitá” miguelangelesca, especialmente en la figura de Cristo con una actitud vengativa más que misericordiosa. (Ver Guía visual del Arte pág. 66-67).




D).- LA PINTURA VENECIANA: TIZIANO.
La ciudad de Venecia fue en el S. XVI, junto a Roma y Florencia, el tercer centro cultural de importancia y su mejor representante fue Tiziano Vecellio. Las características que definen esta escuela veneciana se pueden resumir en las siguientes:

  • Es una escuela de grandes contrastes, de temas profanos y religiosos.

  • Se pinta el “modelo vivo”, de ahí la vivacidad de las representaciones.

  • Se pierde el dibujo y se impone la pincelada pura, de colores vibrantes.


TIZIANO (1488-1576). Fue discípulo de Giorgione de quién aprendió la utilización de los intensos colores combinados con las sugestiones de luces y sombras, y por supuesto la revalorización del detalle. Su temática es variada; sus obras religiosas manifiestan una gran espiritualidad; en lo profano, los temas mitológicos están llenos de sensualidad, siendo uno de los máximos cultivadores del desnudo femenino; en los retratos crea un nuevo tipo caracterizado por la captación psicológica del personaje, unida a la gran importancia que concede al traje (telas finas, sedas, vestidos suntuosos, etc...) y al escenario.

De sus obras mitológicas destacan La Bacanal, Flora, Danae o la Venus de los Ufizzi entre otras obras. La Bacanal (1518-19) fue realizada para Alfonso de Este de Ferrara junto a los lienzos de Baco y Ariadna y la ofrenda de los amores a Venus. Representa este óleo una reunión festiva báquica en la que niños, faunos y doncellas disfrutan de la euforia del vino, mientras Ariadna, desnuda y extremadamente sensual, duerme en primer término. Flora (1515) posiblemente sea un retrato de Laura Dianti esposa de Alfonso de Este. En ambos casos Tiziano realizó una representación realista de los cuerpos bañados con cálidos tonos dorados que caracterizan al pintor y que otorgan al cuadro un carácter íntimo y sensual.





Entre los retratos destacan sus propios autorretratos que utilizaba como estudios para captar el espíritu de los personajes y especialmente los retratos de la familia real española, prototipo de retrato oficial. De estos últimos es especialmente significativo el de Carlos V en Mülberg (1548). Representa al emperador Carlos en un retrato ecuestre tal y como iba en la famosa batalla cuando derrotó a los protestantes. Tiziano supo dotar al retrato de un énfasis heroico, que sirve muy bien a la función triunfal y conmemorativa que se deseaba. La tipología se tomó de la tradición clásica y es interpretada aquí con un gran realismo: caballo ricamente enjaezado, penachos de plumas, armadura..... La figura del emperador está insertada en un paisaje con luz indecisa, dorada, demostrando una nueva sensibilidad ante la naturaleza, propia de la escuela veneciana. Pero Tiziano era también un profundo conocedor del alma humana y supo imprimir en el rostro del emperador el cansancio y la melancolía que le producían los conflictos europeos entre la brillantez del triunfo.




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