Profesorado de artes visuales



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CERÁMICA

(Formato Taller Rotativo, Régimen Trimestral, Horas 5 cátedras semanales)



Fundamentación teórica – metodológica:
En segundo año, los contenidos mínimos propuestos, apuntan a la revalorización y rescate de la cerámica del NOA, a través de la investigación, del análisis morfológico y del tratamiento de la superficie de las producciones cerámicas precolombinas, para luego, reproducirlas con métodos y materiales originales, tanto en la construcción como en la decoración de las mismas, logrando así, comprender y valorar las manifestaciones de una cultura ancestral que queda evidenciada a través de la cerámica.
Ya con la experiencia de técnicas y métodos, en el segundo núcleo temático , se pretende a través de estos contenidos, que el alumno, integre, transfiera y ponga de manifiesto, saberes y conocimientos adquiridos en la formación general, en una producción cerámica plena de significación y sentido.

Objetivos:


  • Lograr una formación práctica y reflexiva, donde se articulan conocimientos, que componen el lenguaje visual, operando con técnicas y procedimientos específicos de construcción cerámica, en pos de una revalorización y rescate de la cerámica precolombina del Noroeste Argentino




  • Valorar los procedimientos compositivos, los materiales y soportes propios del discurso visual y las alternativas expresivas que la cerámica brinda, a través del tratamiento de la superficie y modos de construcción.




  • Reconocer los diferentes modos de abordaje de la figura humana, diferenciando los estilos y modelos antropomórficos e hibridaciones en el desarrollo histórico de las culturas originarias y su correlato en lo contemporáneo.



Contenidos:
La producción cerámica en perspectiva histórica: Reproducción de la cerámica precolombina del NOA, forma, color decoración, estilos y géneros; cerámica del Norte. Cerámica Santa María, cerámica Andahuala, Cerámica Valle Arriba, cerámica la Paya, la Poma, Belén, Agua lasto, Condorhuasi, etc.
Desarrollos espaciales en distintos niveles de complejidad: Criterios compositivos vinculados con los conceptos de estructura, direcciones tensiones, equilibrio, proporción, dimensión, escala.

Representación del cuerpo, figuración y abstracción.



Bibliografía
CASSON, Michael; Alfarería Artesanal. Barcelona, Editorial CEAC.1991

CHIHITI, Fernandez, Jorge; Curso Práctico de Cerámica, Argentina, Ediciones Condorhuasi. 1992.

CHAVARRÍA, Joaquín; Aula de Cerámica. Modelado. España. Editorial Parramon. 2003.

CHAVARRÍA, Joaquín; Aula de Cerámica. Torno alfarero. España Editorial Parramo. 2003.

GAUTIER, Guy; Veinte Lecciones Sobre la Imagen y el Sentido. Madrid Cátedra. 1986.

PETERSON, Susan; Artesanía y Arte del Barro. Buenos Aires Editorial La Isla. 1997.

RADA, Pravoslav; Las Técnicas De La Cerámica. Editorial Libsa-1990

VALDEZ, Julio; El Modelado Cerámico como Medio de Expresión. Edición Ispac.1988

SERRANO, Antonio; Manual de Cerámica Indígena. Argentina. Ediciones Assandri. 1976.
PRODUCCIÓN VISUAL BIDIMENSIONAL II

(Formato Talleres Rotativos, Régimen Anual, Horas 5 cátedras: 160 anuales):

Este espacio curricular se plantea como un taller rotativo para el alumno, que aborda el lenguaje bidimensional desde el Dibujo, Arte Impreso y la Pintura, teniendo en cuenta los distintos enfoques técnicos y metodológicos, en relación con las diferencias intrínsecas de cada disciplina en particular.
El Dibujo, Arte Impreso y la Pintura constituyen las disciplinas más representativas de la producción artística visual bidimensional, y se resinifican en las prácticas de educación artística incorporando las problemáticas de producción contemporáneas.

La importancia de este modo de abordaje a partir de la rotación de los talleres incide de la siguiente manera:

-el tiempo frente al alumno: si bien es acotado, al reducir la cantidad de estudiantes por grupo permite una enseñanza personalizada e intensiva.

-el espacio físico: permite un mayor aprovechamiento del espacio y uso adecuado de las herramientas.

-articulación de talleres: si bien cada taller es autónomo los docentes de cada disciplina tendrán un desarrollo paralelo de contenidos y acordarán enfoques en el abordaje de los mismos.

Habiendo transitado el primer año de los talleres de modo experimental, se propone como eje orientador para este espacio curricular el tema del cuerpo que ha ocupado y ocupa un lugar de prioridad en el desarrollo histórico de las artes visuales y en los procesos de constitución subjetiva.


Se sugiere abordar la creación visual bidimensional a partir de una reflexión acerca del cuerpo en su totalidad trascendiendo la noción tradicional de “figura humana”.
Así mismo se propone explorar con actitud crítica diferentes modos de representación del cuerpo a través del Dibujo, Arte Impreso y Pintura: tanto las que han predominado en el arte tradicionalmente, como las vinculadas a poéticas contemporáneas. A este fin, se sugiere tener en consideración las marcas de identidad individual y cultural y la constitución de una imagen corporal su transformación y su valoración en tanto problemas decisivos.
Se propone abordar metodológicamente este espacio a través de proyectos de exploración y creación, en que los aspectos técnicos, estilísticos, o sintácticos, se definan a partir de la singularidad de cada propuesta.

Dibujo

(Formato Taller Rotativo, Régimen Trimestral, Horas 5 cátedras semanales)



Fundamentación teórica – metodológica:
El propósito formativo del espacio curricular Dibujo en el segundo año de formación, es propiciar que el futuro profesor aborde el tema del cuerpo de modo creativo, reflexivo y sensible con los diferentes medios materiales, de representación y de lenguaje visual estudiados en el Dibujo del año anterior.
Se reconoce la importancia decisiva que ha tenido y tiene el cuerpo en las Artes Visuales y su centralidad en la vida de cualquier sujeto: docente, alumno, artista, niño.
Se considera que “cuerpo” es un concepto más abarcador y complejo que “figura humana”, contemplando el problema de las diferentes relaciones que éste establece con el dibujo, por un lado a través de la representacióndel aspecto visual del cuerpo, teniendo en cuenta lo formal, lineal y de volumen, social y emocional y por otro lado, la representación de experiencias o ideas vinculadas al cuerpo, usando el cuerpo como material o soporte para dibujos.
La finalidad general es estimular la creatividad, la iniciativa propia y el pensamiento crítico del futuro docente, considerando la problemática del cuerpo como primordial en el niño y en el adolescente, tanto respecto su propio cuerpo, a las relaciones con el cuerpo del otro y a los nuevos sentidos del cuerpo en la cultura contemporánea.
El abordaje de las Disciplinas Artísticas en generalyel Dibujo en particular, en tanto pensamiento lineal, según expresara Luís Felipe Noé; nos permite una aproximación a una fracción de verdad, que nos involucra en la reflexión profundadel arte y de la vida.
La materia pretende ser un acercamiento a esa parte de verdad que cada uno tiene, y para ello propicia la búsqueda, la indagación, la reflexión, etc., del interior de cada persona, hacia el afuera, hacia el otro, el entorno y su contexto.
La teoría sustentada desde la historia del arte, aportará bases conceptuales, conocimientos sobre el proceso del dibujo en distintos momentos de la historia, distintos modos de hacer, de pensar y sentir la producción artística. Estas bases conceptuales serán propicias para generar un espacio de dialogo y reflexión. Estos procesos nos hablan por si mismo de la dinámica del arte y de cómo los conceptos que lo sustentan están íntimamente ligados a los procesos sociales culturales y filosóficos predominantes en las distintas épocas.
Se pretende generar actitudes de responsabilidad y compromiso estimulando al alumno a involucrarse en su proceso de producción mediante la toma de decisiones sobre su propio hacer, el interés por su proceso de aprendizaje, el sentido inherente a su propuesta de producción, en la selección de materiales y técnicas, manejo del tiempo, modos de presentación. Esto también implica un acercamiento paulatino a la toma de decisiones a las que se vera obligado al ingresar al tercer año de la carrera, donde deberá optar por distintos espacios.

Objetivos:


  • Generar espacios para el debate y la reflexión por medio de la observación y el análisis de obras de arte en distintos periodos históricos, con el fin de que el alumno visualice diversos modos de hacer, y que pueda comprende que estos modos se corresponden con distintas concepciones y fines que repercutieron en el tratamiento del dibujo de la figura humana.




  • Estimular la creatividad artística, la iniciativa propia, la sensibilidad y el pensamiento crítico personal, tomando como problemática central de reflexión y creación “el cuerpo”.




  • Producir a partir del reconocimiento de la realidad, mediante la apropiación, construcción, destrucción, y re-construcción de la misma.




  • Relacionar e integrar los conocimientos previos adquiridos no solo en el espacio de taller si no también en otros espacios afines, a las nuevas propuestas de producción.




  • Incentivar al alumno a abordar su proceso de producción con responsabilidad, sintiéndose involucrado en todos los aspectos de la misma promoviendo la búsqueda, la introspección y reflexión como medio de conocimiento interior.




  • Concientizar al alumno a partir de su propio aprendizaje, tanto en el aspecto conceptual productivo y actitudinal, estableciendo relaciones con su futura actividad docente.



Contenidos mínimos
Diferentes modos gráficos de representación del cuerpo: en el arte, en los Mass media.
Representación mimética: canon antropométrico, ejes, anatomía, volumen, movimiento.
Cuerpo y expresión. El cuerpo vestido.
Representación de experiencias corporales: sufrimiento, placer, entre otros. Representación de acciones.
El dibujo como ilustración y como narración. El dibujo como retrato, autorretrato y autobiografía.
Relaciones de cuerpos con el entorno.
El cuerpo como símbolo, metáfora y sinécdoque.
El cuerpo como medio y soporte de dibujos.
Rupturas del modelo mimético. Distorsión, estructuras anómalas, alteraciones en la estructura formal, desviación, corte, desgarro, roturas. Arrugado, plegado, hinchado, deformaciones, metamorfosis, etc.

Bibliografía:
SMITH, Stan. Dibujo de la Figura Human.

NOÉ, Luis Felipe. Antiestética. Ed. Van Riel

RAVERA, Rosa M. Caos y orden en los procesos del arte. Revista de investigación científica de la Facultad de Bellas Artes de la U. N. de La Plata

FRAENZA, Fernando. Problemática General del Arte. Dirección Gral. de Publicaciones de la U. N. de Córdoba

TEISIG, Karen. Las Técnicas del Dibujo, el arte y la práctica. Ed. Libsa, Madrid

CIRLOT, Lourdes. Historia Universal del Arte, Ultimas Tendencias, Ed. Planeta

Wicius Wong. “Fundamentos del Diseño”. Ed. Gustavo

Revistas de Comics, Historietas otras, Fierro, Cazador, obras nacionales e importadas.

Manuel Barbero, Juan Bordes, Ignacio Caballo, Lino Cabezas, Marisa. Las lecciones del DIBUJO:

Casado, Miguel Copón, Xavier Franquesa, Juan José Gómez Molina, Carlos Montes, Marina Núñez, Ramón Salas. Juan José Gómez Molina (coord.). Cuarta Edición. Cátedra- Arte. Grandes temas

Estrategias del DIBUJO En el arte Contemporáneo: Lino Cabezas, Fernando Castro Flores,

Xavier Franquesa, Dora García, Juan José Gómez Molina, Jordi Isern i Torras, José Jiménez, Guillermo Lledó, Gloria Moure, Marina Núñez, José Luis Pardo, Antonio Rabazas, Miguel Ángel Ramos, Alberto Ruiz de Samaniego, Ramón Salas. Juan José Gómez Molina (Coord.)

Tercera Edición. Cátedra –Arte. Grandes Temas

Dibujantes Argentinos del Siglo XX: Centro Editorial de América Latina

Deira Retrospectiva: MNBA Museo Nacional de Bellas Artes. Buenos Aires

EGUÍA, Fermín: Obras 1965- 2005. Laura Malossetti Costa

Las tentaciones de Antonio Saura: Julián Ríos. –Mondadori.

Pintura

(Formato Taller Rotativo, Régimen Trimestral, Horas 5 cátedras semanales)



Fundamentación teórica – metodológica:
Habiendo transitado una primera experiencia con la pintura que nos permitió conocer las múltiples posibilidades que nos ofrecen los materiales y medios pictóricos lo mismo que sus aplicaciones y rupturas, podemos disfrutar de una libertad y comodidad para dominarlos y adaptarlos al estudio y exploración de los modos de representación de la imagen.
En tal sentido, se propone para el desarrollo de la Pintura de Producción Visual Bidimensional II, tomar como eje organizador el tema del cuerpo en su totalidad.
Enfrentar al alumno y futuro profesor con la problemática del cuerpo desde el punto de vista particular de la pintura, reconociendo el potencial expresivo y comunicativo de la relación entre pintura y cuerpo, en diferentes expresiones culturales, permitirán transitar la experiencia de producción y análisis de obras donde los aspectos materiales y técnicos, así como los comunicacionales y estéticos se vean modificados y adaptados a la carga de sentido de las poéticas de la representación.
Estimular no solamente la “observación del cuerpo” sino también la “reflexión acerca del cuerpo”, es fundamental para los futuros docentes en relación a la interacción con los otros, sobre todo con niños y jóvenes.

Objetivos:


  • Generar un espacio taller que permita desarrollar la búsqueda y el descubrimiento de conocimientos a través de la experiencia artístico plástica, y el análisis colectivo de los procesos.




  • Predisponer a los alumnos para la actividad creadora de hechos artísticos en los que aplique y conceptualice lo aprendido en clase, proponiendo documentar sus experiencias en pos de proyectos posibles.




  • Combinar dos metodologías diferentes: ejercicios de experimentación a partir de consignas, y proyectos de creación libre a partir de problemáticas referidas al cuerpo.




  • Incentivar pequeñas investigaciones acerca del tema: el cuerpo en la publicidad, el cuerpo adolescente, el cuerpo erótico, el propio cuerpo.




  • Interactuar de manera crítica a través de la lectura de las propias producciones, la de los pares y las de artistas reconocidos.Propiciar que el futuro docente hable acerca de sus trabajos, valorando el intercambio de experiencias como fuente de aprendizaje. Reflexionar sobre los hallazgos individuales de los alumnos, sus dificultades y sensaciones.




  • Relacionar este proceso de aprendizaje con los demás Talleres Rotativos del Espacio de Producción Visual Bidimensional II.



Contenidos mínimos
El cuerpo, reconocimiento. El cuerpo en la pintura: antes y después de las vanguardias. El cuerpo en la cultura popular y en los medios masivos.
Diferentes modos de representación del cuerpo: descripción, idealización, síntesis, deformación. Sentido de cada forma de representación.
Relaciones entre el cuerpo y otros cuerpos. Relaciones entre los cuerpos y el entorno.
El cuerpo como medio y soporte de pintura: pintar con el cuerpo, pintar en el cuerpo.
La pintura como reflexión en torno al cuerpo: el cuerpo como soporte de experiencias (dolor, placer, sensaciones, huellas. El cuerpo como símbolo y metáfora.
Cuerpo y educación artística.

Bibliografía
Se propone la confección de apuntes de cátedra por el profesor con diferente bibliografía y el uso de los alumnos de los sitios y páginas virtuales específicos y afines.
“La Figura Humana en el Arte” – PORTALdeArte.cl

BodyPaint (El cuerpo como lienzo)

Francis Bacon – (Cuerpos mutilados)

El desnudo Renacentista (belleza, idealización) – Artistas varios

El desnudo en el Arte – Artistas varios

La Imagen Figurativa, Realista y No Realista – www.slideshare.net

Frida Kahlo (Pinturas y biografía)

Representación y relación del cuerpo humano en las culturas primitivas. Marcas del cuerpo.

Tatoos.
ARTE IMPRESO

(Formato Taller Rotativo, Régimen Trimestral, Horas 5 cátedras semanales)



Fundamentación teórica – metodológica
Este taller corresponde al segundo año de la carrera de Profesorado de Artes Visuales, por lo tanto tiene continuidad con Grabado de primer año, por lo cual se profundizarán las técnicas ya experimentadas y se abordará el aprendizaje de otras nuevas, ampliando sus posibilidades expresivas y de producción ligadas a técnicas más contemporáneas que incluyen nuevas tecnologías.
La denominación curricular “Arte Impreso”responde a los cambios originados en el concepto de artesde impresión y reproducción, que vienen sucediendo en la práctica artística desde el siglo XIX; ampliando la disciplina madre “el grabado” e incluyendo nuevas prácticas y manifestaciones artísticas del arte contemporáneo.
Por lo tanto se pretende introducir al alumno en el uso de estas técnicas, en cuanto a diversos materiales, herramientas y procesos de impresión, combinando los mismos y logrando producciones de calidad plástica.
En este taller el alumno comenzará una búsqueda incipiente con respecto a la imagen propia. Para ello la experimentación de las técnicas de impresión - grabado se irán adecuando paulatinamente en función de sus inquietudes personales y del eje orientador propuesto en los espacios de Producción Visual de segundo año: El Cuerpo.
En esta instancia de la carrera el proceso de producción tendrá un nuevo significado para el alumno, porque ya transitó una primera etapa de experimentación centrada en el manejo de las técnicas junto con el juego y el azar. De ahora en más los alumnos afianzarán no sólo el aspecto técnico sino también su discurso expresivo.
El Arte Impreso siempre fue temido por su complejidad técnica, dejando a un lado la poética. Por lo tanto se sugiere centrar la preocupación de este año al discurso, partiendo de lareflexión acerca del cuerpo en su totalidad y trascendiendo la noción tradicional de “figura humana”.
Por lo tanto puede abordarse la preocupación técnica del Arte Impresogenerando el espacio para la exploración y creación de la representación del cuerpo en que los aspectos técnicos, estilísticos o sintácticos se definan a partir de cada propuesta personal del discurso.
Teniendo en cuenta que este puede ser el último año de este espacio curricular para el estudiante, ya que en tercero es opcional, se procurará cubrir la enseñanza de la mayoría de las técnicas de Arte Impreso y sus respectivas herramientas didácticas para la transposición en el aula.

Objetivos


  • Discernir y profundizar los distintos tipos de Arte Impreso, en función de la imagen personal.




  • Trabajar en la adaptación de la imagen a las diferentes posibilidades técnicas, teniendo en cuenta también la idea del proceso creativo con actitud crítica y desarrollando a su vez su propio estilo.




  • Abordar la preocupación técnica característica delArte Impreso a partir de la exploración en la representación del cuerpo, aprovechando los recursos expresivos propios de la disciplina.




  • Involucrar los procesos de producción entre las técnicas tradicionales y nuevas tecnologías, propiciando el desarrollo y objetivación de manifestaciones artísticas de diversa índole, con discursos “desde” el arte.




  • Motivar el uso de un adecuado vocabulario plástico.



Contenidos
El boceto, eje temático: el cuerpo. Diferentes puntos de partida: desde el dibujo de estudio en relación con el espacio, relación figura - fondo. Desde ejercicios de creatividad y expresión personal: Fotos, Collagge, etc. desde distintos conceptos y representaciones del cuerpo. Diferentes planteos de composición. Estructura, encuadres, espacio, luz y sombra, textura.Valoración de líneas, planos de color.
Técnicas de impresión en relieve: bicromía, tricromía, taco perdido.

Técnicas de impresión en hueco: aguafuerte, aguatinta, manera negra.

Monocopias. Aplicación de texturas, naturales, artificiales. Valores y pasajes de color aplicados al fondo de la imagen.

Litografía sobre poliéster. Transferencias.

Serigrafía.

Fotograbado.


Circulación y consumo del grabado: Espacios reales y virtuales: sitios de la Web, páginas, blogs, foros. Espacios de legitimación: premios, salones. Propiedad de la imagen que se reproduce: apropiación, reinterpretación y derechos de autor. El valor económico y social de las artes de impresión y reproducción.

Bibliografía:
Enciclopedia de técnicas de impresión. Judy Martin. Editorial La Isla. 2001

Grabadores argentinos el siglo XX. Editorial Centro Editor de América Latina.

Guía completa de grabado e impresión técnicas y materiales. Alfonso E. Pérez Sánchez. Editorial Fundación Juan March.

Archivo del taller de Grabados del I.S.A.C.

CD ROM “500 GRABADOS 500” Proyecto de ex alumnos del taller de grabado. Docente Coordinador. Gabriela Vargas.

Grabado Verde, página web.

Fotograbado, página web.

IMAGEN Y CONTEXTO II

(Formato Asignatura, Régimen Anual, Horas 2 cátedras semanales: 64 anuales)


De las Vanguardias a la Posmodernidad

Fundamentación teórica - metodológica:
Este es un espacio de conocimiento, indagación y reflexión de las artes visuales en la historia desde las primeras vanguardias hasta la actualidad partiendo del análisis de la producción de imágenes dentro de contextos determinados.
Es importante reconocer los profundos cambios políticos y económicos surgidos en el mundo durante la primera y segunda mitad del siglo XX, como factores decisivos en los procesos de transformación cultural y artística y en la reformulación de los anteriores paradigmas.

Distinguir losmovilizadores procesos que el arte ha atravesado a lo largo de la historia nos permite entender nuestra propia contemporaneidad y vislumbrar cuales son los rasgos heredados que aún persisten en las estéticas actuales como tendencias y estilos, a partir de la reproducción de modelos y estereotipos.


Este recorrido procurará entramar teorías y prácticas artísticas con otros fenómenos socioculturales, políticos e ideológicos, que van definiendo complejidades y especificidades históricas, permitiendo trazar configuraciones de identidades locales dentro de un mundo globalizado.
Se pretende despertar el espíritu de análisis crítico respecto de los contenidos propuestos y el hábito de la lectura de textos e imágenes individuales para trabajar en el intercambio de ideas y generar discusiones entorno, como ejercicio enriquecedor para los futuros docentes.

Objetivos:


  • Desarrollar la capacidad de observación y análisis de las producciones artísticas históricas, relacionando la imagen con los marcos de contextos sociopolíticos, históricos, religiosos y culturales, e identificando procesos de cambio y continuidad.




  • Reconocer las variables fundamentales que definen cada época y los actores sociales intervinientes.




  • Orientar al alumno hacia la comprensión y aplicación de conocimientos vinculados y relación con su propia realidad, reconociendo la Historia como una sucesión de hechos susceptibles de ser revisados desde una mirada contemporánea y actual.




  • Analizar los procesos artísticos y las diferentes posiciones que toma el artista frente a la realidad del mundo que le toca vivir, su compromiso político, científico, humano, etc.




  • Crear un espacio de reflexión que sirva al alumno para analizar su propia obra dentro del contexto espacio temporal que le toca vivir y la actual realidad del fenómeno artístico.



Contenidos mínimos:
Las Vanguardias Europeas, principales movimientos: cubismo, expresionismo, fauvismo, dadaísmo, contructivismo, futurismo, surrealismo. Principales movimientos de vanguardia en Latinoamérica y Argentina, sus representantes. Vanguardias estéticas y políticas en la Argentina de los sesenta. Tramas, relaciones y tensiones en el campo artístico. El Instituto Di Tella. Las Bienales. La cultura como campo de disputas ideológicas y políticas.
Arte en la segunda posguerra. Cambiode centro artístico de París a Nueva York. Despolitización del arte y autonomía artística. Expresionismo Abstracto. Actionpainting. Informalismo europeo.
Las Neovanguardias -Nueva Figuración. Pop Art. Desmaterialización del objeto artístico: Minimaly Arte Procesual. Artes del cuerpo y de acción.Happening, performance, fluxus. Land Art.Activismo y colectivización del arte. Situacionismo. Transvanguardia Italiana.
El arte en la posmodernidad - Arte y tecnología: Video Art. Su desarrollo. Fotografía contemporánea.

Bibliografía

VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo. La crisis de las vanguardias y el debate Modernidad - Postmodernidad;-

Arte del Siglo XX. Historia Universal del Arte – Edit. Planeta.

MARCHÁN FIZ, Simón - Del arte objetual al arte de concepto:las artes plásticas desde 1969 –

Wenceslao, Rambla Zaragozá. Principales itinerarios artísticos del siglo XX:una aproximación a la teoría del arte contemporáneo

Las claves de las vanguardias artísticas en el siglo XX - Lourdes Cirlot

El vídeo y las vanguardias históricas. Laura Baigorri Ballarín

Arte desde 1900: modernidad, antimodernidad, posmodernidad. Hal Foster,Rosalind E. Krauss,Yves-Alain Bois




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