Línea de Tiempo de las vanguardias



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El pop británico


El pop empieza a gestarse en las discusiones que Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi y los críticos Lawrence Alloway y Reyner Banham mantenían en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (ICA) desde 1952. Estas discusiones se centraban en el impacto que la moderna tecnología y los medios de comunicación de masas estaban teniendo en la sociedad. Entre otras cosas, en estas discusiones, se desmontó la pirámide de categorizaciones en la que las Bellas Artes eran la cima equiparándolas al cine, a las artes populares y las artes gráficas.

Hamilton es considerado el artista que creó la primera obra del arte pop: el collage titulado ¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos?, que fue expuesto en la exposición titulada Esto es el mañana en la Whitechapel Gallery de Londres en 1956. En 1961 se presentaba el arte pop británico al público en el año 1961 en una exposición que reunía obras de David Hockney, Derek Boshier, Allen Jones, R.B. Kitaj y Peter Phillips.

El pop estadounidense


En Estados Unidos, el pop
entra en escena en 1961 y arraiga con más fuerza que en ningún otro lugar, a pesar de las reticencias de algunos críticos (Harold Rosenberg) al principio, dada la fuerza que el expresionismo abstracto tenía en todas las instancias de la industria del arte. Sin embargo, la imaginería pop era fácilmente asimilable como algo puramente estadounidense y esto era importante en aquel país pues siempre, tanto artistas como coleccionistas, estaban de un cierto modo en lucha o competencia con lo europeo. La confirmación de esto se produjo con la exposición titulada El Pop Art y la tradición estadounidense en el Centro de Arte de Milwaukee en 1965. Los artistas pop ironizaban sobre la caligrafía y el gesto característicos de los expresionistas abstractos (las obras de Lichtenstein en las que amplifica una pincelada esquematizada gráficamente), o los enormes cuadros de Rosenquist en los que amplifica espaguetis como recordando las nervaciones de los drippings de Pollock, y en general el interés puesto en desechar de la obra toda traza de la intervención manual del artista.

Andy Warhol

Desarrolló unas imágenes personales a partir de objetos completamente impersonales, como billetes de dólar o nuevos productos de moda. Utilizaba imágenes propias de los periódicos, los carteles y la televisión para definir un olimpo particular, compuesto de símbolos de la cultura estadounidense: la silla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos civiles o los retratos de celebridades del momento.[7] La botella de Coca-Cola o las latas de sopa Campbell se convirtieron, para él, en un tema pictórico.

Un evento crucial fue la exhibición The American supermarket, una muestra celebrada en 1964 en la galería Paul Bianchinni, en el Upper East Side de Manhattan. La exposición estaba organizada como el típico pequeño supermercado estadounidense, aunque los productos exhibidos (conservas, carne o posters) eran obra de prominentes artistas del pop: Mary Inman, Robert Watts o el controvertido Billy Apple. La contribución de Andy Warhol fue una torre de latas de sopa Campbell, valorada en 1500 dólares. Lo curioso es que la lata tan solo costaba 6 dólares. La exposición fue uno de los primeros actos públicos en los que se confrontó al público con el pop art y la cuestión planteada por las vanguardias clásicas acerca de qué podía ser arte.

Jasper Johns

En 1951 empezó a pintar obras que se centraban en temas como banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto escolar. Pintaba con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Esta idea de 'arte-como-objeto' se convirtió en una poderosa influencia, bastante fuerte, en la escultura y la pintura posteriores. En algunos cuadros Johns añadía objetos reales sobre el lienzo, como reglas, compases, entre otros. A principios de 1978 volvió a abrir una senda al exponer en la ciudad de Nueva York un ciclo de cuatro obras tituladas Las estaciones. Se considera que estas pinturas, de 1,9 metros por 1,27 metros,[1] han sido especialmente significativas para la historia del arte estadounidense.

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Jasper Johns



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Jasper Jhons



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Andy Warhol Andy Warhol



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Andy Warhol Roy Lichtenstein



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OP ART

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/14/hungary_pecs_-_vasarely0.jpg/230px-hungary_pecs_-_vasarely0.jpg Obra de Víctor Vasarely expuesta en Hungría.

El Op art, también conocido como optical art, es un estilo[1] de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.

El Op Art surge a finales de la década de los '50, para asentarse en los años '60. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.

Fue rápidamente aceptado por el público por sus estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.

Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.

A mediados del siglo XX varios artistas como Josef Albers, Victor Vasarely y M.C. Escher empezaron a explorar en sus obras distintas formas de confundir al ojo. En los sesenta se inventó el término arte óptico para nombrar ese tipo de trabajo, ya que cada vez más artistas abstractos escogían ese estilo.

Los artistas ópticos no estaban interesados en pintar los objetos de la vida cotidiana como los artistas Pop, que eran sus contemporáneos. El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye, que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia.

Entre sus principales representantes estaban la británica Bridget Riley y los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland. También se inscriben dentro de esta corriente el español Eusebio Sempere y el colombiano Omar Rayo.

Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público y pronto se convirtió en punto de inspiración para modistas, publicistas y gente de las artes gráficas.

Además, el arte óptico o cinético (como muchos lo llaman) es uno de los movimientos artísticos que más se relacionan con la investigación científica, al estudiar el color, la influencia de la luz y el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana.

Destacaron entre los representantes del Op Art: Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.

En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras. Los elementos dominantes del arte óptico son: - - líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos.

Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin.



El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York. En el op-art se encuentra Víctor Vasarely: Triond, Supernova, Yaacov Agam, con sus cuadros en relieve, Doble metamorfosis III, Bridget Riley: Current, Jeffrey Steele: La volta, Richard Anuszkiewicz: Iridiscencia, Michael Kidner: Azul, verde, violeta y marrón. Estos Op-Art Artistas Jesús-Rafael Soto (Venezuela), Carlos Cruz Diez (Venezuela), Youri Messen-Jaschin,

Julio Le Parc (Argentina)

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Vasarely

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Bridget Riley Vasarely

http://jesushernandezdbt01.disegnolibre.org/files/2011/04/8vasarely-21.jpgVasarely

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Carlos Cruz Diez

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Carlos Cruz Diez

http://1.bp.blogspot.com/_vs3y8oentt4/tj8gqvtlcti/aaaaaaaahri/brahodlu7-u/s400/julio+le+parc,+acr%c3%adlico+serie+23+n%c2%ba+14-21.jpgJulio Le Parc

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:and9gcsfmcezq5vcxkzlpxl-_zkrxynapl3_qorivgrmnyl3mfl-exsnJulio Le Parc

Arte Conceptual

El arte conceptual es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son lo más importante, el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales (las formas, los colores, los materiales….los aspectos estéticos y sensoriales de la obra), y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.

El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp (principal artista) serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-mades. Daría a los artistas conceptuales las primeras inspiraciones de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común, donde la idea era más importante que el objeto artístico.

Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras la II Guerra mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa, EEUU y Japón. Dos figuras destacan como manantiales de nuevas ideas: el antes mencionado Marcel Duchamp (que emigró a EEUU durante la I Guerra Mundial) y el compositor estadounidense practicante del budismo zen John Cage.



El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí.

De este concepto han surgido formas artísticas como fluxus, (Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik) y el mail art.





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