La danza en el ecuador y el mundo la danza en el mundo



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LA DANZA EN EL ECUADOR

Y EL MUNDO


Ana Córdova

LA DANZA EN EL ECUADOR Y EL MUNDO

LA DANZA EN EL MUNDO

CONCEPTO

La danza o el baile, es una forma de arte en donde se utiliza el movimiento del cuerpo, gestos para expresar sus sentimientos, es una manera de comunicación entre los seres humanos, acompañados a un ritmo musical, con fines de entretenimiento, artísticos o religiosos. Según Marazzo, la danza recoge los elementos plásticos de los movimientos utilitarios de los seres humanos y los combinan en una composición coherente y dinámica animada por el espíritu. Esto la convierte en una obra artística.

- El conocimiento de sus medios de expresión: el cuerpo y las técnicas existentes que lo modelan hasta lo abstracto. El abrir una puerta a la fantasía, a los sueños y al mundo.

Observando la danza de forma global  existe un:


Aspecto limitado. Técnica específica que acota de alguna manera la acción del cuerpo y su movimiento. Exige entrenamiento con métodos tradicionales comunes a las destrezas motrices.
Aspecto libre. Coincidente con el mundo de la expresión, en la que no existen más límites de acción y posibilidades de movimiento que los que uno mismo quiera imponerse. La danza es la más antigua de todas las artes. En las civilizaciones antiguas la danza es un medio esencial para manifestaciones del sentido emocional de la tribu. Se danza para obtener la curación de enfermedades, para pedir la victoria en los combates, para asegurar una caza fructífera, etc. Las danzas naturales han evolucionado perdiendo la precisión de su origen y subsistiendo en forma de folklore en la herencia cultural de los países. El ballet surgió por la fusión del acróbata, el profesional, y el aristócrata, (según Dora Kriner y Roberto García). La danza moderna surgió como reacción opuesta y como necesidad de búsqueda de otras formas de expresión artística. A partir de la década de los 60/70 se inició; el boom del baile encadenado en: Jazz, aerobic, flamenco etc. con cierta importancia sociológica.
- El tecnicismo, cuya importancia se basa en la técnica, olvidándose en ocasiones de la interpretación. La aplicación de la danza debe ser un término medio entre técnica y espontaneidad o movimiento a partir de sensaciones, el objetivo es que la persona pueda expresarse y tenga una base mínima técnica, arte dramático, danza, mimo, se la debe considerarse una parte importante por sus valores estéticos, formativos y de sensibilidad.

En la actualidad las corrientes son infinitas, pero todas se pueden clasificar dentro de dos grandes ramas:




  1. Danza clásica. También llamada académica. Sujeta a rígidas técnicas. De gran tradición. Se baila por amor al movimiento en sí, sin que este sea necesariamente un medio de expresión. La belleza forma parte de la figura humana aislada. La relación con el espacio como medio expresivo, es decir, el bailarín es un ser ideal, entregado totalmente al movimiento, cuyo mundo circundante no ejerce ninguna influencia en su ánimo. La belleza de los movimientos se da por medio de una armonía que se respalda con exclusividad en la simetría y el equilibrio.

Según Esmee Bulnes se puede dividir en:


  1. Danza noble.

  2. Danza de carácter. Aplicado a las danzas tradicionales y a los bailes en que se imitan los movimientos propios de una clase de personas o de alguna profesión u oficio.

  3. Danza de semicarácter. Inspirada en los mismos movimientos que las de carácter pero realizada de acuerdo con las técnicas del baile clásico.

  1. Danza moderna. Iniciada por Isadora Duncan, como reacción a las rígidas normas técnicas de la danza clásica. Pretende liberarse de todos los cánones establecidos y dejar al cuerpo que se exprese libremente.

Paulina Ossona la divide en tantos estilos como creadores:

- Danza Pantomímica o expresionista.

- Danza abstracta o musical.

- Danza concreta o espacial.                         

- Danza plástica.                                         

- Danza rítmica.

- Danza Jazz.

- Danza experimental.
Breve Historia de la Danza

La danza ha formado parte de la Historia de la Humanidad desde el principio de los tiempos. Las pinturas rupestres encontradas en España y Francia, con una antigüedad de más de 10.000 años, muestran dibujos de figuras danzantes asociadas con ilustraciones rituales y escenas de caza. Esto nos da una idea de la importancia de la danza en la primitiva sociedad humana. Muchos pueblos alrededor del mundo ven la vida como una danza, desde el movimiento de las nubes a los cambios de estación. La historia de la danza refleja los cambios en la forma en que el pueblo conoce el mundo, relaciona sus cuerpos y experiencias con los ciclos de la vida.

En la India, entre los hindúes, el Creador es un bailarín, SivaNataraj hace bailar el mundo a través de los ciclos del nacimiento, la muerte y la reencarnación. En los primeros tiempos de la Iglesia en Europa, el culto incluía la danza mientras que en otras épocas la danza fué proscrita en el mundo occidental. Esta breve historia de la danza se centra en el mundo occidental.
La Danza en la Antigüedad

Desde el Egipto de los Faraones hasta Dionisio, los legados escritos, los bajorelieves, mosaicos. Nos permiten conocer el mundo de la danza en las antiguas civilizaciones egipcia, griega y romana. En el antiguo Egipto, las danzas ceremoniales fueron instituidas por los faraones. Estas danzas, que culminaban en ceremonias representando la muerte y la reencarnación del dios Osiris se fueron haciendo cada vez más complejas hasta el punto de que solo podían ser ejecutadas por profesionales altamente cualificados. En la Grecia antigua, la influencia de la danza egipcia fue propiciada por los filósofos que habían viajado a Egipto para ampliar sus conocimientos. El filósofo Platón, catalizador de estas influencias, fue un importante teórico y valedor de la danza griega. Los rituales de la danza de los Dioses y Diosas del Panteón Griego han sido reconocidos como los orígenes del teatro contemporáneo occidental.

Hasta el 200 a.c. la danza formó parte de las procesiones romanas, festivales y celebraciones. Sin embargo, a partir del 150 a.c. todas las escuelas romanas de baile cerraron sus puertas porque la nobleza romana consideró que la danza era una actividad sospechosa e incluso peligrosa. De todos modos, la fuerza del movimiento no se detuvo y bajo el mandato del emperador Augusto ( 63 a.c. 14 d.c. ) surgió una forma de danza conocida actualmente como pantomima ó mímica en la que la comunicación se establece sin palabras, a través de estilizados gestos y movimientos y se convirtió en un lenguaje no verbal en la multicultural Roma.
La danza en la Edad Media

La actitud de la Iglesia Cristiana hacia la danza, a partir del S IV y durante toda la Edad media fue ambivalente. Por un lado encontramos el rechazo de la danza como catalizadora de la permisividad sexual, lascivia y éxtasis por líderes de la Iglesia como S. Agustín (354-430). Por otro lado, antiguos Padres de la Iglesia intentaron incorporar las danzas propias de las tribus del norte, celtas, anglosajones, galos en los cultos cristianos. Las danzas de celebración estacional fueron a menudo incorporadas a las fiestas cristianas que coincidían con antiguos ritos de fin del invierno y celebración de la fertilidad con la llegada de la primavera. A principios del siglo IX Carlomagno prohibió la danza, pero el bando no fue respetado. La danza continuó como parte de los ritos religiosos de los pueblos europeos aunque camuflados con nuevos nombres y nuevos propósitos.


El Renacimiento y el nacimiento del Ballet

El advenimiento del Renacimiento trajo una nueva actitud hacia el cuerpo, las artes y la danza. Las cortes de Italia y Francia se convirtieron en el centro de nuevos desarrollos en la danza gracias a los mecenazgos a los maestros de la danza y a los músicos que crearon grandes danzas a escala social que permitieron la proliferación de las celebraciones y festividades. Al mismo tiempo la danza se convirtió en objeto de estudios serios y un grupo de intelectuales autodenominados la Pléyade trabajaron para recuperar el teatro de los antiguos griegos, combinando la música, el sonido y la danza. En la corte de Catalina de Medici (1519-1589), la esposa italaiana de Enrique II, nacieron las primeras formas de Ballet de la mano del genial maestro Baltasar de Beauyeulx. En 1581, Baltasar dirigió el primer ballet de corte, una danza idealizada que cuenta la historia de una leyenda mítica combinando textos hablados, montaje y vestuarios elaborados y una estilizada danza de grupo. En 1661, Luis XIV de Francia autorizó el establecimiento de la primera Real Academia de Danza. En los siglos siguientes el ballet se convirtió en una disciplina artística reglada y fué adaptándose a los cambios políticos y estéticos de cada época. Las danzas sociales de pareja como el Minuet y el Vals comenzaron a emerger como espectáculos dinámicos de mayor libertad y expresión.



La Danza en el siglo XX

Después de la I Guerra Mundial, las artes en general hacen un serio cuestionamiento de valores y buscan nuevas formas de reflejar la expresión individual y un camino de la vida más dinámico. En Rusia surge un renacimiento del ballet propiciado por los más brillantes coreógrafos, compositores, artistas visuales y diseñadores. Paralelamente a la revolución del Ballet surgieron las primeras manifestaciones de las danzas modernas. Como reacción a los estilizados movimientos del ballet y al progresivo emancipamiento de la mujer surgió una nueva forma de bailar que potenciaba la libre expresión. Una de las pioneras de este movimiento fue Isadora Duncan. A medida que la danza fué ganando terreno, fué rompiendo todas las reglas.


Desde los años 20 hasta nuestros días nuevas libertades en el movimiento del cuerpo fueron los detonantes del cambio de las actitudes hacia el cuerpo. La música con influencias latinas, africanas y caribeñas inspiraron la proliferación de las salas de baile y de las danzas como la rumba, la samba, el tango ó el chacha. El renacer del Harlem propició la aparición de otras danzas como el lindy-hop ó el jitterbug. A partir de la década de los 50 tomó el relevo otras danzas más individualistas como el rock and roll, el twist y el llamado free-style; luego apareció el disco dancing, el breakdancing.

La danza y la música


Muchas formas tempranas de la música y la danza se han creado y realizado en conjunto. Este desarrollo ha continuado vinculado a través del tiempo con las formas de danza, música, tales como: vals, tango, disco, salsa, electrónicayhip-hop. Algunos géneros musicales tienen una forma de danza en paralelo, como la música barroca y danza barroca, mientras que otros, como la música clásica y ballet clásico, se han desarrollado por separado. Aunque la danza es acompañada a menudo por la música, también pueden ser presentada de forma independiente o proporcionar su propio acompañamiento (Claqué). El género de música utilizada en la danza no necesariamente llevará el mismo estilo. También la danza puede llevarse a cabo sin la música, el bailarín se moverá con su propio ritmo o con el sugerido por el coreógrafo.

TIPOS DE DANZA


Danza contemporánea.

La danza ha ido evolucionado en muchos estilos, desde la danza académica o ballet, hasta el breakdance y el Krumping. Las definiciones de lo que constituye la danza dependen de factores sociales, culturales, estéticos, artísticos y morales, así como también del rango de movimiento funcional (como la danza folclórica) hasta las técnicas virtuosas (como el ballet). Cada danza, no importa el estilo, tienen algo en común. No sólo implica la flexibilidad y el movimiento del cuerpo, sino también condición física.


Clásicos

Principalmente llevan movimientos y elementos armoniosos, suaves y coordinados. Estos bailes se practican desde épocas pasadas hasta hoy en día



  • Ballet

  • Danza Medieval, Barroca, Renacentista

  • Danza contemporánea

  • Ballet contemporáneo


Tradicionales y folklóricos

Las danzas folclóricas son danzas que por lo general pertenecen a la cultura y etnia de una región, país o comunidad y pertenecen a la cultura popular



  • Bailes de salón

  • Tango

  • Charlestón

  • Danza Árabe

  • Baile de las Cintas

  • Danza del Garabato

  • Huella

  • Diablada de Oruro




  • Danza clásica jemer

  • Cueca

  • Bacchu-ber

  • Danza griega

  • Bharatanatyam

  • Danza azteca

  • Gomba

  • Diablada puneña

  • Lakalaka

Modernos

Son bailes que han sido de gran demanda en las últimas décadas, sobre todo por el público juvenil. Muchos de ellos han sido usados principalmente por cantantes como parte de su carrera en conciertos, presentaciones, espectáculos o videos musicales.



  • Jazz

  • Breakdance

  • Salsa

  • Para para

  • Rock n' Roll

  • Cross-body lead

  • Pogo Perreo

  • Moonwalk

  • Jumpstyle

  • Hustle

  • Hardstep

  • Pole dance

  • Popping



COREOGRAFÍA


Coreografía (literalmente "escritura de la danza", también llamada composición de la danza). De las palabras griegas "χορεία" (danza circular, corea) y "γραφή" (escritura). Es el arte de crear estructuras en las que suceden movimientos; el término composición también puede referirse a la navegación o conexión de estas estructuras de movimientos. La estructura de movimientos resultante también puede ser considerada como la coreografía. Las personas que crean la coreografía son llamados coreógrafos.
ELEMENTOS DE LA DANZA

La danza se compone de diversos elementos básicos que se interrelacionan, logrando transmitir emociones al público y para el mismo bailarín.



  • Movimiento

  • Ritmo

  • Expresión corporal

  • Espacio

  • Estilo

El uso predominante de uno u otro elemento no es siempre parejo. En ciertos bailes predomina el ritmo, en otros el uso del espacio, en otros el estilo, etc. También es importante destacar que de acuerdo al tipo y género de baile, se acentuará el uso de uno u otro elemento. Dentro del baile se van creando nuevos géneros y variantes al crear nuevas coreografías y de esta forma se van diversificando. Cuando la danza se manifiesta con una intención determinada, diferente a lo que es el puro bailar o como el equilibrio estético que es el ballet clásico, se puede complementar con lo que se puede denominar "adicionales no danzantes". Estos son: mímica, gesto simbólico, canto y palabra.
LA DANZA EN EL ECUADOR

DEFINICION

La palabra DANZA proviene de una palabra del sánscrito, y significa “alegría de vivir”, aunque a través de la danza y en su evolución histórica y social se expresan emociones, sentimientos, situaciones, o coreografías que pueden tener un carácter simbólico o representar ideas puramente estéticas. Se puede definir como la expresión a través del cuerpo de una serie de movimientos coordinados, preestablecidos o improvisados y que tienen una finalidad determinada. Esta finalidad es la expresión y comunicación a través de la organización de distintos movimientos corporales, realizados en un espacio y en un tiempo determinado.



HISTORIA DE LA DANZA

Raymond Mauge fue el pionero del ballet en ecuador y fue quien impulso la danza en nuestro país. El desarrollo del ballet en el Ecuador se vio limitado por las características sociales e ideológicas de la aristocracia, clase en la que se apoyó. Otro de los factores limitantes fue el cambio continuo de gobiernos liberales y conservadores. Desde su origen el ballet europeo se enriqueció con la danza popular y la tradición aristocrática. En el Ecuador se apoyó en la aristocracia criolla,conocedora ocasional del ballet cuando viajaba a Europa. Su gusto se inclinabapor espectáculos teatrales de dudosa calidad como operetas, zarzuelas y comedias que venían continuamente al país. Además, ignoró por completo la naturaleza de las danzas populares, practicadas por los indios y mestizos. Sin embargo, la aristocracia trajo desde Francia ciertos bailes de las cortes, minuet, valses vieneses, polcas cracovianas y alemanas, gavotas, mazurcas, tarantelas, country dance, baile de cuadrillas y lanceros, que los practicaban en los salones más aristocráticos del medio. Las clases subalternas tomaron algunas de estas danzas, mezclándolas con sus bailes y creando danzas simbióticas criollas, muy populares. Aunque es de lamentar que las danzas de carácter y otras de tipo étnico no fueron tomadas en cuenta para el desarrollo del ballet en el país como sucedió en Europa.


En el país, danzar es parte de la actitud de lo ecuatoriano frente al universo; el rito social acude a la danza para destacar momentos y simbolizar, a través del cuerpo, las relaciones con el todo, con el propio ser y entre los individuos. La fiesta religiosa popular se ha servido de la danza como un medio para registrar y heredar códigos de conducta social y formas de relación con lo misterioso, que han perdurado gracias a los personajes protagonistas de la danza, y, más allá, por la forma misma que toma la danza.

Una de las primeras maestras de danza fue Noralma Vera, la que, con la actividad realizada en la Casa de la Cultura, fue responsable de la formación de algunos creadores que protagonizan el mundo de la danza en el país actualmente, como Wilson Pico o Kléber Viera, creadores junto a otros bailarines del Frente de Danza Independiente.

Otros nombres importantes en el país han sido bailarines y coreógrafos como: Patricia Aulestia, Luis Mueckay (Guayaquil), Carlos Cornejo, Susana Reyes, María Luisa González, Arturo Garrido, Terry Araujo, Carolina Andrade, Josie Cáceres, Ernesto Ortiz, entre otros. El panorama lo completa la fuerte presencia de Paco Salvador (Muyacan), y de Rafael Camino (Jacchigua) con sus propuestas en danza multinacional.
CLASIFICACION

Danza Folklórica

Estudio de usos y costumbres, tradiciones espirituales y sociales de expresiones orales y artísticas que permanecen en un pueblo evolucionado (no primitivo) reflejan valores culturales que se transmiten de generación en generación, obedecen a estructuras como el grupo étnico definido por factores como la geografía, la historia, el clima, la cultura.


Danza Moderna

Es fruto de la necesidad de romper con los códigos impuestos por la danza académica, para los artistas de principio del siglo XX la danza es un reflejo de lo que sienten y lo expresan intensamente con sus cuerpos sin preocuparse de consideraciones de orden técnico o estético. Los pioneros de la danza moderna son IsadoraDunca, Ruth Saint Denis, Ted Shawn, LoieFuller esta ultima implemento de manera magistral los efectos de la luz La danza moderna de la escuela americana fundo sus bases en las teorías de FrancoisDelsarte y en la escuela Alemana en Jacques Dalcroze.



Danza Contemporánea Ecuador

Ballet experimental moderno se fundó en Quito en 1970 bajo la iniciativa de Wilson Pico, Diego Pérez y otros bailarines miembros de la Escuela Experimental de Danza de la Casa de la Cultura de Quito. Este se creó como una forma de a lo convencional y de ser parte de las tendencias latinoamericanas de protesta. Ellos propusieron un nuevo tipo de danza. Todas sus obras tenían un contenido social, su vestimenta era rustica y novedosa o la ropa del diario. La música no ere convencional, distorsión de ella o la creación de sonidos, ruidos o el propio silencio. La exposición de sus obras no descartaba espacio libre, en plazas, calles, parques, pueblos, cárceles, hospitales, paradas de buses,... En 1974 el "Ballet Experimental Moderno" se diluyó. Pero marcó definitivamente una línea de trabajo que la desarrolló Wilson Pico y parte de la generación más joven de coreógrafos.




ELEMENTOS

El lenguaje de la danza implica elementos como la postura, el uso del peso del cuerpo y la índole de los movimientos (sinuosos, angulosos), así como los movimientos específicos de la cabeza, torso, manos, brazos, piernas y pies. La mayoría de los creadores de danza moderna consideran esencial examinar el movimiento, y desarrollar teorías sobre sus orígenes y sobre la dinámica que lo rige, como por ejemplo el papel que desempeña la ley de la gravedad, la respiración o la columna vertebral.

Ritmo

Forma


Espacio

Tiempo


Energía

Cuerpo
Características de la danza

En la danza el bailarín no se ve obligado a imitar una acción o a contar una historia, su trayectoria no se inscribe dentro de la lógica de un relato o fábula.

El bailarín es él mismo (contrariamente al actor que siempre es otro)

El bailarín deja ver los arabescos de su movimiento y revela su técnica.

El espectador se siente atraído por la intensidad energética del cuerpo.

La danza es la transformación de funciones normales y expresiones comunes en movimientos fuera de lo habitual para propósitos extraordinarios.

La danza puede incluir un vocabulario preestablecido de movimientos, como en el ballet y la danza folclórica; o puede utilizar gestos simbólicos o mimo, como en las numerosas formas de danza asiática, o bien, pueden buscar un movimiento y un lenguaje más dependiente de sus creadores, como en el caso de la danza contemporánea.



COREGRAFIA

La coreografía es la forma de evolución que sigue una propuesta danzada, se puede presentar con diferentes elementos; sean estos naturales, como los brazos, pies, manos y todo lo que naturalmente sea parte del cuerpo, o accesorios, telas, sombreros y todo lo que se le pueda agregar. Mímica, gesto simbólico, canto y palabra pueden también ser elementos importantes en un espectáculo danzado.


Una coreografía es el ordenamiento del desplazamiento efectuado en el espacio por una o todas las partes del cuerpo del bailarín (o compañía de bailarines), diseñando una forma, impulsado por una energía determinada, con un ritmo previamente acordado, durante un tiempo de mayor o menor duración. El uso predominante de uno u otro de los elementos del movimiento no es siempre parejo, en algunas danzas predomina el ritmo, en otras el uso del espacio, en algunas las posibilidades del cuerpo en sí mismo, etc. También es importante destacar que, de acuerdo al carácter de la coreografía, se acentuará el uso de uno u otro elemento. Los elementos y características escogidas para una danza pueden ser añadidos a otras para elaborar una coreografía, o ser la obra coreográfica sumada a alguna otra presentación artística, como las coreografías en el cine o el teatro.
EXPONENTES DE LA DANZA ANIVEL NACIONAL E INTERNACIONAL
MARIA LUISA GONZALES

De larga trayectoria artística, inició sus estudios de danza en Quito en los años 70s. Con los maestros Noralma Vera y Marcelo Ordóñez. Estudió Danza Moderna, Contemporánea y Coreografía en México en el Seminario de Danza Contemporánea y en el Centro Superior de Coreografía, bailó como solista en la Ópera El Castillo de Barba Azul de BelaBartok en el Teatro de Bellas Artes, tuvo como Maestros a Federico Castro, Jaime Blanc, Victoria Camero entre otros y a la famosa Maestra de la Compañía Graham. Estudió Danza Moderna en Cuba con LornaBurdshall, y Silvia Bernabeu. Obtuvo la beca OEA para el curso de Actualización de Metodología de Técnica Graham en Querétaro México con el Ballet Nacional de México dirigido por la Maestra Guillermina Bravo. Realizó el curso de producción y gestión de espectáculos en Madrid en el Instituto de la Tecnología del Espectáculo, con la beca de la Unesco.


Bailó como solista en el Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes en Berlín. Bailó su obra la Torera, en el Teatro La Guardia de Nueva York. Ha representado al país en distintos foros y festivales en México, Cuba, Estados Unidos, Panamá, Colombia, Perú, Chile, Argentina, España, Francia, Alemania, China y Egipto. Fundó y dirigió el Centro de Formación Dancística e Investigaciones Teatrales en Quito, con el que se fundó El Frente de Danza Independiente, fue Rectora del Instituto Nacional de Danza, perteneció al grupo de estudio de Inter-estética con Ulises Estrella. Ha trabajado con grupos de mujeres. Creó el Proyecto Danza, Identidad y Desarrollo. Dirigió el grupo de Danza Contemporánea de la Universidad Católica. Es asesora de varios proyectos educativos y comunitarios, y actualmente es la Directora de la Compañía Nacional de Danza del Ecuador.
NORALMA VERA ARRATA

Noralma Vera Arrata es una bailarina de ballet, coreógrafa y maestra ecuatoriana, pionera de la danza clásica en ese país. Vera nació en Guayaquil, Ecuador como la única hija entre tres hijos varones del destacado político oriundo de Naranjal, Alfredo Vera Vera y de su esposa Baltita Arrata Macias, de origen siciliano. Vera Arrata proviene de una familia de intelectuales de izquierda. Su tío fue el escritor Pedro Jorge Vera y su hermano Alfredo Vera Arrata es asimismo político, ex Ministro de Educación y de Interior.
Después de finalizar su educación primaria, realizó sus estudios de bachillerato en el Colegio Nacional Guayaquil, en su ciudad natal. Su formación artística comenzó en 1945 en la Casa de la Cultura simultáneamente a su educación académica.

En febrero de 1957 viajó a Londres, gracias a una beca, para perfeccionarse en el Royal Ballet por un año. Para ese entonces, Noralma Vera Arrata ya era una figura prominente y su partida fue publicitada en los medios. En 1958 estudió en París con el profesor VictorGzovsky y bailó en el Ballet de JeanineCharrat hasta 1960. Después viajó a La Habana, donde trabajó con Alicia Alonso hasta 1968.


En 1968 presentó Afirmación, una obra de danza moderna con música de Carlos Cháves. Su interés por esta forma de expresión la llevaría a prepararse en 1972 en la escuela Martha Gram Dance School de Nueva York para introducir la técnica Graham de danza contemporánea en Ecuador. En 1979 continuó su formación en el Centro Superior de la Escuela de Bellas Artes de México. Desde 1968 hasta 1973 Noralma Vera dirigió la Escuela de Ballet de la Casa de la Cultura de Quito, matriz de la escuela en la que ella se formó. En 1974-1977 fue co-fundadora y directora del Instituto Nacional de Danza. La Compañía Nacional de Danza fue creada el 7 de junio de 1976 en Quito y Noralma Vera fue electa parte de la comisión directiva. En 1978 fundó su propia Compañía de ballet y una academia en su ciudad natal. Después de retirarse de la danza activa, Vera trabajó como diplomática del Ecuador en México y en Cuba.
WILSON PICO

Considerado como pionero de la danza contemporánea ecuatoriana, su ímpetu creativo determinó que, a los 20 años, estrenara sus cuatro primeras obras en el recital "Coreografía Experimental". Sus búsquedas personales lo convirtieron inmediatamente en creador polémico. Desde 1970 hasta la fecha, se ha dedicado por entero a su arte, en forma continua, más de cien obras para solos y grupos, en el Ecuador, Colombia, Puerto Rico y los Estados Unidos. Ha aportado tanto con propuestas que han alimentado el artes escénico latinoamericano como la incorporación de una temática de lo nacional popular, de lo marginal, de lo cotidiano, de lo mágico-ancestral, de lo urbano, del shamanismo y propuestas escénicas formales, como la danza en espacios alternativos y danza-teatro.

En 1972 fundó con Diego Pérez y Julio Pico el primer grupo de danza moderna del país, el Ballet Experimental Moderno, BEM, que revolucionó el mundo dancístico del país. Más tarde, fundó y dirigió con José Vacas el grupo Estudio, en Quito-1979. Luego fundó y dirigió Vivadanza, en 1982. Para 1984, fue cofundador del Frente de Danza Independiente, del que fue director desde 1985 hasta 1999.

KLEVER VIERA

Es uno de los más grandes creadores de la danza contemporánea ecuatoriana. Con una formación básica en la danza mexicana, más una investigación y búsqueda corporal permanente. Desarrolla una forma personal de bailar y en consecuencia, presenta sus actos danzados de una forma insólita y en escenarios diversos, que van desde la calle, parques y plazas, hasta las salas y teatros convencionales. En el campo de la enseñanza, parte siempre del objetivo de ir al encuentro del potencial creativo de sus alumnos para desarrollarlo al máximo. Empieza el aprendizaje de la danza a los 21 años. Funda y dirige los grupos Cenda y Yaradanza, que luego formarán parte del Frente de Danza Independiente.


A partir del año 89 desarrolla su proyecto personal "La Danza de la Memoria". Ha bailado en los más destacados teatros y festivales del continente americano y en tres ocasiones ha sido invitado a presentar sus obras en Alemania y Holanda, países en los que ha dictado talleres de composición coreográfica y clases de técnica contemporánea. A su trabajo creativo hay que sumar su permanente actividad como gestor de diversos eventos, talleres, seminarios y festivales internacionales en pro de la difusión y promoción de la danza contemporánea.
SUSANA REYES

Susana Reyes nació con el espíritu de la danza. Lleva treinta años de una fructífera carrera artística, camino que le ha permitido reconocerse como ser humano, parte de una cultura y del universo, revelando una artista de indiscutible calidad, autenticidad y con un gran compromiso humano. Moti Deren, músico y compositor, nació en Cuba -hijo de migrantes europeos- y vivió ahí la primera parte de su vida. Con un espíritu errante, ha vivido en varios países de Europa y América. Conoció a Susana en Nueva York hace 22 años, cuando ella presentaba su trabajo en esa ciudad. Desde entonces los unió el amor, que según ambos confiesan, fue la llama que ha hecho posible todo lo que se han propuesto juntos. Su visión apunta a la construcción constante de un arte libre. La magia y el amor son los factores claves en su trabajo y los que atraen hacia ellos cada tema, cada obra. A su vez, cada tema llama a la música y al movimiento de distinta manera. Hay una relación muy profunda entre la música, la danza y los demás elementos artísticos que construyen en una sola expresión. Y así lo han transmitido también a sus hijas, Atala, de 30 años, y Sisa, de 16.
La Casa de la Danza se constituyó en un espacio abierto para la cultura a partir de 1992. Allí se organizaron eventos por el Día Internacional de la Mujer, al inicio pequeño, aunque contundentes. En el 2003 se potencia este homenaje y se internacionaliza gracias a una importante suma de voluntades, convirtiéndose así en uno de los ejes más visibles de la Casa de la Danza. Otro es "Desde la Danza para la Vida", que es una serie de talleres dirigidos a restablecer el espíritu de la mujer, proyecto al cual Susana se ha entregado con gran compromiso. Con esta actividad cumplen un trabajo muy intenso en todo el país, compartiendo sin límites su experiencia con todo aquel que tenga la inquietud por su arte y su conocimiento. "Cuando el ser humano de una u otra manera es topado por el arte, ya no es el mismo", dice Susana.
El Festival Internacional "Mujeres en la Danza" que hace cinco años era una utopía, ahora es un epicentro cultural que reúne a cinco continentes en un homenaje vivo a la mujer y la paz. Un ciclo significativo para Susana y Moti, donde ven reflejados su trabajo, su filosofía y su vida.
EXPONENTES DE LA DANZA EN EL MUNDO
ISADORA DUNCAN

Isadora Duncan nació en San Francisco, Estados Unidos. Su padre Joseph, abandonó la familia cuando Isadora era aún muy pequeña, siendo posteriormente acusado de fraude bancario, y encarcelado. Esto, creó en el hogar de los Duncan una difícil situación de penuria económica, hecho que influyó al parecer en el alejamiento de la familia de la fe católica que habían profesado (Isadora se declaró varias veces durante su vida como «atea convencida»). Isadora Duncan abandonó la escuela a la edad de diez años y comenzó junto con su hermana Isabel a impartir clases de danza a otros niños de su barrio, mientras su madre, Dora, daba lecciones de piano para sustentar a la familia y se encargaba de la educación de sus hijos. Predominaban en las lecciones musicales Mozart, Schubert y Schumann, que tuvieron una indiscutible influencia en el posterior desarrollo artístico de Isadora.


Expresionismo y danza

Durante su etapa londinense Isadora, siempre inquieta y autodidacta, pasa largas horas en el Museo Británico. Le fascinan las expresiones artísticas de la Grecia clásica, y muy especialmente los vasos decorados con figuras danzantes. De ellas adoptará algunos elementos característicos de su danza, tales como inclinar la cabeza hacia atrás como las bacantes. Es en esta época cuando comienza a consolidarse el estilo único de Isadora. Se trata de una danza muy alejada de los patrones clásicos conocidos hasta entonces, incorporando puestas en escena y movimientos que tenían más que ver con una visión filosófica de la vida ligada quizá al expresionismo (línea de pensamiento artístico incipiente por aquella época), y por tanto a una búsqueda de la esencia del arte que solo puede proceder del interior. Isadora era plenamente consciente de que su estilo suponía una ruptura radical con la danza clásica, y en este sentido se veía a si misma como una revolucionaria precursora en un contexto artístico de revisión generalizada de los valores antiguos. Al mismo tiempo que su estilo se iba consolidando, Isadora estudiaba en profundidad la danza y la literatura antigua a través de los museos, particularmente el Louvre de París, la NationalGallery de Londres y el Museo Rodin.


Los temas de las danzas de Isadora eran clásicos, frecuentemente relacionados con la muerte o el dolor, pero en oposición a los asuntos de la danza clásica conocida hasta entonces, que giraban en torno a héroes, duendes y trasgos. Su puesta en escena era también revolucionaria, y en cierto sentido minimalista: apenas algunos tejidos de color azul celeste en lugar de los aparatosos decorados de los montajes conocidos hasta entonces y una túnica vaporosa que dejaba adivinar el cuerpo y entrever las piernas desnudas y los pies descalzos, frente a los vestidos de tutú, zapatillas de punta y medias rosadas de rigor en el ballet clásico. Isadora bailaba sin maquillaje y con el cabello suelto, mientras que lo habitual en aquella época era maquillarse a conciencia y recogerse el pelo en un moño o coleta. Es comprensible que el estilo de Isadora chocase en un principio al público del momento, acostumbrado al lenguaje de la danza clásica. Isadora hubo de aguantar abucheos e interrupciones de diversa índole en sus sesiones de danza durante algún tiempo, siendo notable en este sentido la polémica que se desató durante una gira por América del Sur en 1916.
MARTHA GRAHAM

Martha Graham nació en Pittsburgh y se mudó a California siendo una niña. Después de ver a Ruth St. Denis bailar en los años 1910 tomó un interés por el baile aunque no fue hasta los 22 años (1916) cuando se interesó profesionalmente, entrando en el Denishawn. En esta histórica escuela Ruth St. Denis pide a Ted Shaw que la tome como alumna ya que le es imposible enseñarle. Ted Shaw no tarda en descubrir las capacidades excepcionales de su nueva alumna.


Se abrió paso solo pero con el constante apoyo de Louis Horst, un músico que trabajaba como acompañante al cual ella conoció mientras estudiaba en Denishawn y que se convirtió en su amante y mentor musical. En 1923, después de una intensa colaboración como ayudante y como bailarina solista de Ted Shaw, Martha Graham abandona el Denishawn. Viaja a Nueva York para bailar en Greenwich VillageFollies y en el Eastman Theater. En 1926 Graham fundó su propia compañía, La Compañía de Danza Martha Graham. Su estilo único de danza moderna reflejaba el arte moderno de su época. Las presentaciones de Graham la hicieron famosa por sus innovaciones en la danza moderna. El estilo de Martha Graham es ampliamente reconocido por sus características contracción y relajación, la caída al piso controlada, los saltos del hombre, y un desarrollo de imágenes que van con los movimientos.
La vida en el baile de Graham gradualmente llegó a un descanso comenzando en los años 1950. En 1948, el Centro Martha Graham de Danza Contemporánea fue establecido. Una de sus estudiantes era la heredera Bethsabée de Rothschild de la cual se hizo amiga cercana. Cuando Rothschild se mudó a Israel y estableció la Compañía de Danza Batsheva en 1965, Graham se convirtió en la primera directora de la compañía, preparó a la primera generación de bailarines, y coreografió trabajos exclusivos para el grupo israelí.

Su última presentación de danza llegó a finales de los años 1960, y después de eso se enfocó en la coreografía. Algunos críticos dicen que aunque hay poco registro existente de sus bailes, éstos son más memorables que su trabajo como coreógrafa. Graham continuó trabajando en el arte hasta que en 1991 murió por causas naturales a los 96 años. En 1998, la revista TIME, la nombró "Bailarina del Siglo", y una de las personas más importantes del siglo XX.


PAUL TAYLOR

Estudió en la Syracuse University y, más adelante, en la JuilliardSchool y el American Dance Festival del Connecticut College. Actuó en las compañías de MerceCunningham, Martha Graham y George Balanchine, antes de fundar su propia compañía (Paul Taylor Dance Company) en 1954.


Su primer trabajo fue todo un manifiesto de intenciones: Duet (1957), donde permanecía inmóvil junto a un pianista que no tocaba el piano -con una no-partitura de John Cage-. Esta actuación provocó una respuesta análoga del famoso crítico Louis Horst: dejó su sección del Observer en blanco. Pese a lo vanguardista de la propuesta, sus montajes posteriores fueron más tradicionales, con una clara apuesta por la musicalidad y el lirismo, aunque tratados de forma más natural: destacan Aureole (1962), Airs (1978) y Arden Court (1981).
El estilo irónico y parodiante de Taylor, a caballo entre la violencia y la hilaridad, ha hecho que se englobe su obra dentro de la denominada danza posmoderna, que introdujo lo corriente y lo cotidiano, los cuerpos ordinarios frente a los estilizados de los bailarines clásicos, con una mezcolanza de estilos e influencias, desde las orientales hasta las folklóricas. Su mordacidad e irreverencia han llevado un soplo de aire fresco al mundo de la danza clásica, hasta entonces tan mística y conceptual. En 1987 publicó su autobiografía, PrivateDomain.Ha sido galardonado con el Premio Kennedy en 1992 y la Medalla Nacional de las Artes.El gobierno francés lo condecoró con la Legión de Honor en 1990.


MERCE CUNNINGHAM


Merce Cunningham (nacido en Centralia, Washington, el 16 de abril de 1919- 26 de julio de 2009, Nueva York)[1] fue un bailarín y coreógrafoestadounidense.

Cunningham nació en Centralia, Washington, EEUU, y recibió su primera formación formal en danza y teatro en la CornishSchool (actualmente, la CornishCollege of theArts) en Seattle. Desde 1937 hasta 1943, fue solista en la compañía de Martha Graham.


El interés de Cunningham en la tecnología contemporánea le llevó a trabajar con el programa para computadora «DanceForms», que usó para realizar todas sus danzas desde Trackers (1991). En 1997 empezó a trabajar en captura de movimientos con Paul Kaiser y Shelley Eshkar de Riverbed Media para desarrollar el decorado para BIPED, con música de GavinBryars, interpretada por vez primera en 1999 en el Zellerbach Hall, Universidad de California en Berkeley. Otra obra destacada, Interscape, interpretada por vez primera en 2000, unió a Cunningham con su anterior colaborador Robert Rauschenberg, quien diseñó el decorado y los vestuarios de la danza, con música de John Cage quien fue su pareja hasta su muerte en 1992.
En octubre de 2005 Cunningham recibió el PraemiumImperiale en Tokio. En Francia, fue nombrado comandante de la Orden de las Artes y las Letras en 1982 y Caballero primero (1989) y luego oficial (2004) de la Legión de Honor.

JOSÉ LIMÓN


José Arcadio Limón Traslaviña (Culiacán, Sinaloa, 12 de enero de 1908 - Flemington, Nueva Jersey, 2 de diciembre de 1972), fue un bailarín, maestro de danza y coreógrafo mexicano-estadounidense. Es considerado el precursor de la danza moderna, además de iniciador de las técnicas coreográficas que aún hoy se siguen y de que fue el primero en resaltar el rol masculino entre las compañías de danza.
Cuando se le cuestionó acerca de su acercamiento a la danza, Limón recordaría una presentación de los bailarines HaraldKreutzberg e Ivonne Georgia,[1] la primera función dancística a la que asistió, comentando "lo que presencié simple e irrevocablemente me cambió la vida. Vi la danza como una visión de poder inefable. Un hombre puede, con dignidad y torrencial majestuosidad, bailar. Bailar como las visiones de Michelangelo y como baila la música de Bach".[2] En tal declaración encerró la determinación que lo guiaría a emprender la carrera de le dio fama y reconocimiento el resto de su vida.
Comenzó su carrera cercana a los 20 años de edad, pero eso no le impidió destacar en el mundo de la danza y alcanzar alturas únicas. Inició sus estudios formales en la ciudad de Nueva York con Doris Humphrey y Charles Weidman. En 1946 estableció su propia compañía de danza en Estados Unidos, la Compañía de Danza José Limón, que se consolidó siendo la primera compañía estadounidense en dar una gira por Europa. Además, en su presentación debut (1947) fue catalogado por el New York Times como "el más fino bailarín masculino de su tiempo"[]. La pieza más famosa creada por José Limón es TheMoor'sPavane, con música de Purcell (1949), que rápidamente se convirtió en una pieza replicada por muchos ballets y compañías alrededor del mundo. En 1969 José Limón creó la fundación que lleva su nombre José Limón Dance Foundation.


Anexos

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SWAN BLACK

Es la historia de una chica estudiante de ballet, una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza, no tiene tiempo para ella ni para su familia. Nina vive con su madre, una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija y como su madre ayuda a que ella sea la mejor de todas sus bailarinas. Cuando el director decide sustituir a la bailarina principal en la nueva producción “El lago de los cisnes”, escoje a Nina como su primera opción. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina igual de mejor como ella que también ha impresionado gratamente al director. Entonces la producción requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla. Nina con su obsesión de ser la mejor mucho más que lily entrena y es tanto su obsesión, que la misma obsesión se vuelve en locura y empieza a imaginar cosas siente que la rival es un peligro, pero se dio cuenta que ella era la misma detrás de todo, ella misma era la rival se hizo daño que hasta llego a destruirse. Este es una historia muy hermosa que demuestra que a quien debes vences es a nosotros mismo pero teniendo en cuenta nuestra propio talento de que si podemos llegar a ser una buena bailarina o por lo menos intentar a llegar a serlo.


BILLY ELLIOT

Billy Elliot es un pequeño niño que se entrena para el box a cargo de su padre, pero mientras el observa las bailarinas de ballet en el mismo lugar que entrena empieza a sentir algo inexplicable, su cuerpo siente la música y sin darse cuenta su cuerpo en pieza a tomar forma del ritmo de la música. Y la señora quien los entrenaba a las niñas se intereso por Billy porque demostró tener un talento innato para el ballet entonces la señora le da clases de ballet gratuitas y a escondidas de su padre, ella lo entrenaba para las audiciones que hay en Londres para una escuela famosa de ballet. Pero ya que su padre lo descubrió lo obliga a salir del ballet. La señora le explico al padre y lo comprendió y lo dejo asistir pero aun así pensó que era un pérdida de tiempo y además que no era digno de ser para un niño pues a pesar de muchos problemas que tuvo al fin ensayar tranquilo, entonces Billy entreno todas la veces que podía, el escuchaba la música lo sentía. Sentía que era una su vida el ballet. Al ballet lo llevaba en el corazón. Después de mucho el fue a la audición y lo logro y tuvo que irse a Londres a estudiar ballet y al final se convirtió en uno de los mejores bailarines de ballet y lo demostró y su padre se sintió feliz al verlo por primera vez después de mucho tiempo hacer un papel muy importante. Esto nos demuestra que un sueño como el bailar se lo puede lograr con constancia.


SWAN LAKE

El lago de los cisnes es una pieza de ballet influencias de danza contemporáneo, es uno de los actos mas largo que se ha ejecutado en 1995. Se basa en un joven príncipe de la corona con su madre distante y su deseo de ser libre, representado en un hermoso cisne. Se divide en actos:


Primer acto

Se trata del príncipe, que cuando es un niño se despierta de una pesadilla de un cisne, al siguiente día se prepara sus funciones del día, en la segunda escena se viste de gala, con el transcurso del tiempo crece y el príncipe se hace joven adulto, su madre le busca una novia. En la escena tres escenifican con un ballet el príncipe y su novia, en la escena cuarta encuentran al príncipe descontento en su habitación frente al espejo y violento, en esta escena termina con pas de deux. En la escena cinco y seis se desvía del ballet clásico a la forma de jazz y danza moderna, el príncipe busca su amor entre los extraños, en la siete desaparece su novia. Mientras el príncipe esta sentado en las calles se imagina a un grupo de cisnes que vuelan hacia él, es el primer destello de la descendencia del príncipe en la locura.


El segundo acto
Decepcionado de que jamás encontrará el afecto, el Príncipe contempla el suicidio en el segundo acto, pero es salvado por unos hermosos cisnes en el lago de un parque público. En este acto representan hombres bailando ballet en lugar de bailarinas, su vestuario es reemplazado con los pechos desnudos, con plumas pantalones hasta las rodillas, y marcas negras, fácil negro. El príncipe toma tu tiempo amoroso es lo que siempre ha deseado, la ley de la felicidad termina en un triunfo pero no esta todo claro, no se da cuenta que son producto de su imaginación.

Tercer Acto
Esta escena inicia con una princesa de las naciones europeas y sus acompañantes llegan a las puertas del palacio para un gran baile. La novia se cuela entre ellos.

Escena Dos lleva a cabo en un salón de baile de ballet. Comienza con la llegada de la reina y el príncipe, pero rápidamente degenera en una fiesta. En esto llega el hijo carismático y agresivo de coquetear con todos las mujeres, incluida la reina.


El príncipe ve algo de su amado cisne en el hijo, y él es tan atraída por su valentía y el magnetismo animal, que es rechazado por su lascivia. Durante esto realizan una secuencia de danzas nacionales, queda claro que la Reina es poderosamente atraída por el hijo de von Rothbart. Su padre, el secretario privado, mira con una aprobación cada vez más triunfante. El Príncipe en su mente se imagina bailando íntimamente con él, pero interrumpe el príncipe confusión de la fantasía, y los movimientos del hijo a su vez rápidamente de amor a la violencia. El príncipe se imagina a los otros huéspedes en el baile reír y ridiculizar a él. La Reina y el joven vonRothbart abrazados comienzan a besarse, lo que indica su aceptación de él como su amante. Abrumado por sus sentimientos en conflicto, el príncipe decepcionado amenaza con matar a su amante.

Cuarto Acto
En el acto final de los Cisnes de Matthew Bourne del Lago del Príncipe, considerado como haber perdido el juicio, se limita a un asilo en una habitación con una ventana alta con barrotes, y es tratado por un médico y un equipo de enfermeras con máscaras que se asemejan a la cara de la Reina, en una escena que recuerda de su preparación a principios del ballet. Una vez más, la Reina es incapaz de expresar plenamente el amor de su hijo.

El príncipe se mete en la cama y parece dormir. Sin embargo, empieza a retorcerse como los sueños de la compañía de los cisnes que salen de debajo y detrás, el baile amenazante a su alrededor. Se despierta de su pesadilla, el control debajo de su cama y alrededor de su habitación para los cisnes. Su expresión torturada y movimientos bruscos transmite el príncipe luchando para lidiar con la realidad y la fantasía. Su Cisne conduce lentamente emerge desde el interior de la cama del príncipe. No está claro si esto está sucediendo en la realidad o es simplemente otra de las visiones del Príncipe. El Cisne amor baila con el Príncipe. El príncipe, a pesar de sus esfuerzos, es demasiado débil para salvar a su amor. Afligido, los gritos y el príncipe se derrumban en la cama. La Reina encuentra el cuerpo de su hijo muerto y llora. Sin embargo, en la muerte el príncipe y el cisne pueden estar juntos.

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