Historia del Arte. Segundo de Bachillerato. Contenidos. Bloque II. Arte Barroco en Italia. José González Ceballos



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Historia del Arte. Segundo de Bachillerato. Contenidos. Bloque II. Arte Barroco en Italia.

José González Ceballos. Colegio María Auxiliadora (Salesiano). Mérida. Página





12. ARTE BARROCO. EL SIGLO XVII EN ITALIA: CARAVAGGIO, BERNINI Y BORROMINI




1. CONTEXTO HISTÓRICO.
El XVII es el siglo de los enfrentamientos religiosos Reforma-Contrarreforma y el siglo en que se desarrolla el Absolutismo. Se imponen dos poderes terrenales: el de los Papas y el de los reyes. El Arte Barroco es el arma de esos poderes.
El término “barroco” designa el arte del siglo. XVII y procede del portugués barroco y del español barrueco –perla irregular-. Era, pues, para los clásicos “extravagante y ridículo”. En el siglo XIX, le dio su actual significado: “etapa artística que se opone al Renacimiento.

Aunque nace en la Roma de la Contrarreforma impulsado por los Papas, distinguimos:



  • El Barroco Contrarreformista extendido por Italia y España, para manifestar la grandeza de la Iglesia y comunicar los postulados del Concilio de Trento.

  • El  Barroco del Absolutismo francés, más clásico; manifiesta el poder del Rey.

  • El Barroco protestante de los Países Bajos y Holanda para una clientela burguesa, con temas costumbristas, naturalezas muertas, interiores y paisajes

Pese a esa diversidad, los rasgos que definen al arte barroco son:



  • Impresionar y conmover bien a los fieles en la Italia y la España de la Contrarreforma, bien a los súbditos en la Francia del Absolutismo.

  • Es una reacción contra el Renacimiento.



2. ARQUITECTURA EN ITALIA
A) Características generales.


  • El Barroco nace en Roma, y los Papas son los grandes mecenas.

  • Frente a la belleza, armonía y equilibrio renacentistas, el Barroco asombra con la grandiosidad, el lujo y el dinamismo.

  • Utiliza la columna de orden gigante o colosal decorando las fachadas.

  • Rasgo esencial es el movimiento que se consigue:

  • alternando rectas-curvas,

  • entrantes-salientes,

  • partes cóncavas-convexas;

  • alabeando –ondulando- paredes, fachadas y entablamentos;

  • utilizando columnas salomónicas.

  • Lleva una abundante decoración en las fachadas.

  • Usa bóvedas complejas, entablamentos interrumpidos, frontones partidos...

  • La arquitectura religiosa muestra el esplendor de Dios y el triunfo sobre el protestantismo. Influye el modelo de iglesia jesuita (Il Gesú, de Vignola).

  • La arquitectura civil rompe con el palacio-fortaleza renacentista; ahora llevan jardines, fuentes y esculturas y salones con una profusa decoración.



B) Importancia del urbanismo.
La ciudad barroca es la imagen del poder del gobernante.

Fontana realizó la planificación urbana de Roma con calles anchas y rectas que conducían a los lugares santos y uniendo las grandes basílicas. Servirá de modelo a otras ciudades.

En ese urbanismo, también intervino Bernini con la Plaza de San Pedro (la veremos luego). Precisamente, las plazas son fundamentales en el urbanismo barroco: embellecen la ciudad, son punto de referencia para trazar las calles, símbolos del poder civil o religioso y escenarios de representaciones teatrales; se articulan en torno a una Iglesia o Palacio, para resaltarlo; en ellas se sitúan estatuas, obeliscos, arcos y fuentes.




C) Arquitectos fundamentales.
Carlo Maderna realizó la Fachada de la Basílica de San Pedro con orden gigante y un frontón central que remata en un ático con estatuas.


Bernini fue el principal arquitecto. Reflejó el poder de la Iglesia y realizó:


  • El Baldaquino de San Pedro sobre la tumba del apóstol y bajo la cúpula de Miguel Ángel. Lleva cuatro columnas salomónicas de bronce y orden colosal decoradas con ramas de olivo y pámpanos de vid (símbolo de la Eucaristía). Ángeles y niños coronan el dosel. Su entablamento ondulado sostienen cuatro volutas y una bola con cruz.




  • Iglesia de San Andrés del Quirinal, pequeña y de planta ovalada. El muro exterior es cóncavo. El pórtico es convexo con entablamento curvo sostenido por dos columnas. A los lados, dos pilastras son coronadas por un frontón.






  • La Plaza de San Pedro del Vaticano. Bernini cerró la plaza con una enorme columnata. La plaza se aleja de la fachada para permitir contemplar el edificio. El tramo intermedio tiene forma divergente para aproximar la columnata a la fachada en un alarde de ilusionismo barroco. La Columnata tiene planta elíptica con cuatro filas de columnas de órdenes distintos y estatuas sobre el entablamento.




Borromini. Arquitecto opuesto a Bernini, pues rompe con el sentido clásico. Su estilo está lleno de fantasía e ingenio. Logra el movimiento con entablamentos y cornisas ondulados con ritmos cóncavos-convexos. Usa formas medievales y materiales pobres -ladrillo y estuco-.

Su obra fundamental fue San Carlos de las Cuatro Fuentes. Es de planta ovalada. En el interior tiene una cúpula ovalada con pechinas. La fachada es dinámica, con movimiento ondulante en tramos convexos y cóncavos, combinando el orden pequeño y gigante; en la cima coloca un medallón ovalado sostenido por ángeles.






3. ESCULTURA EN ITALIA
A) Características generales.



  • El tema importante es el religioso, propaganda de la fe católica. Otros son el funerario, el ecuestre, el alegórico y el mitológico en fuentes y palacios.

  • Expresa las pasiones del alma, y se prefiere escenas de gran dramatismo.

  • Muy naturalista con gran calidad en texturas de la carne, tela....

  • Muestra movimiento: paños que flotan, expresividad de brazos y manos,...

  • Predilección por la figura serpentinata.

  • Aparecen violentos juegos de luces y sombras.

  • Los materiales son el bronce y el mármol.


B) Bernini es el escultor más destacado. Sus obras muestran todo lo que mencionado anteriormente: un gran dominio técnico aprendido de los maestros de la antigüedad y renacentistas, gran expresividad y dramatismo, mucho dinamismo y movimiento, la forma serpentinata y violentos juegos de luces y sombras. Esculpe temas religiosos (éxtasis místico) y mitológicos. Sus obras fundamentales son:

  • Apolo y Dafne. Escena mitológica en su momento más dramático: Dafne se convierte en árbol al ser alcanzada y tocada por Apolo. Capta el contraste psicológico: Dafne se incurva de dolor mientras Apolo la contempla absorto. También contrasta la suave textura de Dafne y la aspereza del árbol en que se transforma. Las curvas de los cuerpos y las diagonales dan a la obra movimiento ascendente: brazos que se extienden, cabellos que ondean al aire y los pliegues de los escasos ropajes.



  • Éxtasis de Santa Teresa. Grupo que plasma un estado de ánimo: momento en que el ángel-cupido se acerca a la Santa que está en pleno éxtasis, para clavarle la saeta (según descripción de los arrebatos místicos de Santa Teresa). Los profundos pliegues ondulantes y cortantes transmiten dinamismo y crean sombras. Destaca la audacia barroca de utilizar materiales sólidos para representar elementos etéreos como las nubes y los rayos solares.








  • El David. Escultura en la que superó en energía y movimiento el tema tratado por Donatello y Miguel Ángel. El rostro, considerado su autorretrato, presenta un gesto tras el cual se adivinan el esfuerzo y la tensión del momento.




  • Beata Ludovica Albertoni. Repite el desmayo místico de Santa Teresa: el punto culminante del “pathos”: muestra la agonía ante la muerte. Pliegues muy angulosos y pesados.




4. PINTURA EN ITALIA.

A) Características generales.

  • Naturalismo: triunfa lo real (dolor, vejez, tristeza).

  • Composición asimétrica. Desequilibrio (opuesto a las reglas clásicas).

  • Se utiliza la diagonal.

  • Movimiento: figuras inestables, escorzos, ondulaciones, ropajes...

  • Predomina el color sobre el dibujo: se llega a pintar con manchas de colores.

  • Perspectiva lograda con líneas convergentes, escorzos, perspectiva aérea...

  • La luz juega con las sombras (Tenebrismo); no se ilumina todo.

  • Es, sobre todo, religiosa para a exaltar los valores de la Contrarreforma.


B)Tendencias y pintores.


  • El Tenebrismo y Realismo de Caravaggio.




  • El protagonista del cuadro es la luz artificial que crea fuertes contrastes de luces y sombras. Se llama Tenebrismo: se ilumina lo que interesa con una luz violenta y dramática. Las figuras destacan sobre un fondo oscuro.

  • Su otro rasgo es el Realismo: el artista se inspira en personajes de la vida diaria, lo que resulta escandaloso para la Iglesia, y consigue el estudio psicológico en los rostros.

Sus obras fundamentales son:



Vocación de San Mateo. Narra la conversión de Mateo, recaudador de impuestos, sentado a una mesa con otras personas. Por la derecha entra Jesús, señala a Mateo y le invita a seguirle. Mateo se sorprende. Concentra la atención en las figuras. La luz diagonal penetra por la derecha e incide violentamente sobre los puntos que quiere captar, creando contraste entre luz y oscuridad (Tenebrismo). Los modelos son gente de la calle, lo que le acarrea problemas.


Muerte de la Virgen. El clero lo rechazó por considerarla indigna. Escena dramática con personajes tomados de la calle: son modelos vulgares y para la Virgen sirvió de modelo una mujer ahogada con el vientre hinchado y pies desnudos sobre un camastro de tablas y paja. El centro lumínico y dramático es la Virgen. El juego de claroscuro acentúa el dramatismo con una figura de primer término llorando desconsolada.



Otras obras interesantes son la Crucifixión de San Pedro y la .Conversión de San Pablo.



  • El Clasicismo. Está representado por los hermanos Carracci, que pintan a la manera idealizada del Renacimiento. Importante fue Annibale Carracci y sus temas mitológicos, como sus frescos del Palacio Farnesio en Roma.




  • La Pintura Decorativa. Se denomina así porque se pintan bóvedas con perspectivas ilusionistas, con mucho movimiento y espacios infinitos. Muestran arquitecturas recortadas contra un cielo abierto y figuras voladoras en escorzo. Destacó Andrea Pozzo con su Triunfo de San Ignacio en la iglesia del mismo nombre.





Análisis y comentario nº 26. COLUMNATA DE SAN PEDRO, Bernini (vista aérea con basílica)

Observamos una vista aérea de la Plaza de San Pedro del Vaticano que en realidad se compone de dos plazas: una trapezoidal, más estrecha primero y que se abre hasta conectar con la fachada de la basílica de San Pedro; otra elíptica rodeada por una columnata sobre la que se asientan las figuras de santos y en cuyo centro aparece un monumental obelisco. En esta última plaza los dos brazos de columnas a cada lado simbolizan el abrazo de la Iglesia a los fieles. Las columnas forman cuatro filas de estilo sobrio de orden toscano, pero de orden gigante y dinámicas, algo propio del Barroco. El espectador en movimiento puede observar, desde la plaza, múltiples perspectivas en las que los efectos de luz y sombras juegan un papel protagonista en la visión siempre dinámica (recurso óptico).

La plaza da paso a la basílica de San Pedro, sede de la Iglesia católica y símbolo de su poder, y queda relativamente alejada de la fachada para permitir la contemplación global del edificio. Precisamente, en esta vista aérea vemos esa Fachada realizada por Maderna, con orden gigante y un frontón central que remata en un ático con estatuas
Es la Plaza de San Pedro del Vaticano, en Roma, de Bernini, encargo de Alejandro VII. Pertenece al Arte Barroco italiano del siglo XVII.
Contenido. Tras años convulsos, la Iglesia católica retomó las riendas de su autoridad. La Contrarreforma planteó una nueva manera de acercarse a los fieles, conmoviéndolos. En arquitectura, esto se consiguió con monumentos como esta Plaza de San Pedro que, tras atravesarla, dejaba ver la basílica, provocando la admiración y la emoción: el fiel se enfrentaba a la visión grandiosa y espectacular de la fachada de la basílica coronada por una espléndida cúpula. Esta vivencia fue calculada minuciosamente por Bernini.

Bernini (hablar de él y citar sus obras).

Otro arquitecto fue Borromini (citar sus obras).

Por último, hablar de la importancia del urbanismo y plazas en el Barroco.




Análisis y comentario nº 27. IGLESIA DE SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES, Borromini: exterior (fachada).

El análisis y comentario debe realizarlo el alumnado en fecha determinada por el profesor.




Análisis y comentario nº 28. APOLO Y DAFNE, de Bernini

Observamos un grupo escultórico (escena) a tamaño real realizado en mármol. Es de bulto redondo, exenta y con figuras semidesnudas.

Tema. Representa el mito de Dafne extraído de La Metamorfosis de Ovidio. Dafne, nombre griego que significa laurel, era una ninfa. El dios Apolo la amaba, pero la ninfa no le correspondía. En una ocasión, Apolo perseguía a Dafne y esta huía hacia. Cuando el dios iba a alcanzarla, la joven dirigió una plegaria a Zeus suplicándole que la metamorfoseara para poder escapar. Su petición fue concedida, y la joven comenzó a transformarse en árbol (laurel). De sus pies salían raíces y sus extremidades se convertían en ramas.

Estilísticamente:



  • La composición está llena de dinamismo y movimiento.

  • Aparecen grandes efectos lumínicos, claroscuros.

  • Gran expresividad: el grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo muestran un contraste de actitudes, el interés por representar emociones. Se capta la angustia de la ninfa.

  • Multiplicidad de puntos de vista: desde la espalda de Apolo, Dafne queda oculta, mostrando sólo el árbol en que se transforma; y girando alrededor tenemos una visión en el tiempo de la metamorfosis de la ninfa.

  • Apolo es un muchacho joven con peinado casi femenino, el cual abraza tristemente al árbol.

  • Dafne ofrece el contraste de su piel suave que se recubre de ramas y corteza, sus uñas delicadas se alargan en hojas. Sus cabellos forman un ramaje y el cuerpo se transforma en tronco.

  • Aparece la línea abierta típica del Barroco.

Es la obra Apolo y Dafne, de Bernini, arquitecto y escultor del Barroco italiano del siglo XVII.

Es una talla en mármol.

Bernini (hablar de él como escultor y citar sus obras).

El Barroco (hablar del Barroco en escultura)




Análisis y comentario nº 29. MUERTE DE LA VIRGEN, Caravaggio


Tema. Escena realizada al óleo sobre lienzo. Sobre fondo oscuro, se representa la muerte de la Virgen sobre un lecho humilde. Alrededor, los apóstoles muestran el dolor de la pérdida, y en primer término una mujer joven, María Magdalena, sentada en una silla también humilde, inclina la cabeza por el dolor.

Estilísticamente:

  • Obra de gran austeridad y naturalismo, propio de las ideas de la Contrarreforma.

  • Apóstoles y Virgen son personajes populares, tomados del natural: muestra la emoción que se siente por la muerte de un ser querido. Todo es humilde: vestidos, rostros populares y algunos sin calzado. El rojo del vestido de la Virgen es un color asociado a las mujeres humildes y a las prostitutas, y sustituye al tradicional color azul asociado a la pureza de la Virgen.

  • La iluminación es tenebrista (definir tenebrismo).

  • La composición se aleja de los modelos establecidos: la cama se sitúa oblicuamente para subrayar el dramatismo; los apóstoles están desordenados; desaparece toda referencia al elemento sobrenatural. Destaca la diagonal que sigue el foco de luz, y la distribución se realiza en tres franjas horizontales: la superior ocupada por el cortinaje, la central por apóstoles y cuerpo de la Virgen, la inferior por la figura de la Magdalena.

  • La Virgen es una mujer joven, humildemente vestida, descalza y que muestra los signos de la muerte: hinchazón del cuerpo y un rictus mortal en el rostro.

  • Los apóstoles muestran el dolor silencioso de los humildes ante la muerte.

  • Todo es austeridad: silla de madera, cama, caldero…

  • Oscurecimiento del fondo, propio de la perspectiva aérea y del tenebrismo. Le acusaron de pintar fondos oscuros para ocultar su incapacidad de construir una verdadera perspectiva pictórica.

  • Utiliza recursos dramáticos para conmover: colores cálidos, fondos oscuros que destacan las figuras del primer término, distribución espacial asimétrica...

Es La muerte de la Virgen de Caravaggio, pintor del Barroco dentro de la corriente naturalista tenebrista del Barroco, del siglo XVII.

Es óleo sobre lienzo.

Localización: Museo del Louvre (París).

La tendencia naturalista consiste…El tenebrismo…Caravaggio…

La obra fue un escándalo. La encargó la Iglesia de Santa María Della Scala, Roma. Se consideró que el tratamiento de la Virgen era una falta de respeto, pues Caravaggio tomó como modelo el cadáver de una mujer ahogada en el Tiber, quizás un suicidio, terrible pecado como para servir de modelo a la Virgen.







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