Historia del Arte. Segundo de Bachillerato. Contenidos. Bloque I. Renacimiento: arquitectura y escultura. José González Ceballos



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Historia del Arte. Segundo de Bachillerato. Contenidos. Bloque I. Renacimiento: arquitectura y escultura.

José González Ceballos. Colegio María Auxiliadora (Salesiano). Mérida. Página






9. ARQUITECTURA Y ESCULTURA EN EL RENACIMIENTO: BRUNELLESCHI, BRAMANTE, DONATELLO Y MIGUEL ÁNGEL.




1. CONTEXTO HISTÓRICO.
El Renacimiento nace en Italia al tener cerca, como inspiración de los artistas, los restos del Imperio Romano. El término lo acuñó Vasari en el siglo XVI: se llama así porque "renacen" los ideales de la antigüedad clásica, la cultura grecorromana.
Incluye los siglos XV y XVI. Por ello, sus etapas son:

  • El Quattrocento o siglo XV, y cuya capital artística será Florencia.

  • El Cinquecento o siglo XVI. Pleno Renacimiento con capital artística en Roma.

  • El Manierismo. Desde la tercera década del s. XVI. Es una reacción anticlásica.

El Renacimiento se extenderá de Italia al resto de Europa durante el siglo XVI.


Si tuviésemos que caracterizar al Renacimiento, estos serían sus rasgos:

  • Humanismo. Cambia el concepto medieval del hombre. Ahora es el centro de todas las cosas e introducirá cambios en la cultura y el arte.

  • Racionalismo. La realidad es comprendida a través de la razón y los artistas investigan racional y científicamente antes de llevar a cabo sus obras.

  • Desaparición del anonimato artístico. Se valora al autor; el arte ya no es oficio.

  • El mecenazgo. El mecenas protegía al artista, le encargaba obras y las coleccionaba. Pertenecían familias acaudaladas (Médici, Rucellai, Pitti,…).

  • Tratadistas, críticos y biógrafos. Son los teóricos del arte; escriben las experiencias artísticas pasadas y presentes. Y se reeditan antiguos tratados, como el de Vitrubio.

  • El artista estudia los modelos clásicos y la naturaleza. La arqueología descubre obras de la antigüedad; la naturaleza aparece en los fondos de la pintura o en la representación anatómica. Pero será un naturalismo idealizado.

  • Ideas antropocéntrica y antropométrica. El arte se realiza a la medida del hombre. La figura humana es el centro de la obra, con obsesión por la proporción, armonía, serenidad y equilibrio.


2. ARQUITECTURA EN ITALIA
a) Características generales.


  • Se imita el concepto de la proporción, medida y orden clásicos. large[1]

  • Utiliza elementos clásicos:

  • arco de medio punto;

  • columnas y pilastras;

  • órdenes clásicos (el corintio); bóvedas de cañón;

  • la cúpula (influencia del Panteón de Agripa);

  • frontones, entablamentos;

  • el sillar almohadillado;

  • ladrillo, piedra y mármol.

  • Plantas Basilical y Central, con interior amplio buscando la unidad espacial.

  • Decoración sobria y .exteriores muy cuidados.

  • La arquitectura civil es tan importante como la religiosa, destacando los palacios.

En el Quattrocento o siglo XV, la capital del arte es la Florencia de los Médicis.

En el siglo XVI, la capital es la Roma de los Papas, el máximo esplendor con una arquitectura más grandiosa. En este siglo debemos establecer dos etapas:


  • Cinquecento o Clasicismo (hasta 1525): domina la medida, proporción y equilibrio;

  • El Manierismo a partir de 1525, que rompe con ese clasicismo.



b) Arquitectura del Quattrocento (siglo XV)

Destacó Filippo Brunelleschi, cuya obra más importante fue la Cúpula de la Catedral de Florencia con la que cubrió el espacio central de la Catedral gótica inacabada. Conocía las cúpulas clásicas y construyó una de 42 m. de diámetro (como la del Panteón) sobre un tambor octogonal. Utilizó un sistema de doble cúpula: la interior semiesférica y la exterior apuntada con 8 nervios de mármol y, entre ellos, tejas planas (alternancia cromática). Los nervios confluyen en la linterna.



También realizó el Hospital de los Inocentes; las Iglesias de San Lorenzo y del Santo Espíritu con plantas basilicales de tres naves separadas por arcos de medio punto sobre columnas corintias y cúpula sobre pechinas en el crucero; y la Capilla Pazzi, de planta cuadrada y cúpula sobre pechinas.

Importante también fue fue Leon Bautista Alberti, un teórico que describió la perspectiva y ofreció la importancia del orden y del equilibrio en sus obras: Templo Malatestiano, Iglesia de San Andrés de Mantua y Fachada de Santa María Novella.



Diseñó el Palacio Rucellai, sobrio, con fachada de tres pisos separados por entablamentos y con pilastras toscanas en el primer piso, jónicas en el segundo y corintias en el último. El muro es almohadillado con ventanas geminadas inscritas en arcos de medio punto en los pisos superiores y con puertas adinteladas en el inferior. Marcan el ritmo líneas horizontales y verticales y curvas y rectas.




c) Arquitectura del Cinquecento (siglo XVI)


  • En el Cinquecento o Clasicismo destacó Bramante. Realizó:

El Templete de San Pietro in Montorio, encargo de los Reyes Católicos en el lugar de martirio de San Pedro. De planta circular, se alza sobre un basamento con escalinata, se rodea de una columnata de orden toscano y friso con triglifos y metopas. Se corona con una balaustrada, una cúpula sobre tambor con hornacinas y linterna.




El Papa Julio II le encargó la nueva Basílica de San Pedro del Vaticano. Bramante presentó un proyecto de cruz griega y cúpula rodeada por una columnata y con cuatro torres en los ángulos. Al morir, fue continuada por varios arquitectos.




  • Arquitectos del Manierismo. A partir de 1525 aparece el Manierismo o transición entre el Renacimiento y el Barroco. Se rompe con el clasicismo y con el equilibrio, los elementos se emplean con libertad y se introduce el orden gigante. Arquitectos destacados son:


Miguel Ángel. Somete los elementos clásicos a una interpretación personal:

Trabajos en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Al morir Bramante y sus sucesores Rafael y Sangallo, continuó la obra a Miguel Ángel. Suprimió el proyecto anterior y diseñó el edificio para recibir el principal tema del Renacimiento, la cúpula. Aunque imita a la de Brunelleschi, gana en altura -131 metros-, es más pesada y maciza: lleva nervios robustos que descargan el peso sobre un tambor, rematado en ático, decorado con columnas pareadas a los lados de ventanas con frontones rectos y curvos alternados. La linterna es de Giacomo della Porta.




Escalera de la Biblioteca Laurentina. Resuelve el problema de salvar el desnivel entre la puerta de la biblioteca y el resto del edificio con escaleras que hacen más monumental esa pequeña puerta. Los escalones curvos del tramo central parecen desparramarse hacia el que sube. Estas ilusiones anticipan el movimiento y la teatralidad barrocos.


Vignola. Realizó Il Gesú, en Roma, modelo de iglesia jesuítica con nave única cubierta con bóveda de cañón, capillas entre contrafuertes y cúpula en el crucero. La fachada es de Giacomo della Porta.


Andrea Palladio. Arquitecto y teórico, es autor de la Basílica y del Teatro Olímpico de Vicenza, y de la Villa Capra o La Rotonda de planta cuadrada con cúpula y cuatro pórticos iguales a imitación de los templos romanos.


3. ESCULTURA EN ITALIA
a) Escultura del Quattrocento (siglo XV).


  • Se apoyó en modelos clásicos pero con base en el naturalismo gótico. Por ello será una escultura esbelta, elegante pero con gusto por los detalles realistas.

  • Se desarrolla el desnudo clásico y el artista se centra en la belleza de las formas.

  • Se estudia la anatomía, el contrapposto y la tensión del movimiento en potencia.

  • Junto al tema religioso, resucita el retrato ecuestre antiguo.

  • Los materiales son mármol y bronce. Las técnicas son el esculpido (mármol) y la fundición (bronce), con interés por las texturas y los pulidos.

Destacó Donatello. Mostró interés por la figura humana aislada, el desnudo y el retrato ecuestre. Representó los estados de ánimo y el curso completo de la vida (infancia, madurez, vejez) y utilizó el schiacciato (líneas sinuosas y suave modelado).

Sus obras son:


  • San Jorge, héroe cristiano esculpido joven, apuesto, elegante y mirada serena;

  • el Profeta Habacuc, o Il Zuccone (el pepino, el calvo), muy realista;

  • el Condottiero Gattamelata, retrato ecuestre en bronce; y, sobre todo,

  • El David, héroe bíblico que venció al gigante Goliat, símbolo de la República florentina que triunfa sobre el enemigo: es de bronce y tiene elementos clásicos como el desnudo (el primero de bulto redondo del Renacimiento), pero con botas y gorro del campesino toscano. Es de tipo praxiteliano con curva suave en las caderas y rostro adolescente.




b) Escultura del Cinquecento y Manierismo (siglo XVI)
Desaparece la delicadeza del siglo XV y aparece la grandiosidad monumental con un tamaño superior al natural.

Destacó Miguel Ángel, influido por los descubrimientos del Torso Belvedere y El Laocoonte. Fue arquitecto, pintor… pero se consideró sobre todo escultor. Su tema fue la figura humana con dos rasgos esenciales: belleza y expresividad:



  • Buscó el ideal de belleza con el mármol de Carrara, creando poderosas figuras en lo físico y en lo espiritual con una anatomía hercúlea.

  • Expresará sentimientos varios, sobre todo el dramatismo o Terribilitá.

  • Estudió los problemas del movimiento y de la composición.

  • Es clasicista en sus primeras obras; luego, manierista.

En un primer momento fue clasicista, como se observa en La Piedad del Vaticano, obra en mármol influida por la delicadeza de Donatello. La Virgen, con el ideal clásico de belleza, tiene un rostro más joven que el del Hijo para “mostrarla eternamente virgen”. Su dolor es resignado, callado. Los pliegues del manto crean contrastes de luz y sombra. Cristo tiene el cuerpo desplomado, la cabeza vencida hacia atrás y el brazo inerte. La composición es piramidal.


Luego, aparece en sus obras esa fuerza que caracterizó al artista, como en El David, encargo de la República de Florencia como símbolo de su poder, encarnando las virtudes renacentistas: “fortezza e ira”. El problema fue encontrar el bloque de mármol y aprovechó uno alargado que no le permitió ningún movimiento. David, joven atleta (modelo griego), estudia al rival en tensión y se prepara para la acción, un movimiento contenido o calma aparente pero de gran fuerza interior, pues ofrece ira, la terribilitá. Desarrolla más la cabeza, los brazos y la mano del muslo. Subraya fuertemente los músculos y venas con un modelado delicadísimo.


Mausoleo de Julio II. Proyectado con 40 figuras, sólo realizó algunas, destacando la de Moisés que expresa la cólera, la terribilitá ante la ceguera de su pueblo (tentado por el paganismo). Rompe con el equilibrio clásico y le influye El Laocoonte en la anatomía hercúlea y grandiosa, la expresividad y el contrapposto.


Mausoleos de Guliano y Lorenzo de Médicis. Juliano aparece como general romano y su sarcófago lleva las figuras del Día (joven musculoso) y la Noche (mujer dormida). Lorenzo se esculpe pensativo –sabiduría- y en su sarcófago aparecen el Alba (figura desperezándose) y la Tarde (viejo decrépito). En la obra se muestra la dualidad principio-fin, vida-muerte, bien-mal.

La Piedad Rondanini es su última obra en un momento de crisis espiritual. Abandona la belleza y armonía de la del Vaticano y la fuerza y vigor del Moisés. Son dos cuerpos alargados con la forma sólo esbozada y con textura áspera.




Análisis y comentario nº 15. CÚPULA DE LA CATEDRAL DE FLORENCIA. Bruneleschi

Observamos parte del exterior de un edificio, una cúpula sobre un tambor octogonal.



  • El tambor, de piedra, se reviste con placas de mármol y lleva ventanas circulares (óculos) en todos sus lados.

  • La cúpula tiene ocho caras de ladrillo y es apuntada por los nervios de mármol.

  • En la unión de los nervios, una linterna.

La cúpula se realizó con un innovador sistema constructivo: sin cimbras y con ladrillo hueco. Está formada por un doble cascarón con un espacio vacío en medio; el cascarón interno es semiesférico, el externo, apuntado.

Aligeran el peso en el exterior unas semicúpulas, por lo que ya no pesa sobre el edificio, sino que aparece libre y como hinchada en el aire, con los paramentos tensos entre los nervios como la tela entre las varillas de un paraguas.
Es la Cúpula de la catedral de Florencia o Santa María de las Flores, catedral gótica obra de Arnolfo di Cambio y cuyo campanile es de Giotto. La cúpula la realizó Brunelleschi, arquitecto del Renacimiento italiano del siglo XV o Quattrocento.

Los materiales son el ladrillo, la piedra y el mármol.

Brunelleschi fue arquitecto y orfebre. Conocedor de las matemáticas y de la geometría, se inspiró en modelos arquitectónicos romanos y góticos. Además de esta cúpula, es autor de las iglesias de San Lorenzo y del Santo Spirito, la capilla Pazzi, el Hospital de los Inocentes y el palacio Pitti, todas ellas en Florencia.

Significado e importancia. La cúpula es símbolo del orgullo de Florencia, la más prestigiosa del siglo XV.

Fue la primera obra renacentista inspirada en la cúpula del Panteón de Agripa. Tendrá un enorme éxito y será muy imitada durante el Renacimiento. Miguel Ángel se inspiró en ella para su cúpula del Vaticano.





Análisis y comentario nº 16. TEMPLETE DE SAN PIETRO IN MONTORIO, de Bramante

Realizar por el alumnado.




Análisis y comentario nº 17. CÚPULA DE SAN PEDRO DEL VATICANO, Miguel Ángel

Observamos una cúpula o bóveda semiesférica con que se cubre parte de un edificio, en este caso la Basílica de San Pedro del Vaticano.

Como toda cúpula está formada por tres elementos: tambor, cúpula o cascarón y linterna.

El tambor es circular y presenta columnas pareadas corintias que sobresalen del muro. Entre ellas hay grandes ventanales rectangulares adornados con frontones triangulares y curvos alternativamente. Sobre este tambor, un segundo tambor lleva decoración de guirnaldas.

La cúpula, sobre el tambor, lleva nervios robustos que generan juego de luces y sombras y que confluyen en el arranque de la linterna. Entre los nervios hay pequeñas ventanas coronadas por frontones curvos y triangulares alternados.

La linterna remata el conjunto, ilumina el interior y hace más esbelta la cúpula. También está formada por columnas pareadas. Es de Giacomo Della Porta.

La sensación de la cúpula es la de ser más pesada y maciza que la de Brunelleschi, aunque elegante.

El juego de luces y sobras, con elementos entrantes y salientes, más la alternancia de frontones triangulares y curvos, dan a la cúpula un aspecto dinámico, siendo, por tanto, elementos manieristas.

Para descargar su gran peso se diseñaron cuatro cúpulas pequeñas, aunque sólo se construyeran dos.
Es la Cúpula de San Pedro del Vaticano, de Miguel Ángel y pertenece a la arquitectura italiana del siglo XVI, el Renacimiento, aunque Miguel Ángel rompe con el clasicismo del Cinquecento y nos ofrece elementos propios del Manierismo.

Con respecto al autor… (hablar brevemente de él).

La Cúpula de San Pedro domina la ciudad de Roma y es símbolo de toda la cristiandad.

En su construcción se distinguen varias etapas: Bramante comienza la obra levantando los pilares. A su muerte se refuerza la cimentación. Luego, Miguel Ángel acomete su construcción con un nuevo proyecto del que sólo vería concluir el tambor. Tras su muerte, y tras interrumpirse los trabajos, serán Giacomo della Porta y Fontana quienes, en dos años, de 1588 a 1590 la concluyan según el proyecto que Miguel Ángel aunque con un perfil algo más apuntado.

En cuanto a su importancia, esta cúpula sirvió de modelo a grandes construcciones posteriores, tanto manieristas como barrocas.




Análisis y comentario nº 18. DAVID DE DONATELLO

Observamos una escultura de bulto redondo, exenta, de cuerpo entero, de pie y desnuda, fundida en bronce. Representa a adolescente David, que derrotó a Goliat y le cortó la cabeza con su propia espada. David pisa la cabeza con aire pensativo y sostiene en su mano la espada de Goliat y la honda con la que lo dejó inconsciente.

Estilísticamente:


  • La sencillez del desnudo se rompe con el calzado de David y el yelmo de Goliat, trabajado con relieves del primer Renacimiento (motivos «in candelieri»).

  • David lleva el sombrero de paja de la Toscana, del que cae su pelo; lleva también una corona de hojas,

  • Es un desnudo clásico (el primero de bulto redondo renacentista), natural, pero muy expresivo, pues la mirada satisfecha da idea de su valentía.

  • Hay contraste entre el rostro sereno de David y el gesto desmadejado de Goliat.

  • Tiene influencia de Praxiteles: el contrapposto se inspira en la curva praxiteliana. El cuerpo se balancea ligeramente; la pierna doblada no lo sostiene, y debe hacer fuerza sobre la otra con un deslizamiento de la cadera.

  • Perfección anatómica, con modelado muscular muy suave, casi femenino.

  • El movimiento es muy sensual.

Es el David de Donatello, obra del Renacimiento italiano florentino, del Quattrocento o siglo XV.

La técnica utilizada es la fundición, y el material, el bronce.

Lo encargó Cosme de Médicis como símbolo que conmemorase las victorias de Florencia frente a Milán. David es Florencia (de ahí el típico sombrero toscano), y Goliat, Milán. En lo moral simboliza al héroe que con su virtud puede vencer al enemigo poderoso.

El tema de David es un clásico del arte italiano y fue tratado por Miguel Ángel y Bernini.

Donatello fue el más importante artista del Quattrocento italiano y un renovador de la escultura y del fundido de bronce. Le interesó el estudio del ser humano, centro del Universo, con toda gama de caracteres, penetrando en su psicología. Otras obras son San Jorge, el Profeta Habacuc y el Condottiero Gattamelata.







Análisis y comentario nº 19. PIEDAD DEL VATICANO, de Miguel Ángel

Observamos una escultura, un grupo, de bulto redondo, exenta, de cuerpo entero, sedente y esculpida en mármol.



Tema. María sostiene, con expresión resignada de quien acepta una voluntad superior, el cadáver de su hijo, muerto para redimir a la humanidad. Es una Virgen joven, bella, cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues. El Hijo muerto aparenta mayor edad que la Madre. La Virgen no mira a Cristo: con su cabeza inclinada y con el gesto de la mano izquierda acepta en silencio la voluntad divina.
Estilísticamente:

  • en una composición triangular;

  • el punto de vista es frontal,

  • es una obra sosegada, calmada y serena, muy clásica, además de tierna;

  • la juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista: representa el ideal de belleza y juventud, una Virgen eternamente joven y bella;

  • el estudio anatómico es perfecto;

  • hay contraste entre los pliegues de la vestimenta de la Virgen, con oquedades y claroscuros, y las superficies lisas del cuerpo de su Hijo.

Es la Piedad del Vaticano, de Miguel Ángel. La obra pertenece al Renacimiento italiano del Cinquecento o siglo XVI.

Es una talla de mármol.

Pertenece a su etapa de juventud clasicista. Aún no ha aparecido la nota esencial de su escultura: su estilo expresivo, dramático, terrible (terribilitá).

El tema de la Piedad lo repitió varias veces con diversos tratamientos, indicándonos su evolución artística y espiritual. La última fue la Piedad Rondanini, que dejó inacabada, y cuyo patetismo, que anticipa el barroco, nada tiene que ver con la serenidad clásica de esta obra de juventud.

La Piedad del Vaticano es la única obra firmada por Miguel Ángel. Cinceló la inscripción “Michael Angelus Bonarotus florentin faciebat” en la cinta que cruza el pecho de la Virgen.



En 1972 un demente martilleó el rostro de la Virgen. Se restauró y protegió con medidas de seguridad.




Análisis y comentario nº 20. DAVID, de Miguel Ángel


Este análisis y comentario será realizado por el alumnado en fecha determinada por el profesor.guiza

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