Historia del Arte (Contexto) El arte gótico Contexto



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Historia del Arte (Contexto)
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El arte gótico

  1. Contexto

El arte gótico nació a mediados del siglo XII, en una sociedad marcada por el feudalismo, la religión y la monarquía. Época próspera en sus inicios, gracias al crecimiento demográfico, los avances en la agricultura y la ganadería, con una economía creciente y la aparición del comercio. El centro de la vida se traslada del centro a la ciudad, económica, demográfica, política y religiosamente. Y gracias al nacimiento de las ciudades, la mano de obra y la economía, se construyen las grandes catedrales francesas, apoyadas por los monarcas. La influencia de los modelos franceses llegó a España en el siglo XIII, durante el reinado de Fernando III, gran promotor de la arquitectura de las catedrales. El monarca y la Santa Sede financiaron los proyectos de las tres grandes catedrales castellano leonesas: Toledo, Burgos y León, un símbolo de la espiritualidad y los avances técnicos en la Edad Media.

2. La Arquitectura Gótica. La Catedral y los Edificios Civiles:

2.1 Características:

La arquitectura fue la principal expresión artística del arte gótico, las artes plásticas estarían supeditadas y adaptadas a estos grandiosos edificios.

Los avances arquitectónicos de éste periodo se deben principalmente a dos elementos:


  • El arco ojival de forma apuntada, que sustituyó al arco de medio punto

  • La bóveda de crucería, resultado del cruce de dos arcos ojivales, que sustituyó a la bóveda de cañón.

Estos elementos permitieron dotar al edificio de mayor altura y longitud, y abrir grandes ventanales. Se construían grandes esqueletos flexibles de piedra, revestidos de cristal por las vidrieras. Un sistema de construcción que desafiaba a la gravedad y simbolizaba la espiritualidad con elementos apuntados que pretendían alcanzar el cielo y acortar las distancias entre Dios y los hombres.

2.2 Catedral:

Era la Iglesia mayor diocesana, donde se asienta la cátedra del obispo. No sólo fue casa de oración, sino también el marco para grandes eventos reales como bodas, bautizos y funerales; reuniones gremiales o representaciones en Navidad o Semana Santa.

Encontramos en Europa grandes catedrales como las de Francia: Reims, Amiens, París, Chartres; Inglaterra: Salisbury; España: Burgos, Sevilla, Toledo y León.

La estructura de las catedrales es herencia directa de las iglesias de peregrinación románicas, presentando elementos como:



  • Planta cruciforme (cruz latina)

  • Cabecera muy desarrollada con girola y capillas radiales.

  • Naves longitudinales separadas por arcadas.

  • Tribunas sobre naves laterales, para aumentar aforo.

  • Triforio formado por una galería perforada en el muro para contrarrestar el alabeo de los pilares y usada para labores de limpieza y mantenimiento.

  • Cuerpo superior de ventanas hasta el arranque de la bóveda.

  • Torres campanarios a los pies.

Se incorporan novedades para aumentar el tamaño y la altura del edificio:

Arbotante: un gran brazo de piedra exterior para neutralizar el empuje de las bóvedas de crucería centrales, descargándolos sobre los contrafuertes laterales. Permitió construir edificios luminosos de cinco a siete naves, con elevados ventanales.

Rosetón: Ventanal circular cerrado con vidrieras.

Chapitel o aguja: un elemento arquitectónico que se sitúa en la parte superior de una torre, campanario o iglesia a modo de remate.

Contrafuertes en los muros laterales para contrarrestar el peso.

Pináculo: un elemento arquitectónico decorativo que se utiliza en la arquitectura gótica sobre los contrafuertes. Posee forma de pilar rematado en su parte superior con una figura piramidal o cónica. Suelen ser realizados en piedra, aunque también los hay confeccionados con plomo.

Gárgola: parte sobresaliente de un caño, que sirve para evacuar los caños de agua de lluvia de los tejados. Muy usadas en iglesias y catedrales, suelen estar adornadas mediante figuras intencionadamente grotescas, que representan hombres, animales, monstruos o demonios. Existen diversas teorías acerca de su significado:

  • Representan a un demonio huyendo de la iglesia.

  • Especie de espantapájaros para ahuyentar a los espíritus malignos.

Gablete: Remate a modo de frontón que son utilizados para acentuar la verticalidad del edificio.

Portadas: Entradas principales a la catedral que estaban ricamente decoradas con esculturas,

Amplios y estilizados ventanales decorados con vidrieras de colores.

Laberinto: Se grababa en la solería de la nave central y los arquitectos lo aprovechaban para firmar su intervención en el templo y enterrarse. Representaba el final del recorrido para los peregrinos. Debían llegar hasta el centro de rodillas.

La catedral de Notre Dame de Reims es la mayor representante de éste estilo, símbolo del ideal arquitectónico, la armonía gótica y la realeza francesa. Las obras comenzaron en el año 1211, bajo el obispado de Enrique de Braisne, quien tomó la construcción cómo la exaltación de su persona y también de su rivalidad con la ciudad de Amiens, contratando a los mismos escultores que labraron su portada. Los diferentes maestros que dirigieron las obras grabaron sus nombres en el laberinto.



  • Jean de Orbais , diseñó los plano con una gran cabecera que ocupa la mitad del templo, donde ubicó el Coro. Abrió ventanales en las capillas absidiales de la gloria.

  • Jean de Loup edificó el transepto e inició las naves. Inauguró la catedral en 1241.

  • Bernard de Soisson. En 1255, realizó el rosetón de la fachada, que, por su trazado de nervios, dio origen al término “rayonnat” (radiante) pues parecía representar una rueda de fuego. Posteriormente se desarrollaría el gótico flamígero imitando ese tipo de decoración.

2.2.1 Las grandes catedrales españolas del gótico atlántico y mediterráneo.

La influencia de los modelos franceses , llegó a España, en el siglo XII durante el reinado de Fernando III el Santo, gran promotor de la arquitectura de las catedrales. El morarca y Santa Sede , financiaron los proyectos de:



Toledo: iniciada en 1227 por el maestro Martín , es una iglesia de planta de salón, inspirada en la de Notre Dame de París , sin los brazos del transepto. Es la más grande de las catedrales españolas del siglo XIII , con cinco naves y tres pisos, hueco de capillas, triforio de arquillos poli lobulados ciegos, influencia del arte mudéjar y un cuerpo de ventanas. Posee una doble girola , cubierta con tramos triangulares y rectangulares contrarrestados por arbotantes bifurcados.

Burgos: Similar a la de Toledo, fue dirigida por el maestro Enriquez y Juan Pérez. Originariamente tenía tres naves, un transepto de brazos muy marcados y amplia cabecera con girolas y capillas absidiales, que inicialmente eran semicirculares pero acabaron siendo semi-decagonales. Tiene tres plantas y el triforio está decorado con arcos ojivales ciegos. Pero el elemento singular que caracteriza ésta catedral es el espinazo que cruza las bóvedas ojivales en su parte dorsal.

León: Situada en el camino de Santiago, recibió influencias de París. Sus maestros de obras fueron el Maestro Simón, Maestro Enriquez Y Juan Pérez. Es una réplica de la catedral de Reims pero de dimensiones reducidas en un tercio. Con tres naves, amplio transepto y cabecera con cinco capillas poligonales que se abren a la gloria. El triforio está perforado con vidrieras.

En el siglo XVI, los modelos del atlántico, que proceden del norte de Francia, son sustituidos por el gótico mediterráneo del Sur. Se caracterizan por tener planta “ad aula” (una sola nave) y fachada “ad cuadratum”. Son iglesias de una o tres naves, con capillas entre los contrafuertes y cubiertas a la misma altura. Se puede observar éste mismo estilo en la catedral de Gerona.



2.3 Los edificios civiles:

En la ciudad, se erigían los edificios que rodeaban la catedral, se trata de edificios civiles en los que se suavizó la verticalidad y se adaptó el espacio a la función de cada uno: el ayuntamiento, la lonja, la universidad y el palacio.



Universidades: En las capitales europeas en el siglo XIII se extiende la enseñanza de Teología, Derecho y Medicina, para ello se construyen las grandes Universidades, como la de Oxford, Salamanca o Bolonia, inspiradas en el trazado de los monasterios, con patios para leer y pasear, a modo de claustros alrededor de los que se ubicaban las aulas, biblioteca y capilla.

Lonjas: Nacen debido al incremento del comercio. El edificio pionero fue la lonja de Ypres en Bélgica. Tenemos en España ejemplos cómo La Lonja de Barcelona, S XIV, y la de Valencia de 1482.

Ayuntamientos: Lugares diseñados para albergar las reuniones de las corporaciones municipales burguesas. Se convirtieron en réplicas laicas de las catedrales, con torres campanario apuntadas, gran suntuosidad, tejados empinados o galerías porticadas. Grandes ejemplos son el Palazzo del Comune en Siena (Italia), o el Ayuntamiento de Bruselas en Bélgica, así como otras muestras en Alemania y los Países Bajos.

Palacios: Las clases más acaudaladas construyeron mansiones urbanas, que se adaptaban a los negocios y la vida doméstica. Viviendas con almacenes, oficinas, salas de recepción, dependencias para la servidumbre y habitaciones más confortables para la familia. Ejemplo de éstos edificios son la Ca d’Oro de Venecia y el Hotel de Jacques Coeur, en Burgues (Francia).


  1. La escultura gótica: portadas y retablo.

    1. Portadas:

La portada gótica sigue cumpliendo la misma función pedagógica que ejerció durante el Románico: enseñar las verdades cristianas a la población iletrada.

Las diferencias con respecto a la Alta Edad Media, se basan en la supremacía de la escultura sobre los elementos arquitectónicos, la gran cantidad de imágenes, las novedades iconográficas de los temas y la composición naturalista, que acercará lo divino a lo humano.

En el Pórtico Real de Chartres , se representa un cortejo de reyes y reinas del Antiguo Testamento, las esculturas se conciben como estatuas columnas que ocultan las jambas.

También se esculpirán las arquivoltas del tímpano con representaciones de las Artes Liberales, los signos del Zodiaco y un calendario con los trabajos que se realizaban durante los doce meses del año. La arquitectura de esta catedral se cubrirá también, con decoración floral: ramas tallos, hojas y sarmientos de la Vid.

Todos estos experimentos ornamentales se extenderán a las portadas góticas de los siglos XIII, XIV y XV.

La gran cantidad de imágenes en las portadas se debe a tres factores principalmente:



  • Necesidad narrativa pone el analfabetismo de la población.

  • Mayor espacio en los tímpanos, al ser de forma apuntada. Se pueden representar más escenas y personajes.

  • Mayor número de portadas, al existir más naves longitudinales: seis accesos en el transepto y tres en la fachada principal.

Temas:

En cuanto a los temas, en las portadas aparecen los santos protectores contra la enfermedad y la peste, los mártires milagrosos y los patronos de las ciudades.

Pero la principal fuente de inspiración es el Nuevo Testamento. Se representarán los doce apóstoles frente a los doce patriarcas de las tribus de Israel, los cuatro evangelistas (Mateo, Marcos, Lucas y Juan) frente a los cuatro profetas mayores (Isaías, Jeremías, Ezequiel y Daniel)

El tema de la Maiestas Domini del Juicio Final, que inspiraba temor, se sustituye y suaviza por el Beau Dieu: un Cristo humanizado, que apareció en la catedral de Amiens en el año 1230.

La mayoría de las catedrales francesas, alemanas y españolas, están consagradas a María. Notre Dame de París le dedica cuatro puertas en un ciclo sobre su vida, desde su nacimiento hasta la coronación. En escultura, se representará como una doncella que sostiene al Niño en brazos, gira la cabeza y sonríe, como la Virgen Blanca de Toledo, son composiciones arqueadas ligeramente, vivas, naturalistas, que rompen para siempre el hieratismo de la ley de la frontalidad románica.

3.2 Retablos:

El retablo es un instrumento adoctrinador .Se encuentra en la capilla principal y es una portada interior, confeccionada en madera policromada.

El retablo se convierte en un producto del arte español dese el Gótico hasta el Barroco, aunque sus orígenes son extranjeros: el tríptico y el políptico italiano y flamenco.

Nace debido al traslado del coro, desde el presbiterio, hasta el crucero, quedando espacio en el altar para su colocación.

Los retablos pueden representar un programa iconográfico pictórico o escultórico, las tablas y los relieves se colocan en casilleros.

En la Península encontramos dos tipos de retablos:


  • Retablos pintados en Cataluña, destacando el taller de los hermanos Serra en el siglo XVI, con influencias italianas que llegaban por el Mediterráneo.

  • Retablos escultóricos flamencos en Castilla y Andalucía. A lo largo del siglo XV los retablos de los Países Bajos, llegan a nuestro territorio. Los artistas nórdicos también se instalas en las ciudades castellanas. En 1481 , el alemán Pyeter Dancart realizó el de la catedral de Sevilla, el más grande del cristianismo en Europa. Está compuesto por tres partes que se conjuntaron a lo largo de los siglos XV y XVI: el paño central, la viga de imaginería y las alas centrales.



  1. La pintura gótica. Pintura italiana del Trecento y los grandes maestros flamencos.

Dos importantes corrientes se dieron en el ámbito pictórico de Europa durante el periodo artístico gótico. Mientras que en Italia durante el siglo XIV (Trecento) la pintura progresaba en las escuelas sienesa y florentina, en los Países Bajos , nacía la técnica al óleo y surgían los grandes maestros: los hermanos Van Eyck , Royer Van Der Weyden y el Bosco.

4.1 La Pintura italiana del Trecento: Siena Y Florencia.

4.1.1 Escuela Sienesa. Simone Martini.

La pintura de la escuela Sienesa se caracteriza por un estilo denominado “manera griega”, resultado de la imitación de los mosaicos bizantinos, con un lenguaje oriental, y la influencia de la caligrafía de las miniaturas y los marfiles franceses.

Este arte preciosista está representado por Simone Martini (Siena 1282 – Aviñón 1344) que desarrolló una pintura marcada por:



  • La belleza de las líneas sinuosas.

  • La representación de un mundo espiritual.

  • Gran minuciosidad.

  • Combinación de colores entre los que resaltan, el azul, rojo en las figuras y el dorado en los fondos atemporales.

  • El carácter suave y amable de los temas marianos.

Ejemplo de ella es el temple sobre tabla titulado “La Anunciación”, para la catedral de Siena, donde funde el fondo de oro bizantino con la línea ondulante del gótico francés, visible en las siluetas refinadas y elegantes de María y ángel. Simone Martini introdujo la técnica del fresco en Siena y representó escenas y retratos, como “Retrato ecuestre del condotiero Giudoriccio da Fogliano” militar que salvó la independencia de la república sienesa al luchar y vencer la invasión de la ciudad vecina de Luca. Observamos en éste retrato, un fondo que sustituye el dorado por el azul del cielo y la introducción de un paisaje arquitectónico. En el centro destaca la figura del condotiero que avanza a caballo.

4.1.2 Escuela Florentina . Giotto.

En Florencia, la obra de Giotto ( Colle de Vespignano, 1267 – Florencia 1337) rompió con la “manera griega” abriendo las puertas a la “ manera latina”, un nuevo lenguaje pictórico, moderno en el que el volumen destaca sobre la línea, el paisaje se vuelve real y las emociones se plasman en las figuras humanas.

Giotto considerado el padre del Renacimiento italiano, fue descubierto por su maestro, Cimabue, cuando apenas era un joven que vigilaba ovejas y las dibujaba en rocas. Creó un estilo naturalista fusionado con el gótico. En sus obras se observan:



  • Personajes individualizados por los gestos y las miradas, estados de ánimo y expresiones.

  • Figuras con volumen, inspiradas en las esculturas clásicas.

  • Los colores son sólidos al igual que las formas,

  • El fondo dorado gótico es sustituido por cielos azules, con paisajes reales y arquitecturas de edificios recortados para poder contemplar el interior. Tanto el paisaje como la arquitectura se representan a menor tamaño que la figura.

  • Presencia de animales.

  • Escenas solemnes y compuestas por una franja horizontal de personajes, con pequeñas sombras que aportan profundidad.

  • Coloca algunas figuras de espaldas al espectador para crear profundidad.

  • La luz invade toda la superficie del cuadro

En su producción destaca el ciclo de las Historias Franciscanas de la Basílica de Asís (San Francisco predicando a los pájaros 1298). Y los Episodios Evangélicos sobre la vida de Cristo como “El Prendimiento” de Padua con escenas dramáticas, en las que los personajes intercambian miradas y gestos, aportando gran expresividad y movimiento a los frescos.

4.2 La pintura de los Primitivos flamencos. Los hermanos Van Eyck , Roger Van der Weyden y El Bosco

4.2.1 Los hermanos Van Eyck.

En los Países Bajos se desarrolló una pintura que reflejaba el espíritu medieval y el realismo de la Burguesía comercial de las grandes ciudades, Brujas y Gante. Los hermanos Van Eyck plasmaron la realidad al observar cuidadosamente al hombre, la naturaleza y los objetos cotidianos. Todo ello representado mediante la técnica revolucionaria del óleo sobre tabla, que les permitió dotar sus cuadros de un sorprendente efecto tridimensional. Su pintura se caracteriza por:

  • Profundidad, perspectiva lineal.

  • Espacios interiores con ventanas que se abren para mostrar el exterior.

  • Composiciones simétricas y cerradas.

  • Observación del hombre y la Naturaleza .Figuras humanas muy reales.

    • Personajes sagrados idealizados.

    • Personajes populares realistas.

    • Individualización de los retratos.

  • Valoración de los objetos cotidianos, representados con gran detalle y minuciosidad.

  • Técnicas de óleo sobre tabla.

  • Uso de la perspectiva y sombreado = tridimensionalidad.

Humberto y Juan realizaron obras maestras como el “Políptico del Cordero Místico “, que cerrado representa, al matrimonio que financió el políptico: Jocudus Vijd e Isabel Borluut, arrodillados bajo la escena de la anunciación

En el interior, en la parte superior, aparece la visión de Dios entronizado, flanqueado por la Virgen, Juan el Bautista, Adán y Eva y dos coros de ángeles cantores y músicos. En el cuerpo bajo, un desfile de reyes, caballeros, profetas, obispos y santos que avanzan hacia el Cordero ( símbolo de Cristo). El políptico destaca por dos características comunes de la pintura posterior de Jan Van Eyck: la composición simbólica y la exactitud minuciosa de los detalles en telas, joyas, vidrios, flores…herencia de las miniaturas.

Jan desarrolló una carrera en solitario, trabajando para el duque de Borgoña y viajando por Europa y la Península Ibérica, para establecerse finalmente en Brujas, donde se convirtió en uno de los artistas más célebres de todos los tiempos.

Su obra más conocida y enigmática es “El Matrimonio Arnolfini”, un cuadro de interior que representa el rito nupcial entre Giovani Arnolfini, un banquero italiano afincado en Brujas, con Giovana Cenamí. En la escena promete fide3lidad a su esposa en la alcoba de su mansión. El elemento que marca la composición y perspectiva del cuadro, es el espejo cóncavo del fondo, donde se reflejan dos hombres (uno de ellos es el propio pintor), testigos de la boda. Sobre el espejo la firma del autor, “Juan Van Eyck estuvo aquí”. El enlace se manifiesta también la única vela que porta la lámpara que cuelga del techo. Velazquez se inspiró en el espejo para pintar las Meninas.

Posteriormente, Van Eyck creó un tipo de retrato religioso, en el que el cliente y los personajes divinos, se relacionaban entablando una conversación en un espacio irreal y al mismo tamaño, como podemos observar en los cuadros “La Virgen del Canciller Rolin” y “La Virgen del Canónigo Van der Paele”.

El arte de Van Eyck fue reconocido en toda Europa por sus formas tridimensionales y las veladuras o transparencias: finas capas de óleo que permiten ver el color y textura de la capa inferior.



4.2.2 Roger Van der Weyden.

Artista belga, fue el maestro más conocido en Flandes durante el siglo XV. Heredero de Van Eyck, se estableció en Bruselas y allí desarrolló su carrera.

Sus obras se centraron en la representación de temas dolorosos de la Virgen al pie del Calvario. En el cuadro “El Descendimiento de Cristo y Quinta Angustia de María” (1436 – 1437) representa el desmayo de María durante el descendimiento de Cristo. Plasmó la desolación de María y el dramatismo de una escena en la que guía la mirada del espectador a través del color roj0, desde la figura de San Juan Evangelista, pasando por José de Arimatea , hasta llegar a la figura opuesta a la del Evangelista: María Magdalena, con un gesto y postura exagerada de dolor. Las figuras de Cristo y María, son paralelas, manteniendo la misma composición. Es una obra cargada de simbolismo, como apreciamos en la calavera a los pies de San Juan, representando el pecado original de Adán, derrotado por la muerte y resurrección de Cristo. La Cruz, es el eje central y de simetría del cuadro, que rompe la horizontalidad de la escena. Los detalles son ricos, destacando en las telas estampadas y la perfección anatómica.

Los personajes parecen esculturas, en relieve y policromadas. Los ropajes se doblan en pliegues y los rostros aparecen marcados por el dolor. Van der Weiden usó colores brillantes, rojos, azules, blancos y verdes y sus obras fueron de gran inspiración.

4.2.3 El Bosco.

Jeroen Van Aken , fue conocida por el nombre de su villa natal: El Bosco. Casado con una mujer acomodada, desarrolló su carrera pictórica en su localidad. Un artista católico ortodoxo que plasmó sus creencias en sus obras, con extraños y ocultos significados, que se mezclan con el lenguaje popular de canciones y refranes, actualmente desconocidos y enigmáticos, pero de fácil interpretación en su época.

Mediante una técnica miniaturista y minuciosa (herencia de la escuela flamenca),y ese lenguaje simbólico, elaboró obras que denunciaban los vicios eclesiásticos de su tiempo, la lujuria y el pecado; de los que el hombre sólo puede salvarse mediante el control de las pasiones.

En los cuadros aparecen gran cantidad de personajes de pequeño formato, que aportan dinamismo y objetos fantásticos y extraños , con los que se interrelacionan.

Los colores y la luz dependen del tema y la idea que el artista quiere transmitir.

Observamos ésta característica en su obra más conocida, junto con “El carro de Heno”, “La extracción de la piedra de la Locura”.” El tríptico del Jardín de las Delicias”, donde representa El Paraíso Terrenal, en el último día de la Creación a la izquierda, los pecados capitales en la tabla central, los horrores del infierno en la derecha.

Sus fantasías oníricas y su imaginación, inspiraron a artistas contemporáneos y del siglo XX, como los seguidores del surrealismo.

Para analizar el “Jardín de las Delicias”

En las tres escenas el espacio está dividido en tres franjas horizontales superpuestas que aportan profundidad.

1 Izquierda: El Paraiso.


  • Primera franja : La Creación.Dios dá vida a Eva, ante la mirada de Adán.

  • Segunda franja: fuente de los animales.

  • Tercera franja : Paisaje montañoso fantástico.

2 Centro: Jardín de las Delicias.

  • Primera franja. Hombres y mujeres desnudos en actitudes sexuales y lascivas , simbolizadas por las frutas salvajes de la lujuria: cerezas, fresas y uvas. Manzanas y peces representan la sexualidad de la mujer y el hombre.

  • Segunda franja: el lago de la Juventud, rodeado por un carrusel de jinetes, que representan los vicios.

  • Tercera franja. El estanque del Adulto, con un paisaje de formas naturales y arquitecturas fantásticas y extrañas.

3 Derecha: El Castigo del Infierno

  • Primera franja: Escenas irracionales de humanos cazados y torturados por animales y monstruos.

  • Segunda franja: Estanque putrefacto con construcciones fantasiosas.

  • Tercera franja: Escenario oscuro y terrorífico.

Cuando el tríptico está cerrado, se observa la imagen de la Creación en el tercer día, dentro de una esfera de cristal que representa la fragilidad.

La gran cantidad de figuras aporta gran dinamismo a la obra.

El caos de las escenas central y derecha, se contrapone con la escena del Paraíso.

El color y la luz son herramientas para expresar y transmitir una idea, por tanto dependen de la intención del artista, por ejemplo:



Los colores del Paraíso y el Jardín son blancos, verdes y amarillos que expresan claridad, mientras que en el infierno son rojos, negros y tonos grises que transmiten terror y miedo.

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