El Renacimiento comienza en Italia en el siglo XV y su mayor desarrollo es en Florencia donde al inicio del mismo aparecen art



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El Renacimiento comienza en Italia en el siglo XV y su mayor desarrollo es en Florencia donde al inicio del mismo aparecen artistas que van desarrollar en su obra las características propias del estilo renacentista. El nombre se debe al escritor y pintor Giorgio Vasari, (1511-1574), quien realizara un famoso libro de biografías de artistas de la época llamado " Vidas", y acuña en el 1550 el término Rinascita como resurgimiento de la tradición clásica grecorromana.

Principales características

HUMANISMO: revalorización del hombre y su obra. El hombre considerado culto tiene un amplio conocimiento de ciencias, artes, técnicas, filosofía, ya fueran de origen medieval o las modernas como resultantes de la observación e investigación que caracterizaban a la época.
NATURALISMO: aparece en las obras la representación de la naturaleza con preocupación de respetar las proporciones y la morfología lo cual es logrado a través del análisis y observación. Se evidencia un gran esfuerzo por representar la anatomía.
RACIONALISMO: la realidad es comprendida a través de la razón. En la representación del espacio se desarrolla la PERSPECTIVA GEOMÉTRICA que se aplica en un principio a los fondos arquitectónicos de las pinturas. Los edificios renacentistas fueron, en muchos casos, pintados antes que construidos. En la representación de las figuras hay una síntesis geométrica y las composiciones se basan en figuras geométricas regulares - círculo, cuadrado, triángulo equilátero o isósceles -
UNIVERSALISMO: se tratan temas valederos en cualquier época y cultura por ser inherentes al género humano.
IDEALIZACIÓN: se representa la idea perfecta de cada ser, persona o cosa. No aparecen imperfecciones ni deformidades.
ORDEN, PROPORCIÓN y ARMONÍA: que transmitan serenidad, mesura, equilibrio, etc.-
PERFECCIÓN: en el acabado de las obras, su técnica y el tratamiento de los detalles.

Características socioeconómicas del siglo XV

Auge de las ciudades-estado italianas, con modos de gobierno diferentes y autónomas. Surgimiento de las nacionalidades en Europa.


Fortalecimiento económico de la burguesía que comienza a realizar encargos particulares a los artistas, los que se suman la de los de los gremios, asociaciones o el gobierno comunal.
Surge el mecenazgo, que es un contrato casi de exclusividad que realiza un protector pudiente o mecenas, con un artista.

 

Períodos del Renacimiento italiano



Siglo XV - Bajo renacimiento- 1420-1500 ("cuattrocento")- Florencia

PINTURA:


I Generación: Masaccio - Beato Angelico - Paolo Ucello -
II Generación: Fray Filippo Lippi - Doménico Veneziano - Piero della Francesca - Andrea del Castagno - Mantegna - Sandro Botticelli - Antonello Da Messina -

ESCULTURA


Lorenzo Ghiberti - Donatello - Andrea del Verrochio -

ARQUITECTURA


Brunelleschi - Alberti - Michelozzo -

Siglo XVI - Alto renacimiento- 1500-1527 -"cincuecento"- Roma

PINTURA
Miguel Angel - Rafael - Leonardo -

ESCULTURA
Miguel Angel -

ARQUITECTURA


Miguel Angel - Bramante - Andrea Palladio -

Venecia

PINTURA
Juan Bellini - Carpaccio - Giorgione - Tiziano Vecellio

 

Siglo XVI- Manierismo - posterior al 1527, año del saqueo de Roma.

PINTURA


Roma: Rafael en su obra " El Incendio en el Borgo" - Miguel Angel en sus últimas obras, como " El juicio final" - Pontormo - Rosso Fiorentino - Vasari - Parmigianino -

Venecia: Veronés - Tintoretto -

ESCULTURA



Roma: Miguel Angel, últimas obras - Giambologna

 

Pintores renacentistas del siglo XV. Florencia



Primera generación:

Masaccio (1401-1428) - Obras:

a) Capilla Brancacci (I) (II) en la Iglesia del Carmen en Florencia: "El Tributo", "Expulsión de los primeros padres del paraíso terrenal", "El bautismo de los neófitos" (frescos de 1424-1425); "San Pedro curando a los enfermos", "Distribución de los bienes y muerte de Ananías" (frescos de 1426-1427); "Resurrección del hijo de Teófilo y San Pedro en la Cátedra" ( fresco del 1427-1428).

b) Políptico de Pisa, 1426. "Martirios de San Pedro y el Bautista", "Historias de San Julián y San Nicolás" temple sobre tabla, pertenecen a la predela - zócalo del retablo, pintura en madera del frente del altar - "Virgen entronizada con el Niño y los ángeles", temple sobre tabla. Las partes se encuentran en museos de Berlín, Pisa, Londres, Nápoles ya que en el 1500 fue quitado del lugar y desarmado. Por la narración de Vasari se pudo reconstruir idealmente, aunque faltan las grandes figuras de los santos.

c) Iglesia de Santa María Novela, Florencia, "La Trinidad" , fresco, 1426-1428. Esta obra muestra una arquitectura interior donde se ubica la escena, con una perspectiva geométrica con un punto central de fuga.

d) Obras donde trabajó con Masolino da Panicale, su maestro: "Santa Ana, la Virgen con el Niño y ángeles", temple s/ tabla, 1424-1425. La virgen con el niño y el ángel superior de la derecha le corresponden.


" Resurrección de Tabita", fresco sobre muro de la Iglesia del Carmen de Florencia, 1425, a él se le atribuye la ejecución de las arquitecturas del fondo.

 

Características de su obra

- El claroscuro se usa para construir los volúmenes.
- Las figuras con sus vestimentas tienen relieve escultórico.
- Hay espacio entre las figuras, mayor sentido de profundidad.
- En la representación del espacio usa la perspectiva con un punto de vista único. No hay sistemas mixtos.
- Las aureolas de los santos parecen discos en perspectiva, tienen peso. Se pierde sacralidad pero se gana verosimilitud referente al espacio.
- Iluminación rasante que viene de un costado, define los volúmenes, da materialidad a las formas y expresividad a los personajes.
- Lo sagrado se encuentra en el ámbito de lo humano.
- El color lo usa puro en las luces y desaturado, más oscuro, en los relieves y sombras.
- Los personajes se diferencian entre si, hay expresividad en los rostros, gestos, expresiones, sentimientos claramente expresados. Por ejemplo en la "Expulsión del paraíso" Adán se avergüenza y Eva se angustia.

Pintores renacentistas del siglo XV. Florencia

Primera generación (continuación):

Beato Angelico (Giovani di Fiesole/1401-1428)

Obras

a)"Juicio Universal", 1430, temple sobre madera.

b) Convento de San Marcos, "Milagro de San Cosme y San Damián", predela del retablo, temple sobre madera, "Crucifixión", retablo de San Marcos, 1438?-1443 , "Anunciación", fresco, 1437.

c) Capilla Nicolina, Vaticano, "San Lorenzo distribuyendo los bienes a los pobres" 1447-1455, fresco.

d) "Sagrada conversación de Annalena", temple sobre madera de forma rectangular donde aparece este tema muy desarrollado en el renacimiento, se destaca el juego de las miradas.

 

Características de su obra

- Sentido tridimensional del espacio y del relieve.
- La luz es irreal, hay una luz general más luces individuales en la piel y los ropajes.
- El color es puro, saturado en las sombras y los tintes aclarados, desaturados aparecen en las luces, pliegues, redondeces.
- Mantiene elementos del gótico, sobre todo en sus primeras obras, debido a su formación como iluminador de manuscritos de tipo medieval en el convento dominico.

 

Paolo Uccello- 1397-1475

En el 1425 está en Venecia, donde conoce el gótico tardío trabajando como mosaicista en la Basílica de San Marcos. En el 1430 regresa a Florencia y en el 1445 es llamado a Padua por Donatello, donde lo conoce el joven Mantegna. Fue alumno de Lorenzo Ghiberti, escultor que hizo los relieves de la "Puerta del Paraíso" del Baptisterio de Florencia.

 

Obras

- Santa María de la Flor, Florencia. "Monumento ecuestre a Sir John Hawkwood", -1436- Es la segunda ejemplificación de la aplicación de la perspectiva en la pintura, diez años después de " La Trinidad " de Masaccio. Retoma el tema romano del retrato ecuestre que va a ser usado en escultura. Está pintado en grises semejando un relieve escultórico. "Natividad", "Resurrección" y "Anunciación" - hoy desaparecida - todas en la cúpula.

- "El milagro de la hostia ", 1467-1468 - temple sobre madera, es una tabla de la predela - o peana - del altar de la Cofradía Corpus de Urbino que mide 42 x 351 cm. Narra un tema medieval de la profanación de una hostia y el posterior castigo a los culpables.

- "Batalla de San Romano", hay tres, realizadas para los Medici - 1450-. La de la Galería de los Oficios, Florencia, relata la batalla que le ganaron los florentinos a los sieneses en el 1432. La del Louvre, París, narra el episodio de Cotignola contra los sieneses. La de la Galería Nacional de Londres, muestra al jefe Niccolo da Tolentino en un caballo blanco. En esta obras que se realizaron para ser vistas juntas como un friso colocado algo elevado, se reúne la tradición veneciana con la florentina.

 

Características de la obra

- Base cultural gótica, se evidencia en las leyendas usadas como tema de sus pinturas. Ej.: "San Jorge y el dragón", llamada la leyenda dorada, donde el santo salva a una princesa entregada como alimento al dragón. -temple sobre tela, 1460-.
- Tiene una gran libertad, fantasía, en sus creaciones.
- Experimenta con teorías contemporáneas de óptica, como errores de la visión, binocularidad, perspectivas naturales.
- Usa el color en forma no naturalista.
- Juegos de perspectiva a los que le atribuye un valor simbólico metafísico. Aparecen escorzos individuales, poliedros y grupos con diferentes perspectivas. Los elementos se ubican en líneas de fuga que van a un punto central
- Hay una atmósfera atemporal, despersonalizada, rara. Los personajes parecen autómatas. Entre ellos y el paisaje aparecen sucesivas abstracciones geométricas. Son cuerpos geométricos en un espacio abstracto. Son más ideales que reales y su representación es analítica, racional.

Segunda generación :

Fray Filippo Lippi (1406-1469)

Obras

Realizó varias vírgenes con el niño. Algunas con un fondo arquitectónico clásico, con soluciones técnicas del bajorrelieve y con fuerte sentido escultórico, "Virgen con el niño" (1437- Roma, Palacio Barberini). "La Virgen en el trono y Santos" (1432-Florencia, Galería de los Oficios). "La Virgen con el niño" (1445 - Florencia, San Andrés del Botinaccio).

a) "La Virgen con el Niño y dos Ángeles" - Florencia, Galería de los Oficios , donde los personajes se destacan contra una ventana por la cual se ve un paisaje que nos muestra un mundo sensible, poético, que será continuado por Botticelli y Leonardo.

b) "El tondo Pitti " - 1452-, La Virgen con el niño con episodios de la vida de La Virgen y Santa Ana en el fondo. Se llama tondo a una pintura hecha sobre un soporte circular, una tabla, muy usado desde 1450, y generalmente con tema referido a la Sagrada Familia y La Virgen con el Niño. A la forma circular se la asocia con un universo armónico.

c) Frescos del coro de la Catedral de Prato, realizó entre 1452 y 1464 escenas de la vida de San Esteban y San Juan Bautista. En "El festín de Herodes y la danza de Salomé", la expresión de la sensibilidad a través del tratamiento lineal prefigura a Botticelli. Las "Exequias de San Esteban" nos muestra una gran plenitud sintética y una esencial relación entre acción y espacio.
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Características de su obra

- Aproximación de lo sagrado a lo cotidiano.
- Fondos escenográficos, teatrales.
- Pérdida de la unidad espacio-tiempo. Aparecen escenas anacrónicas, por ejemplo distintas escenas de la vida de un personaje en la misma obra.
- Es más dinámico que Masaccio pero menos monumental. No solo aparece el movimiento en los personajes sino la idea de una vida agitada que fluye.
-En las vírgenes con el niño la iluminación y las miradas dan una idea de serena contemplación.
-Como Masaccio usa los colores saturados en las sombras y los aclara con blanco en las luces. Los pliegues de las vestimentas tienen más dinamismo y suavidad y aparecen delicadas veladuras en los velos y auras.

 

Domenico veneziano - 1410-1461



Obras

- -"Retablo de Santa Lucía de los Magnoli", 1445-1448, Florencia. En esta versión renacentista de los antiguos trípticos, pinturas en tres paneles donde aparecían los Santos a los costados y en el del centro la Virgen, aparece el tema de la Sagrada Conversación donde los mismos personajes se vinculan por la mirada, el gesto o las posiciones. Sigue la tradición del Beato Angelico y F. Lippi.

 

Características de la obra

- Cada personaje aparece con una captación psicológica diferente, de suaves matices.


- Uso expresivo del color, el mismo es acorde a las expresiones y emociones que surgen de los personajes.
- Los colores se modulan variando el matiz hacia análogos ademas del uso del claroscuro para modelar el volumen.(Los colores análogos son aquellos próximos dentro del círculo cromático. Ej: verde- verde azulado o turquesa- azul son análogos).
- Uso del contraste de complementarios en diferentes saturaciones. Ej.: rosa- verde.

 

Piero Della Francesca (1420-1492)



Obras

Es ayudante de D. Veneziano en los frescos de San Gil de Florencia, con él aprende la modulación del color y le transmite las influencias de Masolino y Masaccio. Nace en Borgo San Sepulcro donde realizó varios trabajos, así como en Ferrara. Llegó a Florencia en 1430, entre 1452 y 1459 está en Arezzo, en 1455 y en 1459 viaja a Roma y en 1469 está en Urbino en la casa del padre de Rafael. En sus últimos años realiza escritos teóricos sobre perspectiva, geometría, y la modulación del color bajo los efectos de la luz, muy apreciados por sus contemporáneos.

a) "El Bautismo de Jesús", Londres, Galería Nacional, esta obra de su juventud de colorido claro recuerda al gótico tardío de Masolino y a D.Veneziano. Las figuras ubicadas al aire libre se disponen en profundidad dando un efecto perspectivista.

b) "La Flagelación de Jesús", Urbino, Galería Nacional de las Marcas. Baja el eje horizontal para que las figuras parezcan más grandes, el central divide en dos partes el cuadro. Se relaciona a un suceso contemporáneo, la conjura de 1444 donde murió Oddantonio de Montefeltro, los consejeros que lo llevaron a la ruina lo flagelan, como hicieron los romanos con Cristo. La escena sagrada está representada en el fondo, en posición secundaria. Como reminiscencia medieval narra dos tiempos en una misma escena, pero realiza un gran cambio referido a la perspectiva: unifica las escenas con un punto de vista único mientras los separa con el eje vertical. Si se los ve sucesivamente funcionan como dos cuadros independientes con un punto de vista que queda así desplazado a un costado. Además las figuras se ubican en forma de abanico y no según un eje central.

c) "La Resurrección de Jesús", Borgo San Sepolcro, Pinacoteca Comunal. Los eje centrales coinciden con la figura de Jesús y el borde del sepulcro, es un sistema más elemental de perspectiva que acentúa el carácter simbólico del tema. El fondo es un paisaje, claro y amplio, de inspiración en G. Bellini.

d) "Retrato de Federico de Montefeltro" , Duque de Urbino, y " Retrato de Bautista Esforza", su esposa, -1465-. Florencia, Galería de los Oficios. Este díptico se diseñó con una unidad espacial lograda por la continuidad del paisaje en el fondo y de la línea de horizonte. Aplica una idealización geométrica en los volúmenes de la cabeza, un cubo para él y una esfera para ella. Dentro de la tradición medallística Piero realza el volumen acentuando los rasgos.

e) "El triunfo de Federico de Montefeltro", Florencia, Galería de los Oficios. El paisaje es muy grande y aparecen recursos ópticos para mostrar la lejanía de las montañas que se suman a la representación italiana del espacio.

f) Frescos de Arezzo, "Ciclo de la invención de la Cruz" -1452-1459-, Iglesia de San Francisco. "Un Profeta", "Salomón recibiendo a la reina de Saba", "La reina de Saba en el puente sagrado", "La Prueba de la Vera Cruz", "El hallazgo de las tres cruces". Los personajes se encuentran en abanico, hay figuras que se repiten formando un marco geométrico, dispuestas como una forma arquitectónica, una hornacina. El punto de fuga se halla desplazado a un extremo.

 

Características de la obra

- Modulación del color.


- Recupera los valores ópticos del gótico tardío flamenco -Van Eyck- , dentro de la perspectiva italiana.
- Desplaza los ejes horizontal y vertical con gran libertad.
- Desplaza los puntos de vista hacia un costado. Inicia el camino por el cual otros pintores llegarán a sacarlos del cuadro.
- Hay una doble lectura de los puntos de vista, central si ve el conjunto o desplazado si se ven las escenas en que se dividen como independientes.
- Geometrización de las figuras, se las aumenta hasta darles una dimensión donde los personajes se ubican como elementos arquitectónicos.
- Representación exacta de los diferentes materiales.

Pintores renacentistas del siglo XV. Florencia

Segunda generación (segunda parte):

Andrea Del Castagno (1423-1457)

Obras

a) Frescos del Refectorio de Santa Apolonia, Florencia. "La Última Cena". -1450- Obra de gran realismo ilusionista en los elementos arquitectónicos, adornos con sombras proyectadas, parece una ventana que se abre a otro espacio. Se distinguen los doce estados de ánimo frente al anuncio de la traición y marcó el estilo posterior de este tema como descripción de los sentimientos de los apóstoles.

b) Frescos de la Villa Legnaia de Carducci, "Hombres Ilustres de Legnaia " cerca de Florencia. Realizó nichos con figuras históricas, antiguas y modernas de 2m que avanzan hacia el espectador. Sobre un zócalo de mármol se ubican las hornacinas para las figuras y las pilastras. Fueron retirados y se encuentran en el Cenáculo de Santa Apolonia en Florencia. "Pippo Spano", "Farinata degli Uberti", "Sibila de Cumas", "La Reina Ester".

c) "Monumento ecuestre a Nicolo da Tolentino"- 1456- Santa María de la Flor, Florencia. Fresco en tierra verde, es su última obra realizada veintiún años después de la muerte del héroe. Comparado con el de P. Uccello dedicado a Piovanni Acuto, es más realista, con más estudio anatómico. Logra unir el naturalismo a lo monumental.


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Características de su obra

- Naturalismo, ilusionismo. Crea un espacio, que parece un continuo del nuestro al que accedemos como por una gran ventana.
- Los personajes aparecen en física monumentalidad, modelados plásticamente, expresando estados de ánimo pero sin comunicarse.
- El fondo es siempre una estructura arquitectónica, con adornos de la época y variedad de materiales.
- Dominio en la representación de los escorzos.
- Cuando incorpora paisaje es siempre amplio con colina áridas y el cielo abierto.

 

Andrea Mantegna - 1431-1506

Sus primeros ensayos artísticos los reliza en Padua, donde aprende con modelos clásicos las novedades renacentistas en el taller de Squarcione. Lo abandona tras una pelea en el 1448 al no aceptar un contrato que establecía una serie de obligaciones. Padua es una ciudad que por su ubicación geográfica recibe influencias tanto de Venecia -los Bellini- y Florencia -P. Ucello, Donatello en la ciudad entre 1443 y 1452 donde realizó el Gatamelatta-. Tras su enfrentamiento con Squarcione y por su mal carácter ocasionó su aislamiento en la ciudad. Viaja a Ferrara donde conoce la precisión descriptiva de Van der Weyden y a Piero della Francesca . Viaja a Venecia donde se relaciona con los Bellini, casándose con su hermana en 1454. En 1459 Ludovico Gonzaga lo llama a Mantua como pintor de la corte donde vive cómodamente hasta la muerte de su protector en 1478. Luego de un período de estrechez adviene Juan Francisco Gonzaga que lo protege nuevamente. Es el creador del primer Museo Arqueológico en Mantua referido al arte clásico.

Obras

a) 1457-1459, "Retablo de san Zenón", Verona. en este tríptico hay una unidad espacial hasta en el marco arquitectónico y aparece el uso de la perspectiva baja. Finaliza su etapa juvenil.

b) 1471-1474, "Cámara Nupcial de Mantua" (I) (II). Estos frescos fueron encargados por Ludovico Gonzaga para su habitación en el palacio. El conjunto tiene un fuerte carácter ilusionista y aparecen los personajes de la corte en un marco arquitectónico, con vistas de paisaje de cuidado detalle naturalista. En el techo realiza una bóveda que se abre al cielo con ángeles que se asoman por un balcón.
- "San Sebastián", "Triunfo del Cesar", "Cristo Muerto", - en esta obra se ve uno de los escorzos más famosos de la Historia del Arte-. Todas son obras del período mantuano hasta 1478.

c) 1495-1496, "Virgen de la Victoria", retablo realizado para Juan Francisco Gonzaga.

d) 1496-1497, "Retablo de Santa María in Organo", Verona.

e) 1497, "El Parnaso", para Isabel del Este, esposa de Juan F. Gonzaga.

f) 1502-1506," Minerva persiguiendo a los vicios", obra inconclusa
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Características de la obra

- Recreación del clasicismo por la observación.
- Ámbitos espaciales y perspectivas complejas.
- Agudeza de los perfiles lineales. La línea de un efecto expresivo.
- Fuerte definición plástica de las formas. Los personajes tienen un aspecto escultórico relacionado a la estatuaria clásica antigua.
- Efecto escenográfico que se logra por la unidad perspetívica.
- Perspectiva baja, la logra bajando la línea de horizonte y los puntos de fuga. Provoca un efecto de monumentalidad.
- Temática de origen literario y arqueológico. Gran erudición, incluye ruinas, vestimentas, armaduras, fragmentos de estatuaria clásica con exactitud histórica.
- En su obra aparece la contemplación del mundo como paraíso perdido, evocado a través de la fantasía. Por eso incluye las ruinas clásicas y los personajes aparecen distantes.
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Sandro Botticelli (1445-1510)

Florentino, entre 1464 y 1467 entra en el taller de Filippo Lippi y posiblemente trabajó en un taller conjunto con el escultor Verrocchio. Entre el 1469 y1492 gobierna la ciudad Lorenzo el Magnífico hasta que quiebra la banca de los Médici y termina un poderío de sesenta años. En 1490 el monje Savonarola comienza a predicar el castigo divino a la burguesía licenciosa, los Médicis son expulsados y finalmente en 1498 Savonarola es quemado. Bajo la influencia de su prédica, Botticelli en 1490 cambia su estilo que se arcaíza y llena de angustiosa religiosidad. En esta época Italia se halla desgarrada por el agobio y el dolor de la guerra entre las ciudades y contra Francia.

 

Obras

Todas sus obras fueron temples sobre madera o frescos.

a) 1481- "Virgen del Magnificat", tondo.

b) 1481-1482- Frescos de la Capilla Sixtina, en Roma, encargados por el Papa Sixto V, "Pruebas de Moisés", "Pruebas de Cristo", "Castigo de los Rebeldes".

c) 1482- "Palas doma al centauro".

d) 1484- "Nacimiento de Venus".

e) 1488- "Primavera".

Estas tres últimas obras se relacionan por estilo. La luz se expresa por colores muy puros sin modular , hay un predominio de la linealidad. Las transparencias representan la inmaterialidad. Las formas son límpidas abstracciones relacionadas al mundo de las ideas, que es el mundo real perfecto del Neoplatonismo.

f) 1483- "Nastaglio degli Onesti" (I) (II) (III) (IV) tablas para el juego de arcones de desposada con imágenes de un cuento del Decamerón de Boccaccio.

g) 1483- "Venus y Marte", comienza a representar con más intensidad lo físico. La línea despojada de esencialidad da paso a la convulsión a través de la densidad pictórica y la opresión de las figuras.

h) 1485- "Retablo de San Bernabé".

i) 1487-"Virgen de la Granada".

j) 1490- "Retablo de San Marcos", incluye la predela de "San Juan de Patmos". "Comunión de San Marcos".

k) 1491- realiza grandes dibujos para ilustrar "La Divina Comedia".

l) 1495- "La Calumnia". "Llanto por el Cristo Muerto". "Natividad Mística".

m) 1500 -"Historias de San Cenobio".

Otros artistas de la segunda generación de pintores:

Antonello da Messina (1430-1479). Nápoles.

Carlos Crivelli (1430-1495). Nació en Venecia pero se formó con Squarcione en Padua, trabajó en Las Marcas.

La escultura en el siglo XV

El relieve:

Hasta el S XI los relieves se sujetan a la arquitectura, no se desprenden del fondo y este nunca aparece vacío. Se respeta la bidimensionalidad del muro. Los personajes y las escenas simbólicas se representan frontalmente.


A partir del S XIII se narra la historia sagrada con mayor verismo que se evidencia en la distribución de figuras y la composición, los acontecimientos se acercan al hombre, comienza la búsqueda de un mayor realismo y se rompen los sistemas medievales de representación.
Con el redescubrimiento de las obras antiguas, especialmente los sarcófagos romanos, se comienzan a acentuar los volúmenes y la profundidad espacial.
En el S XIII Nicola Pisano realiza el Púlpito de la Catedral de Pisa, su hijo Giovanni Pisano realiza el Púlpito de Siena y el Púlpito de Pistoia. En estas obras los personajes se ubican en un espacio, hay una unidad espacial aunque no temporal. Otros artistas del trecento no continuaron el avance hacia el realismo. En el S XV los primeros escultores toscanos encauzaron al relieve dentro de las tendencias del los Pisano. En esta búsqueda se borran los límites entre el mundo real del espectador y el mundo de la obra.

Jacopo Della Quercia (1374-1438). Siena.

"Puertas de San Petronio de Boloña ",1425, en estos relieves en piedra sobre "La Creación de Adan", aparecen las tres unidades clásicas: de espacio, tiempo y acción. Abandona la perceptiva jerárquica y el hecho sagrado aparece como un hecho relevante pero natural.

 

Lorenzo Ghiberti (1378-1455). Florencia.

"Puerta del Paraíso", son diez paneles de bronce en las dos hojas de la puerta del Baptisterio de Florencia que representan escenas del Antiguo Testamento. Están rodeadas por guardas con nichos que contienen alegorías al trabajo y las artes, volutas de vegetales y cabezas que emergen de discos. En el marco aparecen frutas, flores y animales exóticos.
Tiene influencias tanto de los relieves helenísticos como de los góticos - estética irrealista, paisajes de bosques idílicos, evasión propia del fin del mundo de la caballería-. Pero el espacio es tridimensional y profundo, aparecen arquitecturas en perspectiva que encuadran a las figuras y los tamaños disminuyen según la lejanía al 1º plano. Los personajes se hallan individualizados en sus rostros, cuerpos y actitudes.

 

Donatello (1384-1446). Florencia.

Placa de bronce del Baptisterio de Siena, "Salomé presentando la cabeza de San Juan Bautista a Herodes". Este gran escultor del Renacimiento desarrolla las tres reglas clásicas en esta obra.

Unidad de espacio:
- Perspectiva con un punto de vista y un punto de fuga central.
- Gradación del relieve.
- Disminución proporcional del tamaño de las figuras hacia el fondo.
- Posturas no frontales de algunos personajes, miradas en distintas direcciones.
- El espacio es un continuo unitario, no tiene un límite hacia adelante por lo que parece fundirse al nuestro y a la vez podemos recorrerlo con la mirada hacia lo más profundo.
- Aparecen operaciones geométricas.

Unidad de tiempo - Unidad de acción:
- Se narra un momento captado en su transitoriedad.
- Se desarrolla una única acción, acá la danza frenética de Salomé, donde expresiones y sentimientos claramente reconocibles narran el aspecto irracional del hombre.

El relieve en el renacimiento supera la bidimensionalidad del muro, incorporando la profundidad de la escena.

Escultura de bulto renacentista:

1º : Escultura adherida al muro.


2º : Escultura se transforma en un volumen circundable, se independiza de la Arquitectura. Cada figura tiene un espacio propio.

En el S XIV se encargan figuras de patronos de los gremios para colocarlos en edículos góticos. En el S XV L. Ghiberti, Donatello y Andrea del Verrocchio desarollan la escultura de bulto independizada totalmente del muro. Van a desarrollar las fórmulas y cánones clásicos con una actitud realista, avanzar en la representación de la anatomía y del movimiento a punto de realizarse o recién finalizado. Reaparecen géneros antiguos como el del monumento ecuestre en bronce.



Obras de Donatello:

- 1416-1420- "San Jorge", aún presenta alargamientos y expresiones góticas.


- 1430- Roma, "David", en bronce. Es el 1º desnudo que se vuelve a realizar a la usanza romana o de Praxiteles. La obra nos lleva a girar alrededor.
- 1447- Padua, "El Gattamelatta", monumento ecuestre en bronce en reconocimiento al general veneciano donde se identifica el héroe moderno con el antiguo. Revive el ideal de la gloria de la vida civil activa. Usa vestimenta romana y muestra una serenidad clásica en una marcha calma.
- 1460 -"Magdalena", policroma. Tiene una mirada extática, un dolor profundo.


Obras de Andrea del Verrochio (1436-1488). Venecia:

-1476- "David", bronce. Florencia, Museo Nacional del Bargello. 126 cm.


-1481-"Bartolomé Colleoni", monumento ecuestre en bronce. La musculatura aparece muy tensa, la expresión exagerada de furia y angustia. Hay casi una exageración del individualismo. Refleja la crisis y derrumbe institucional de las ciudades tras la invasión francesa en 1454.

Renacimiento en el siglo XVI o Alto Renacimiento

1504: Rafael llega a Roma. También llega Bramante - arquitecto - y Miguel Angel. El centro artístico se desplaza a Roma, El Papa Julio II (1503-1513) comienza la actividad que hará a la ciudad el monumento de la Cristiandad en occidente. El poderío económico romano que permite los abundantes encargos a los artistas, va a producir una elitización del arte. Las obras no llegan al gran público, sino que son para un restringido número de personas de gran erudición que encargan los trabajos. Este arte plasma las vivencias de esta clase social y esta penetrado por los elementos culturales de la misma. El pueblo no lo comprende.


A fines del 1400' el arte muestra crispación y dramatismo, los santos son personajes campesinos u obreros. Pero en el 1500' lo emocional se contiene, se aleja del sufrimiento humano. Se vuelve mesurado, el movimiento es latente. Los santos son ahora personajes majestuosos.
El Alto Renacimiento duró solo 20 años y los artistas comenzaron a introducir elementos que se alejaron del estilo renacentista derivando hacia el Manierismo.
Los pintores de este período son: LEONARDO DA VINCI - RAFAEL SANCIO - MIGUEL ANGEL BUONAROTTI, que además es arquitecto y el gran escultor de este momento.
Los otros arquitectos son :
BRAMANTE - 1503- Tempietto de San Pedro de Montorio en Roma.
PALLADIO -1551-1580- Palacio Chiericati y Teatro Olímpico, Vicenza.

Características de la arquitectura del siglo XVI.

- Concepción unitaria que se evidencia en el uso de la planta central.


- Equilibrio armónico de las proporciones, de las masas.
- Aprehensión desde todos los ángulos visuales del espacio total.
- Espacio simétrico.
- Teóricamente se sujetan al clasicismo, buscando en sus cánones reglas de belleza fija, pero actuaron con gran libertad y vitalidad.

Artistas del Alto renacimiento

Leonardo da Vinci (1452-1519).

Fue aprendiz del taller de Verrochio.



Obras.

a) 1482 -Entra en la Corte de Ludovico Sforza en Milán, como músico. Realiza el "Monumento ecuestre de Francisco Sforza" padre de Ludovico, hoy perdido.

b) 1483- "Virgen de las Rocas", para la Cofradía de la Concepción de San Francisco. Aparecen representados San Juan, Jesús y La Virgen. Hay dos versiones una está en el Louvre y la otra en La Galería Nacional de Londres. Los personajes se encuentran enmarcados por flores y rocas reflejadas en el estanque, las montañas lejanas aparecen bañadas en luz. Las figuras se ordenan dentro de un triángulo y se ve un ritmo ortogonal mesurado. La luz que entra por un ángulo izquierdo baña los rostros y los separa del fondo.

c) 1497 - "Última Cena" retoma el tema de Andrea del Castagno quien puso la mesa alejada hacia la pared posterior en una habitación estrecha. Leonardo en este temple ubica la mesa en el primer plano dentro de una sala profunda con muros recubiertos por tapices. El punto de fuga coincide con Jesús, y está enmarcado por una ventana mayor. La cabeza de Judas aparece en sombra. Capta el momento en que anuncia la traición y la conmoción que provoca pero no a través de gestos convencionales sino desde la profundidad del alma.


En 1499 caen los Sforza en Milán, invadida por los franceses. Leonardo pasa por Mantua y Venecia y llega en el 1500 a Florencia.

d) 1503- "La Gioconda", retrato de una mujer en su plenitud, digna de gesto noble con gran expresión interna. La iluminación no es natural, parece provocada por un foco de taller, llega del ángulo superior izquierdo y destaca el rostro y las manos. En el paisaje la iluminación es difusa. Influenció a los retratistas por dos décadas.


1513- Viaja a Roma donde realiza para el Vaticano proyectos de máquinas voladoras e instrumentos de óptica.

e) 1515- Regresa a Milán y de ahí pasa a Francia donde va a trabajar para Francisco I, en Fontainebleu. Realiza "Baco" y "San Juan Bautista". Aparecen seres andróginos que representan la unidad. En esta época ha desarrollado el sfumato por el cual la línea se desdibuja y funde en la atmósfera.


Escribe el "Tratado de la Pintura", donde se refiere a la perspectiva atmosférica otorgándole en las representaciones al aire la coloración azul.
En 1519 muere en Francia.

Artistas del Alto renacimiento (continuación).

Rafael Sancio (1438-1520).

Hijo de Juan Santi, pintor, nacido en Urbino. Entre 1499 y 1503 es discípulo de Perugino.



Obras y características de su estilo.

a) 1504 -"Los Esponsales de la Virgen", Pinacoteca de Brera, Milán. Al tema lo saca de un cuadro del Perugino. Influencias de Piero della Francesa, Alberti y Bramante. El elemento arquitectónico es predominante en la estructuración del espacio relacionando las direcciones y perspectivas. Aparecen elementos circulares concéntricos. Los grupos simétricos se escalonan en ejes de perspectiva en forma armónica.

b) 1504 - Llega a Florencia donde ve la Gioconda de Leonardo, al David de Miguel Angel y las obras de Donatello. Realiza una serie de Madonas, vírgenes nominadas según el adquirente. "Madona del gran Duque", donde realiza un fondo oscuro según la experiencia del claroscuro de Leonardo.

c) "La bella Jardinera", cambia el punto de vista, hay mayor correlación figura - fondo por una gran integración al paisaje. La composición es piramidal.

d) "Sagrada Familia Canigiani", estructura piramidal formada por triángulos menores.

e) 1507 - "Deposición". Muestra la descomposición de la sociedad florentina, fue encargada por Atalanta Bagioni quien había perdido a su hijo en las luchas por el poder. Influencia, de La Piedad de San Pedro y la Madona Doni, en la expresión y ojos de la virgen.

Rafael pintó a Agnilo Doni y a su esposa Magdalena Strozzi en Florencia. En la expresión de la interioridad de los personajes. Ella aparece altiva y con gesto de desprecio y él frío y calculador.
En 1508 Rafael viaja a Roma.

Decoración de las estancias vaticanas

Encargadas por Julio II quien deseaba hacer una síntesis del pensamiento humano en imágenes:

a) En la Stanza della Signoria o biblioteca realiza la "Escuela de Atenas", "Disputa del Santísimo Sacramento", referidas a la Filosofía y la Teología respectivamente.
En la "Escuela de Atenas" aparecen retratados personajes de la época representando a filósofos clásicos. Leonardo, Miguel Angel, Bramante y él mismo son retratados en los personajes de Platón, Aristóteles, Sócrates, Diógenes y Pitágoras. Las figuras principales se encuentran alejadas hacia el fondo pero contrastadas contra el cielo, técnica usada por Leonardo en la Última Cena.

b) 1511- 1514 - En la Stanza d'Eliodoro el tema es la intervención divina a través de la Iglesia. El estilo es más dramático y colorido. En el 1512 Miguel Angel terminó la Capilla Sixtina. Los temas principales son la "Expulsión de Heliodoro del Templo", "La Liberación de San Pedro", y el "Milagro de la Misa de Bolsena".

c) 1514 - 1517, realiza el "Incendio en el Borgo" ya de características manieristas. Colaboran con él, Giulio Romano y Francisco Penni, pintores que pertenecerán a este movimiento que sucede al Alto Renacimiento.

d) 1516 - "Retrato de Baltazar Castiglione".


Las Madonas de esta época abandonan el aire florentino rompiéndose el diálogo entre la madre y el hijo, hay una mayor frialdad y los personajes se dirigen al espectador.
"Madona de la Silla", tondo. Desaparece el aire entorno a las figuras y se adecuan al marco circular.

e) 1517- 1520 - "Transfiguración", obra de estilo manierista. Quedó inconclusa a su muerte.

 

Miguel Ángel Buonarotti (1475-1564).

Fue aprendiz con Doménico Ghirlandaio, con quien aprendió el fresco y copió en dibujos obras del Giotto y Masaccio. Protegido por Lorenzo de Medici continuó trabajando en el taller que había instalado en su palacio hasta la caída de la familia y la época de Savonarola. Entonces partió a Bolonia y en 1496 llega a Roma donde realizó sus primeras obras.



Obras y características de su estilo.

Escultura:

a) 1496- "Baco", -1498-, "Piedad" de San Pedro en el Vaticano. En estas esculturas muestra su dominio de la anatomía y la ejecución de las vestimentas. En la Piedad resuelve el tema compositivo de ubicar a un hombre extendido sobre el regazo de una mujer con una estructura piramidal para una escultura frontal ya que se mira de un solo lado. El acabado es perfecto.

b) 1501-1504 - Regresa a Florencia. -1501-"David", en esta escultura se aleja de la representación tradicional por la cual el joven David sostiene la cabeza de Goliath. Acá aparece el movimiento latente, está justo por dar el golpe en el momento en que estudia al enemigo. Es un encargo de índole política que representa la voluntad de lucha florentina. Lo realiza en un mármol de 4 m de largo.

c) 1505- "Tumba de Julio II", comienza el primer proyecto con una cámara sepulcral oval (7.20 m x 10.80 m) en el interior. En el 1º piso proyecta 4 grandes estatuas y una sucesión de nichos: El Moisés, que representa la vida activa, y San Pablo, que representa la vida contemplativa. Los esclavos como columnas representarían al alma sin regenerarse. Tras la muerte del Papa en el 1513 el proyecto se modificó.

d) 1530- "Tumba de los Medicis" o Mediceas. La figura de Lorenzo representa la vida contemplativa como el pensador y la de Giuliano la vida activa. Los ríos en la parte inferior representan la fusión del alma al nacer y la idea general que desea transmitir es la apoteosis del alma en su ascenso en la jerarquía universal. Las 4 figuras recostadas sobre arcos representan a la aurora, la mañana, la tarde y la noche y significan el tiempo que arrebata la vida de los dos Medicis.

e) En las esculturas del último período de su vida como los esclavos "sin terminar" o "La Piedad Rondanini", vemos desarrollado al máximo su pensamiento neoplatónico, según el cual el cuerpo es la prisión del alma siendo el fin su liberación. Cuando talla la piedra Miguel Angel libera las formas de su cárcel de mármol y también poeta escribe: "La morte é il fine d'una prigione oscura" (la muerte es el fin de una prisión oscura).

La experiencia humana le da un sufrimiento cruel que se expresa en distorsiones, gestos desesperados. Miguel Angel representa el drama de la creación en un mundo vacilante que sucumbe.

Pintura:

a) 1504-1506,"Tondo Doni". Aparece la Linea serpentinada -espiralada-. El espacio es estrecho y quebrado por un muro, aparecen en el segundo plano figuras asexuadas.

b) 1508-1512 , "Techo de la Capilla Sixtina", en la bóveda de cañón corrido aparecen las Sibilas (I) (II) (III) (IV) (V) y los Profetas (I) (II) (III) (IV) (V) (VI) (VII), Episodios del Génesis, Los Antepasados de Cristo, La Creación del Hombre, la de Eva, La Expulsión del Paraíso, El Sacrificio de Noé, La embriaguez de Noé, Dios separando la luz de las sombras, Dios separando la tierra de las aguas, El Diluvio Universal.
Es un programa ilustrativo simbólico de los hechos de la vida de Cristo y su correspondencia con la de Moisés desde la Creación-Génesis hasta la Revelación Divina. Alterna la monocromía y la policromía según sea elemento de ligazón espacial o elemento temático.

c) 1535-1541, "Juicio Final", se encuentra en el altar de la Capilla Sixtina y fue encargado por Pablo III.


Cristo en el Centro es el generador del movimiento. Se halla relacionado al techo a través de dos grupos de figuras con una columna y una cruz y a la vez perfectamente diferenciado. El color es casi monocromo con un fuerte contraluz que ilumina dramáticamente. En el Juicio final aparece la total disolución del espacio clásico y de la armonía. Las figuras, desnudos escorzados, no tienen punto de apoyo, van en caída, agitación, terror. Hay desproporción y turbulencia pero el efecto final es frío y distante prefigurando una característica del manierismo.

d) 1542-1550 - En la "Capilla Paolina" realiza los frescos, también encargados por Pablo III, "Conversión de San Pablo" y "Martirio de San Pedro". En ellos alterna espacios vacíos y llenos y las figuras aparecen sin libertad.



Arquitectura:

a) 1524-1526 - Biblioteca Laurenziana, en Florencia, es famosa por su escalera (I) (II) que provoca una sensación de claustrofobia y fluye con extrañas rupturas en los escalones, irrumpiendo en un pequeño ambiente. Aparecen órdenes agigantados que simbolizan plásticamente la necesidad de ruptura, de abrir el muro.

b) Desde 1546 cada vez trabajó más como arquitecto, dirigiendo las obras de San Pedro, la más importante construcción de la Cristiandad. Realizó la Cúpula de San Pedro (I) (II) y el Ábside. La cúpula es un tambor pesado reforzado por columnas binadas, de gran estatismo, que penetra en el cuerpo de la basílica. Buscaba lograr el efecto general de la Iglesia como resultado de la relación de las masas de la cúpula y la nave. El ábside tiene pilastras gigantes que unen los dos pisos superiores, la cornisa aparece remarcada.

c) Plaza del Campidoglio, este gran proyecto urbanístico, sede de la administración papal, quedó como el símbolo de la Roma eterna.

Miguel Angel resume las características arquitectónicas del S XVI:
- Triunfo del volumen y la plástica al desaparecer las directrices lineales.
-Voluntad corpórea , estática.

Pintura veneciana.

La Pintura Veneciana se carateriza por el uso del color, basado en la modulación del mismo, que consiste en la varación de un color hacia los análogos es decir los cercanos dentro del círculo cromático. Ej. el azul se modula con el verde azulado o con el violeta azulado.


Otra característica es la valoración del paisaje que se ilumina dando gran sensación de lejanía y continuidad, adquiere una importancia mayor que la tradicional toscana donde es un telón de fondo.
Las historias que se relatan muestran la rica vida de la corte veneciana resultante del comercio con oriente.
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Siglo XV .

Juan Bellini (1429-1516).

Los Bellini famosos fueron tres los otros eran su padre Jacopo y su hermano Gentil. Era cuñado del Mantegna.



Obras y características de su estilo.

Recibe las influencias del arte flamenco, de Mantegna, y de Piero della Francesca, quien trabaja a mediados del siglo XV en Ferrara y Rímini.

a) "La Crucifixión", hay dos una en Venecia y otra en Milán, "San Jerónimo".

b) "Oración en el huerto" (1460), Mantegna tiene una similar. "La transfiguración" (1453-1460) "Retablo de Pesaro" (1471).


En "La Oración en el huerto" en la distinción de los planos se observa la influencia de della Francesca, y la diferencia con el Mantegna es que mientras este es un historiador de la ciudad que representa, Bellini utiliza el paisaje en la construcción general del cuadro como elemento estructural rítmico.

c) "La Transfiguración" (1480). El espacio se ilumina subrayando el misticismo de la escena.

d) "Sacra Alegoría", a veces atribuida a su alumno Giorgone, "Retablo de San Job" (1487). En estas obras Bellini aparece como un gran narrador de actitudes, expresiones en los retratos, en las escenas siempre ubicando a los personajes en una estructura cúbica del espacio.

e) 1500- 1510, "Virgen del Prado", "Virgen con el Niño" de la Galería de Arte de Glasgow y la de la Galería Borghese de Roma. En esta serie de Vírgenes se destaca la relación de las figuras con el fondo ya sea cortinado, paisaje o ambos, relacionadas por los sutiles acentos luminosos y gradaciones tonales. La composición es piramidal.

 

Vittore Carpaccio (1465-1526).

Discípulo de Bellini, trabajan juntos en el Palacio Ducal de Venecia.



Obras y características de su estilo.

a) "Leyenda de Santa Úrsula" (1490-1495), relata la vida veneciana con una visión racionalista más abstracta, geometrizando las formas. En este complejo cuadro aparecen varias escenas que narran desde la llegada de los embajadores hasta su glorificación en los cielos. Se encuentra en las Galerías de la Academia en Venecia.

b) Obras de la Cofradía de los Schiavoni, Venecia: "San Agustín en su estudio", "Los funerales de San Jerónimo", "El bautismo del Rey" y "La Natividad de María", hoy en la Academia Carrara de Bérgamo. En estas obras lo vemos como el gran narrador de la vida cortesana veneciana, nos muestra los interiores de los edificios renacentistas con una minuciosidad resultante de su conocimiento de la pintura flamenca. Aparecen elementos exóticos en indumentarias, escenas con toques humorísticos. Cuando hay espacio en los fondos la lejanía se da por el efecto de veladuras brumosas. Pero lo más importante es el rico colorido y la evolución de la representación espacial donde los puntos de fuga varían según el centro de interés.

c) 1510, "Retrato de un caballero", Castillo de Rohonz, Castagnola, Suiza. Representa a duque Francisco María della Rovere. Es una de sus obras maestras.

 

Giorgione (? -1510).

Muere en 1510 por la peste que asoló a Venecia. No hay mayores datos sobre su nacimiento, ni sus primeros años posiblemente pasados en Castelfranco. Su vida fue enigmática, se lo considera alumno de Bellini.


Realiza su obra en Venecia entre 1500 y 1510, por encargo de las familias más poderosas. Ejecuta retratos no oficiales, es decir que no fueron mostrados públicamente.
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Obras y características de su estilo.

a) 1504- "Retablo de Castelfranco", "Judith".

b) 1508- "Frescos de la Lonja de los Alemanes".
Sus obras no tienen tema literario, ni histórico, ni moralizante. Le da gran importancia al paisaje que tiene una importancia propia y en una unión con los personajes que expesa una esencia divina en toda la naturaleza, es su visión panteísta: todo participa de Dios.

c) "El concierto campreste", esta obra va a influenciar a Manet en el S XIX. ("El almuerzo en la hierba").

 

Vecellio Tiziano (1488 -1576).

A partir de 1516 muertos Bellini y Giorgione, queda como el pintor más importante de Venecia.


- En su juventud trabajó con Giorgione con quien comparte la independencia del color y del dibujo, el llamado tonalismo que sostiene que "la pintura realiza al dibujo".
- Tiene una concepción grandiosa del hombre, el ideal clásico de dignidad humana.
-Sus obras muestran gran armonía formal, imágenes de amplia luminosidad y a través de la gradación de planos cromáticos se pasa al paisaje. La espacialidad es sólida organizada según las zonas de luz.
-Las figuras son monumentales, imponentes, y centran el espacio.
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Obras y características de su estilo.

a) "Flora","Descanso en la huida a Egipto", "El amor sagrado y el amor profano".

b) "Asunción" Primer encargo religioso importante aparece la influencia toscano-romana del Alto Renacimiento. Hay tres puntos de vista diferentes en la construcción de las figuras, hay un tumulto vertiginoso de imágenes, la composición es compleja y el color es el elemento unificador (de abajo hacia arriba).

c) 1518 - 1523 - "Bacanales". Se resquebraja la serenidad clásica. La composición es abigarrada y compleja. Es escenográfica, resaltada por claroscuro coloreado. Figuras sensuales.

d) 1519 - "Retablo de Pesaro". Rompe con la tradición en retablos, se aleja del esquema tradicional pues hay monumentalidad grandiosa y juegos ilusionistas. Mantiene la entonación clásica, (uso del color).

e) 1520 - "Retablo de Ancona" y "Políptico Averoldi". Aumenta el contraste de claroscuro. Hay una ruptura del nexo lógico de los episodios de una historia, aparecen en compartimentos en los que se divide la composición, solo se mantiene la relación tonal.

Tras viajar a Ferrara y Mantua se ve su contacto con el manierismo en la exasperación de los motivos dramáticos, pero no cambia su sentido heroico de la existencia, (clásica).

f) 1530 - 1540 - "Retratos". La composición es más refinada se aleja del naturalismo espontáneo, hay menor vitalidad pero mayor captación psicológica y un registro casi documental de las acciones ya sean cotidianas o históricas.


La fama de Tiziano se extiende fuera de Italia, se relaciona con Carlos V y el Duque de Urbino quienes le hacen encargos para las cortes.

g) 1532 -1533- "Retrato de Carlos V". Representación del poder en forma digna e idealizada. Para el Duque de Urbino realiza "Bella" y la "Venus" de Los Oficios de Florencia.

h) 1548 - "Retrato ecuestre de Carlos V", "Retrato de Carlos V sentado". Desde 1540 realiza composiciones mitológicas que transmiten un sentimiento trágico.

i) 1552 - Comienza a trabajar para Felipe II. Las pinturas que realiza tienen características manieristas: dinamismo, gran sensualidad en las formas, la tonalidad envuelve todo el paisaje. Se aleja de cualquier esquema espacial renacentista, llegando a lo informal de su última producción donde la materia se desintegra por efecto de la luz - color. "Venus vendando al amor", "Descendimiento", "Martirio de San Lorenzo", "Coronación de espinas", "Castigo de Marcias", "Tarquinio y Lucrecia", "La Piedad" de 1576, inconclusa.



En sus últimas obras aparecen grandes efectos lumínicos, las formas muy escorzadas son masas incorpóreas. Hay un sentido muy dramático de fragmentos de la vida real.

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