El clasicismo



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Clasicismo

EL CLASICISMO
1.- LA TRANSICIÓN HACIA EL CLASICISMO EN LAS ARTES.
1.1.- EL ROCOCÓ, EL ESTILO GALANTE, LA ESCUELA DE MANNHEIM Y EL EMPFINDSAMER STIL.
1.2.- LOS PROCEDIMIENTOS PRECLÁSICOS.
2.- CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ESTILO CLÁSICO.

2.1.- CONTEXTO HISTÓRICO- SOCIAL Y CULTURAL.

2.2.- LA MÚSICA.

2.3.- ELEMENTOS CONSTRUCTIVOS DEL CLASICISMO.


3.- LAS FORMAS INSTRUMENTALES EN LOS PRIMEROS PASOS DEL CLASICISMO

3.1.- LA SONATA.

3.2.- LA SINFONÍA.

3.3.- EL CONCIERTO.

3.4.- EL CUARTETO DE CUERDA.
4.- LA ÓPERA AL PRINCIPIO DEL CLASICISMO.

4.1.- LA ÓPERA SERIA EN ITALIA.

4.2.- LA ÓPERA BUFA ITALIANA.

4.3.- LA ÓPERA FUERA DE ITALIA.

4.4.- ARIAS Y RECITATIVOS.
5.- ORATORIO Y MÚSICA SACRA.
6.- EL CLASICISMO EN ESPAÑA.
7.- ORGANOLOGÍA.

CLASICISMO MUSICAL

1. LA TRANSICIÓN HACIA EL CLASICISMO EN LAS ARTES.
1.1.- EL ROCOCÓ, EL ESTILO GALANTE, LA ESCUELA DE MANNHEIM Y EL EMPFINDSAMER STIL.
El Barroco tardío no desemboca de forma “natural en el nuevo estilo clásico, sino que son los cambios sociales, políticos y de pensamiento los que propician el ambiente necesario para una nueva formulación de las artes.

Dentro de la música instrumental, los términos “rococó”, “estilo galante” y ”empfindsamkeit” fueron utilizados para referirse a los distintos estilos que florecieron desde las primeras décadas del s. XVIII.


A) EL ROCOCÓ.
Puede ser entendido como:

- Un epígono del barroco

- Como un período estilístico plenamente individualizado

- Como un precedente del clasicismo del cual anticipa algunas soluciones formales

Se desarrolló en Francia durante el reinado de Luis XV. El rococó se caracteriza por:

- Uso de una armonía simplificada, basada en las funciones básicas de los acordes T-S-D-T

- Melodía formada por pequeños motivos que se repiten. El adorno es indispensable

- Ritmos vivos, emparentados con los ritmos de danzas

- Texturas ligeras, prefiriéndose los “Bajos de Alberti” a los bajos contínuos del Barroco

- Forma: Gusto por las composiciones formadas por pequeñas secciones

- Autores: Couperin, Rameau, Rousseau
B) EL ESTILO GALANTE EN ITALIA.

La expansión del Rococó de Francia al resto de Europa, da lugar en Italia a un estilo sinónimo en cuanto a los rasgos formales, pero en Italia hay que estacar la importancia que adquiere la melodía, que es más simétrica.

El estilo galante en Italia se proyectó:

- En la ópera,- da lugar a una elaboración muy ornamentada de la melodía. Se desarrolla el género bufo

- En la música instrumental.- destaca la música sinfónica, que originada como una obertura, la sinfonía irá progresivamente emancipándose de esta función hasta constituirse en género independiente.

El estilo galante se caracteriza por:

- Melodías basadas en motivos cortos, que se sirven de una figuración rítmica en perpetuo movimiento y contrastante.

- Frases musicales muy adornadas.

- Armonía simple.

- Textura ligera.




C) LA ESCUELA DE MANNHEIM.

Hacia 1740 comienza en Mannheim un estilo claramente preclásico, con especial incidencia en la música orquestal. El estilo orquestal de Mannheim se caracteriza por:

- Uso de la orquesta con sentido unitario. Los vientos cobran protagonismo, aunque las cuerdas siguen siendo la base de la trama. Hay una clara disciplina de grupo que desplaza el individualismo virtuosístico propio del concierto barroco.

- Importancia de la melodía. Se presentan numerosos temas contrastados que se organizan en áreas tonales

- Uso de recursos expresivos como el contraste dinámico( f/ p) violento o gradual (crescendo), trémolos en tutti, pausas expresivas…

- Las sinfonías presentan cuatro movimientos, con el minueto como tercer movimiento.




D) EMPFINDSAMKEIT Y EMPFINDSAMER STIL.

Con este nombre se conoce a una corriente estilística caracterizada por la expresividad y la matización sutil de la música. Es una manera de componer situada entre la ligereza des estilo galante italo- francés y la profundidad que caracteriza al pre- romanticismo alemán.

Cronológicamente se desarrolla entre las décadas de los 60- 80, lo que lo sitúa en paralelo con el Rococó y el alto clasicismo. Su centro geográfico fue Alemania del norte.

Como características de este estilo podemos destacar:

- Melodías periódicas, llenas de adornos, accaciaturas, cromatismos y figuras rítmicas nerviosas

- Cambios bruscos en la armonía para expresar esa melancolía apasionada

Los representantes más destacados son dos de los hijos de J.S. Bach: Wilhem Friedeman Bach y Carl Philipp Enmanuel Bach.

WILHEM FRIEDEMAN BACH.- (1710- 1784) Tras trabajar como organista en Dresde y el Halle, comenzó una peregrinación que lo llevó por diferentes ciudades hasta llegar a Berlín, donde murió en 1784. Algunas de sus composiciones tienen un espíritu conservador (de su educación musical se ocupó directamente su padre). Se caracterizan por el uso del cromatismo y muestran una cierta libertad de la que hace uso para manifestar una emoción que anuncia el Romanticismo

CARL PHILIPP ENMANUEL BACH.- (1714-1788) Su obra se puede considerar como la más característica de este estilo. Comprende varias sonatas para tecla que se carcterizan por:

- Uso de tres movimientos

- Presencia de diferentes temas en tonalidades contrastantes, que son reexpuestos en la tonalidad principal.

C.P. E. Bach explora las posibilidades expresivas del pianoforte y el clavicordio mediante el uso de matices dinámicos y agónicos, cambios en las texturas, uso expresivo del silencio, búsqueda de innovadoras combinaciones armónicas. Su música se caracteriza por su carácter inquieto y efervescente que logró a través del uso de múltiples esquemas rítmicos y de una agitada ornamentación (aunque nunca aceptó el exceso de ornamentación del empfindsamer stil).



Compuso unas 600 sonatas, demás de una gran cantidad de música vocal.
1.2. LOS PROCEDIMIENTOS PRECLÁSICOS.
Estos estilos preclásicos presentan muchos de los rasgos que al coordinarse explican el estilo de los compositores clásicos. La formación del estilo clásico se debe a la confluencia de unos procesos estilísticos que se estaban dando simultáneamente en la música culta que se hacía en Europa.

  • Lo que caracteriza a estos movimientos preclásicos es el rechazo del estilo inmediatamente anterior. Surgen experimentos para construir el nuevo lenguaje como es el caso del “Bajo Alberti”: uno de los procedimientos preclásicos más característicos, que consiste en una serie repetitiva de acordes partidos , que funcionan como acompañamiento de una voz principal; recibe este nombre como homenaje al compositor Doménico Alberti, que lo utiliza frecuentemente en sus sonatas para clavicémbalo.

  • Cae en desuso el contrapunto imitativo. Una de las consecuencias de este declive del contrapunto consiste en que los compositores centran todo su interés en la línea melódica como fuente principal de expresividad musical, lo que tiene una consecuencia directa en el fraseo, que se organiza periódicamente en breves fragmentos pares, de cuatro o seis compases. Las frases son cortas e independientes unas de otras.

  • Como consecuencia del abandono del contrapunto, también se produce un adelgazamiento de las texturas, en claro contraste con el barroco. La utilización del bajo continuo fue abandonándose progresivamente, aunque en estos momentos aún ocupa una gran parte de la literatura instrumental, ya que ofrecía muchas posibilidades constructivas tanto a intérpretes como a compositores

  • Por lo que respecta a las formas musicales, durante el preclasicismo se asiste a la convivencia de las nuevas formas con las antiguas, en una mezcla de procedimientos que darán paso a las nuevas formas musicales.


2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ESTILO CLÁSICO EN LAS ARTES.
2.1. CONTEXTO HISTÓRICO- SOCIAL Y CULTURAL.
Durante este período asistimos a profundos cambios en el panorama socio- político y cultural de Occidente.

A nivel social el hecho más destacado es la crisis y final de las sociedades del Antiguo Régimen, fundadas en el privilegio estamental, con una economía basada en las rentas de tierra y con formas no representativas como eran las monarquías absolutas. Los inicios de la Revolución Industrial( en la que tendrá una gran repercusión la evolución de las ciencias con el uso del método experimental y físico- matemático), van a forzar una honda mutación en el orden social, en el que la burguesía va a demandar un papel hegemónico. Esta burguesía, se consolida como una nueva clase social con amplios poderes económicos y políticos, e interviene como agente de primer orden en las principales transformaciones sociales, políticas y culturales de este período

Las clases medias y populares se dan cuenta que mediante la labor reformista de los monarcas ilustrados no logran conseguir los ansiados derechos políticos y jurídicos de igualdad y libertad: el terreno está abonado para el estallido de la Revolución Francesa de 1789, el episodio más espectacular de este proceso de cambio.



A nivel cultural, se ha llamado al s. XVIII siglo de las luces porque en él tiene lugar la apertura del pensamiento y la filosofía hacia un modo de ver el mundo alejado de los prejuicios teológicos. Se sientan las bases par aun conocimiento el mundo gobernado por las leyes de la razón, la naturaleza y la humanidad. Este es el siglo de la Ilustración, movimiento cultural de carácter antropocéntrico y radicalmente racionalista, heredero del humanismo y el racionalismo renacentista, que se tradujo en la práctica en un movimiento reformista del hombre y de la sociedad por medio de la educación. Los ilustrados confían en que el desarrollo del saber y de las capacidades del hombre conducirá a la humanidad a etapas cada vez más plenas y sin retrocesos. Estos intelectuales defenderán como ideales políticos la igualdad ante la ley, la libertad espiritual y la tolerancia religiosa.

Por lo que respecta al sistema político que gobernó las monarquías europeas del s. XVIII fue el despotismo ilustrado, caracterizado por el abuso de poder, ejercido sin limitación alguna y con capacidad para vulnerar cualquier derecho. Siguiendo la fórmula todo para el pueblo, pero sin el pueblo estos monarcas tratarán de reformar y mejorar la sociedad mediante una labor educativa y legislativa en la que sólo los ilustrados son capaces de gobernar a un pueblo “inculto”, por lo que serán invitados a participar en las tareas de gobierno. Los monarcas ilustrados tratarán de afianzar los poderes del Espado apoyando a la burguesía, clase emergente dotada de iniciativa, vitalidad y riqueza.

Respecto a la sociedad de este siglo, es una sociedad más liberal, amante de la vida placentera, que busca en la obra de arte un medio de esparcimiento antes que una fuente de enseñanzas morales.

Por lo que se refiere a la evolución general del arte, en este siglo hay que distinguir dos momentos. El arte del barroco se aligera en sus contenidos y aspectos formales en la primera mitad del s. XVIII, dando lugar a la estética del rococó. Pero en el último tercio del siglo se produce la irrupción des estilo neoclásico en las artes plásticas, en consonancia con la recuperación del estilo antiguo y las propuestas de un arte racionalizado y austero que impone la moral de la revolución.


2.2. LA MÚSICA.
Al igual que avanzan los conocimientos en física, química o medicina, también las ideas de contrastación científica, búsqueda de la claridad y dominio de la técnica llegan a las artes. En esta época surgen estudios sobre el arte de Grecia y Roma que renuevan el interés por el mundo antiguo, tomando como canon de belleza la armonía y la proporción. De esta forma, el término clásico designa al arte inspirado en las formas artísticas greco-romanas, de ahí que a este período se lo conozca dentro de la historiografía de las artes plásticas como “neoclasicismo”. Sin embargo, en el caso de la música no era posible de ningún modo recrear modelos que son inexistentes, lo que explica que se denomine clasicismo manteniendo, en coherencia con la historiografía general del arte, la referencia nominal a una imitatio antiquitatis.

Para los artistas del último tercio del s. XVIII es tan importante expresar una idea con una forma concreta como el contenido propio de esa idea: los escritores, pintores y músicos clásicos querían no sólo realizar sus obras con unas formas proporcionadas y claras, sino también querían conmover y expresar la grandeza de los sentimientos humanos.

Surge el interés por elevar a la categoría estética los conceptos de lo bello y lo sublime. El término belleza en música está presente en los escritos de Platón y Aristóteles. La capacidad para expresar algo sublime es nueva y procede de dos fuentes: en la imitación de la naturaleza y en la expresión del genio del artista como ser superior, como ser dotado desde su nacimiento de capacidades que no se aprenden.

Este interés por transmitir los sentimientos más puros y extremos tiene su arranque en el movimiento literario alemán denominado Sturm und Dran (corriente literaria en la que se comienzan a ver los primeros rasgos del romanticismo).

Por último hacer una referencia a la CRONOLOGÍA. Este período puede ser desglosado en tres subperíodos:

- Preclasicismo, estilo galante y rococó.- ( 1725-1760). Los distintos nombres responden a las variantes estilísticas que en función de los espacios y de las cronologías, se solapan con el barroco final proporcionando espacios de transición hacia las formas del clasicismo.

- Empfindsamer stil y Alto Clasicismo.- (1760-1780). Comprende las obras de C.P. E. Bach y del primer período de Hydn y Mozart

- Clasicismo Pleno.- (1780- 1827).- Comprende las obrs maduras de los tres autores de la “Primera Escuela de Viena”: Haydn, Mozart y Beethoven.


2.3. ELEMENTOS CONSTRUCTIVOS DEL CLASICISMO.
El estilo clásico se caracteriza por la intención de naturalidad y de universalidad: la idea de crear un estilo comprensible en cualquier parte gobernado por la leyes de la razón y la claridad.

Desde el punto de vista constructivo, la aportación del estilo clásico a la evolución de la música, será la maduración de formas exclusivamente musicales (instrumentales).

Los aspectos formales del estilo clásico pueden resumirse en los siguientes:

1.- Desde el punto de vista del sonido, la principal novedad es el enriquecimiento de la plantilla orquestal y la predilección por instrumentos que como el violín, el clarinete o el pianoforte, eran capaces de reproducir los efectos expresivos que durante el barroco eran exclusivos del repertorio vocal.

2.- La armonía se basa en la aplicación cuidada de las leyes de una tonalidad ya plenamente afianzada. Mediante la tonalidad, una nota determinada funciona como eje a partir de la que las demás pivotan como subordinadas. Las doce notas que componen la escala cromática pueden ser la nota principal de una tonalidad; esta nota jerárquica recibe el nombre de tónica. En el concepto de la tonalidad juegan un papel fundamental las relaciones que se establecen entre los doce sonidos que integran la escala, ya que el centro tonal de una obra no sólo viene definido por la tónica, sino por el acorde de tres sonidos que esta forma, y que se llama tríada tónica. Son las posibilidades armónicas que se derivan de estas relaciones las que dan pie al desarrollo de una obra. Así, las relaciones que se establecen entre los acordes próximos entre sí conforman el “círculo del quintas”, que propicia un sistema de afinación denominado sistema temperado, uno de los pilares en los que se asienta el lenguaje musical del Clasicismo.

Con el temperamento, los compositores tratan de equilibrar las distancias entre las doce notas de la escala, ya que la distancia existente entre los intervalos resultantes de las diferentes escalas (intervalos acústicamente puros o justos) a veces debe ser modificada, al producirse pequeñas diferencias entre los intervalos.

Los acordes adquieren antes un valor colorístico que una función eminentemente estructural dentro de las tres funciones básicas (tónica, subdominante y dominante). Se trata además de una armonía simplificada. Desde el punto de vista constructivo, el plan tonal se rige por la fuerza de la cadencia V-I.

3.- El lenguaje clásico.- el empleo de las escalas en esta época trae consigo un sistema compositivo no sólo tonal, sino también modal. Las preferencias de los compositores por otorgarle a una composición un carácter u otro tienen una relación directa con la modalidad: el modo mayor es más estable que el menor, por lo que durante este periodo muchas composiciones construidas en modo menor terminan en modo mayor (tercera picarda). El modo menor se emplea como apoyo colorístico del modo mayor o como una herramienta que le aporta expresividad a la música.

4.- La modulación.- dentro de una escala tonal, no sólo se establecen relaciones de jerarquía entre sonidos, sino también relaciones polares o de atracción entre los dos grados más importantes de la escala tonal: el primer grado (tónica) y el quinto (dominante). Esta relación se potencia con el uso de la modulación: posibilidad de construir un fragmento entro de una pieza compuesta en una tonalidad concreta, en una segunda tonalidad, que tiene ahora como tónica la dominante de la tonalidad en la que está compuesta la totalidad de la obra. De este principio básico se van a obtener muchas variaciones a través de un uso complejo de modulaciones secundarias en las que se utilizan distintas tonalidades, lo que ocurrirá en la segunda mitad del siglo XVIII y sobre todo en el periodo posterior (Romanticismo). Los compositores clásicos construyen las modulaciones y cadencias modulatorias sobre acordes que están estrechamente relacionados en la tonalidad elegida. Modulan entre: tónica y dominante; tónica y subdominante; relativo mayor si la composición está en modo menor

5.-La melodía se ciñe al fraseo simétrico, la frase es cuadrada, breve y periódica. Las frases suelen tener ocho compases divididos en dos periodos de cuatro compases cada uno. Se prefieren las melodías cantábiles y diatónicas. La ornamentación sufre una pérdida de importancia. La especialización temática es también uno de los rasgos que se acentúan a medida que avanza el periodo clásico.

6.- La variedad rítmica es uno de los aspectos más ricos del período clásico. En lugar del ritmo mecánico que caracteriza el estilo de concierto dominante en el barroco final, los compositores clásicos prefieren usar un ritmo dentro de un plan funcional y sacar provecho de él como uno de los ejes de articulación de la forma general. Se logra así un ritmo muy flexible que crea en el oyente una sensación dinámica exclusivamente musical.

7.- En cuanto a las texturas, el bajo continuo, aunque se encuentra todavía en uso, ya no es obligado. En su lugar se usó en las obras del Alto Clasicismo la homofonía del continuo (acompañamiento obligado de la orquesta a modo homofónico), mientras que en el Clasicismo Pleno, la riqueza de texturas es la norma; incluso dentro de una misma composición las transiciones de texturas se convierten en uno de los elementos articuladores más eficaces.

8.- El resultado de la acción de estos parámetros es un esquema formal muy coordinado, donde plan tonal, ritmo y melodía se hallan estrechamente vinculados. El tratamiento melódico como desarrollo motívico es uno de los procedimientos de crecimiento más habituales

9.- La aportación crucial y donde mejor se aprecian todos estos procedimientos formales es en el desarrollo y maduración de las formas de sonata. La sonata permite la construcción de un auténtico drama sonoro a partir de elementos puramente musicales. Es un verdadero estilo de composición que afecta a todas las formas del momento.

10.- La sonata se basa en la coordinación de los diferentes elementos que conforman el discurso sonoro. La presencia de grupos temáticos, las transiciones rítmicas o de texturas, la contraposición de grandes áreas tonales… todo ello encuentra su aplicación dentro del estilo de sonata y de las formas de la sonata. El lenguaje de la sonata se basa en la idea de simetría y en el principio de equilibrio entre forma y contenido.

11.- El periodo clásico verá la continuación de géneros de la tradición barroca. Como géneros especialmente novedosos, podemos mencionar la sinfonía y el cuarteto de cuerdas.


3.- LAS FORMAS INSTRUMENTALES EN LOS PRIMEROS PASOS DEL CLASICISMO.
3.1. LA SONATA.
A) INTRODUCCIÓN

La sonata, nacida en el período anterior, presenta un ahora un esquema formal que, aunque con muchas excepciones, fue considerado por la posterioridad como modélico. En el barroco, la sonata era una forma instrumental concreta; en el Clasicismo, esta acepción se extiende y hace referencia de forma convencional al primero de los movimientos de sinfonías, sonatas o conciertos. Este modelo tiene una forma tripartita (tres secciones) y bitemática (dos temas). También hay que tener en cuenta otros elementos para una correcta valoración de la obra, como el ritmo, la textura y la armonía.


B) FUNDAMENTOS

La construcción de la sonata, no hubiera sido posible si antes no se hubiese producido un lento proceso de maduración del lenguaje tonal. La contraposición de las áreas tonales de tónica y dominante será la norma a la hora de crear tensión de la exposición.

La sonata se plantea como una resolución a gran escala de las tensiones acumuladas en la exposición mediante la contraposición temática y armónica, potenciadas en el desarrollo mediante el uso inteligente de las texturas, y neutralizada en la recapitulación mediante la relajación de todos los temas, ahora presentados en la tónica.
C) LAS SECCIONES DE LA SONATA Y SU FUNCIÓN

1.- EXPOSICIÓN.- La exposición presenta el primer tema en la tonalidad principal (tónica), generalmente con gran viveza rítmica y dotado de una naturaleza dramática y una textura determinada; después modula, mediante un puente modulante, generalmente hacia la dominante o hacia el relativo mayor si la sonata está compuesta en una tonalidad menor, e inmediatamente expone el segundo tema en la tonalidad de la dominante. Convencionalmente este tema contrasta con el primero en expresión, textura, ritmo y naturaleza lírica respecto al primero. Una vez presentados los dos temas, tiene lugar la cadencia final de la exposición sobre la dominante. Tras esta se puede producir una repetición de la exposición o bien dar paso a la siguiente parte.

La exposición trata de plantear una disonancia estructural, preferentemente entre la tónica y la dominante. Esta modulación debe ser sentida como algo estructural y no meramente colorístico. Los dos puntos principales de esta apartado son: justo antes del comienzo del grupo temático de la dominante y el final de la sección. Desde el punto de vista temático, la exposición puede presentar un tema propio en la dominante, o repetir el tema de la tónica variado, dotado de un carácter más melódico.



2.- DESARROLLO.- Consiste en un trabajo creativo y recreativo que puede comenzar bien con el primer tema expuesto ahora en la tonalidad de la dominante, bien con el segundo expuesto en otra tonalidad o, a veces, con un tema nuevo. En el desarrollo tienen lugar las modulaciones más audaces y expresivas. Un breve pasaje de retransición nos prepara para la llegada de la tercera parte.

El desarrollo se caracteriza por la ruptura de la textura periódica propia de la exposición. Los temas se presentan fragmentados en pequeñas unidades



3.- RECAPITULACIÓN.- En la recapitulación, se vuelve a presentar el primer tema en la tonalidad e la tónica (I). A partir de aquí el segundo tema y la cadencia conclusiva cambian de tonalidad y pasan a ser presentados en la tónica y no en la dominante. Opcionalmente, este movimiento puede concluir con una “coda”.

En esta sección es en la que se deben resolver todas las tensiones presentadas a lo largo de la composición. Al presentarse en tema de la dominante en la tonalidad de la tónica, se resuelve así la disonancia estructural planteada en la exposición y enfatizada en el desarrollo.


D) FORMAS DE SONATA

Normalmente, este modelo es el que da lugar al primer movimiento, auque se pueden encontrar estos modelos formales en otros movimientos de la composición.



* Forma de sonata de primer movimiento. Allegro de sonata

Consta de dos secciones:

- 1ª sección.- Exposición, donde se presentan las dos áreas tonales. Temáticamente, esta sección comprende un motivo principal, seguido de un puente modulante y un motivo característico que termina con una coda cadencial.

- 2ª sección.- Desarrollo más Recapitulación. Comprende un desarrollo con material nuevo o tomado del motivo principal seguido de una reexposición completa o parcial de los materiales de la primera sección más una coda.



* Forma de sonata del movimiento lento.

Es similar al primer movimiento, pero a diferencia de aquel, las secciones de transición son muy breves, sin llegar a crear tensión.

A----B:║: A----B

I------V I------I



* Forma de sonata minué.

La estructura es en tres secciones, de las que la primera y la última son repetición. La parte central se llama trío y es más relajada. Se constituye según el esquema de tensiones y texturas propio de las formas de sonata.



* Forma de sonata de movimiento de sonata o rondó de sonata.

Presenta una organización más libre que tiene la función de resolver las tensiones planteadas a lo largo de toda la composición. Este movimiento de la sonata se define por su carácter rotundo y la claridad de ritmo y fraseo.

A--B--A C A--B--A

I---V---I IV I---I---I

Exposición Desarrollo Recapitulación

Los temas que se presentan en otras tonalidades pueden denominarse coplas.

3.2. LA SINFONÍA.
La sinfonía es sin duda, el género instrumental por excelencia de esta época. La sinfonía se concibe como una gran sonata orquestal. Su composición ocupa a los músicos de todas las partes, aunque pronto empieza a destacar la Escuela de Milán, donde trabaja GIOVANNI BATTISTA SAMMARTINI. Sus obras están estructuradas en tres tiempos, caracterizándose por sus ritmos vivos, por el contraste de texturas y por la búsqueda del equilibrio.

La escuela más destacada de estos primeros años del Clasicismo es la Escuela de Mannheim . Destaca JOHANN STAMITZ, director de la orquesta de 1745 hasta 1757. La cohesión e entendimiento existentes entre el director y los intérpretes fue tal que la fama de esta orquesta llega hasta la actualidad. La importancia de esta escuela reside en el hecho de que, además de fijar las partes de la sinfonía, dotó a la orquesta de una gama de recursos expresivos hasta entonces inexplorados, tanto en el aspecto tímbrico, como en el dinámico. Las sinfonías de Stamitz se caracterizan por la delicada expresión del fraseo, la precisión de la escritura para cuerda, y sobre todo, la importancia que es compositor le otorgó a las dinámicas.

Los compositores de la Escuela de Viena (Haydn, Mozart y Beethoven) de mediados del siglo XVIII, son deudores del nuevo lenguaje orquestal creado por la Escuela de Mannheim.

Las primeras sinfonías de HAYDN recogen la herencia directa del preclasicismo, con 3 ó 4 movimientos, tendiendo a estabilizarse en cuatro siguiendo el plan: allegro-andante-minué-allegro final. Sus siguientes sinfonías son muy expresivas, lo que dificulta la aplicación de esquemas formales concretos. Las últimas son obras claras con temas concisos y sencillos, destacando las sinfonías “París” y “Londres”.

Por lo que respecta a la producción sinfónica de MOZART, sus sinfonías de juventud siguen los modelos italianos, con tres movimientos en estilo galante. Se aprecia la influencia del estilo sentimental y el conocimiento del sinfonismo de Mannheim, que dará como resultado unas obras más expresivas. Sus tres últimas sinfonías son consideradas por algunos autores como propiamente románticas por sus ploanteamientos expresivos y complejidad, integrando a la perfección el contrapunto dentro de un plan coordinado del estilo de la sonata.

La producción sinfónica de BEETHOVEN continúa donde la había dejado Haydn y Mozart, pudiendo decir que es en este campo donde Beethoven ejercerá mayor influencia sobre los músicos del s. XIX. Las sinfonías de Beethoven responden a un planteamiento mucho más ambicioso. Son obras densas que condensan todo un mundo sonoro en cada caso. La 1ª y la 2ª responden a moldes clásicos. La 3ª, llamada “Heroica”, es una obra revolucionaria. La 4ª y la 5ª fueron compuestas paralelamente, aunque la 4ª es de corte clásico y la 5ª es considerada totalmente romántica, con orquestación numerosa y un cuidado trabajo motívico a partir del característico motivo inicial que caracteriza toda la obra. La 6ª es una obra plenamente descriptiva y consta de cinco movimientos. Tras una pausa de diez años después de la composición de la 7ª y 8ª sinfonías, Beethoven estrena la 9ª sinfonía. En ella el autor abre la sinfonía a posibilidades totalmente novedosas, como la introducción de voces. Las nueve sinfonías van a marcar en buena medida los caminos por los que ha de discurrir el sinfonismo del s. XIX.




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