El carro del heno



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Enrique Valdearcos Guerrero Historia del Arte


El carro del heno

John Constable,1821, Óleo sobre lienzo. 130,5 x 185,5 cm

National Gallery de Londres.

ANÁLISIS

El cuadro no fue aceptado por los críticos británicos cuando se expuso en Londres sin embargo gustó mucho a Gericault. Adquirido por un marchante, fue expuesto en Paris con gran éxito. El cuadro no está realizado al aire libre sino en el estudio a partir de numerosos bocetos.

El carro de heno es una obra que parte de sus vivencias de niño de la vida cotidiana de ese lugar en el valle del Stour. Casi en el centro del cuadro el anecdótico perro sirve para que dirijamos nuestra mirada a una vetusta y destartalada carreta que vadea el río, remojándose los caballos y los ejes del carro.

A la izquierda un frondoso arbolado de robles y una casa de la que sale humo a pesar de ser verano para darnos la impresión de estar habitada y una mujer que lava la ropa. A la derecha el río y la vegetación entre la que se encuentra una barca y un pescador.

En el fondo se divisan a los campesinos que están segando el heno, una carreta casi llena y que será sustituida por la que está cruzando el río.

Todo este paisaje está cubierto con un estudio de las nubes. A Constable se le ha llamado el pintor de las nubes. Las más oscuras crean zonas de sombra en el prado y amenazan lluvia pero otras son más blancas y permiten ver el cielo añil y el prado iluminado. El interés mayor se centra en los efectos atmosféricos promovidos por el cielo. De hecho el primer título del cuadro fue Paisaje: mediodía. Las nubes se elevan desde el horizonte y crean profundidad y a su vez crean zonas en sombra y zonas con luz brillando el verde heno donde incide el sol. A su vez el agua muestra los reflejos plateados, azulados y oscuros del cielo. Estas variaciones atmosféricas diferentes tipos de nubes, clarooscuro, reflejos proporcionan al cuadro dinamismo.

Constable escribió.¨ El paisajista que no hace a los cielos una parte material de su composición, niega en vano a uno de los más grandes apoyos....El cielo es la fuente de luz en la naturaleza, y gobierna todo"

La gama cromática es variada: los ocres del primer plano, la variedad de tonos del verde desde el heno a los árboles y los colores rojos como complementario del verde en la mujer que lava y en el pescador.

La pincelada se aplica con pequeñas manchas y trazos superpuestos, a veces la pasta la aplica con espátula. Esta realización con manchas visibles en las nubes y el arbolado es novedoso aunque ya la aplicaba también Goya.

¿Qué sensación provoca? Este paisaje rural y campesino nos crea la sensación de paz y sosiego y armonía entre hombres y naturaleza, logrando la impresión de que si entráramos en el cuadro seriamos sorprendidos por algún chaparrón veraniego. Es una naturaleza algo idealizada en la que reina la armonía entre aquella y el hombre, algo bucólica y muy apartada de los rigores y esfuerzos que los campesinos de la época tenían que hacer para sobrevivir y de las tensiones en el campo que se vivían en los inicios de la revolución industrial.



COMENTARIO

En cuanto al contexto el autor vivió las guerras napoleónicas de la que sale fortalecida el Reino Unido. En toda Europa triunfa el conservadurismo político. Pero también vive Constable los inicios de la revolución industrial y de la era del ferrocarril. En 1830 se inauguraba el trayecto Manchester – Liverpool. Estos cambios técnicos conllevaron el nacimiento de una nueva clase social, los proletarios, cuyas protestas iniciales les dirigieron a destruir máquinas (el luddismo) para poco a poco asociarse aunque el gobierno prohibiera inicialmente los sindicatos.

El pintor parece desinteresado por estos cambios y parece interesarse más por una visión idílica del paisaje inglés sin contaminar por el humo de las locomotoras. El autor John Constable (1776 -1837) tuvo como gran objetivo captar la cambiante atmósfera de la campiña británica. El pintor llegó a autodefinirse como el pintor de las nubes en las se llegó a convertir en un experto como si fuera un metereólogo.

Esta forma de captar el paisaje con nubes casi siempre amenazantes y con sensación de humedad o de entrar en ellos fue criticada por su rival Turner. Turner utiliza una técnica diferente. Su pintura más diluida le permitía superponer capas de color casi transparente y además introduce los cambios técnicos como el tren o el barco de vapor y transforma el medio de forma subjetiva mediante la luz y la atmósfera llegando casi a la abstracción.



El cuadro fue muy valorado por Gericault y le animo a ir a Paris. Su exposición en la ciudad francesa fue un gran éxito y Delacroix quedó impresionado y cambió el fondo de la Matanza de Chios. Su influencia llegará a los pintores de la Escuela de Barbizón e incluso a los impresionistas.
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