Corrientes Artísticas



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Corrientes Artísticas

El arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de múltiples corrientes que se denominan ismos.

Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico.

El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna. Es el año en que Manetpinta Almuerzo sobre la hierba, que se expuso en el Salón de los Rechazados. La obra poseía antecedentes del Renacimiento italiano en cuanto a temática, pero el modo de plantearlo causó escándalos.



Fauvismo

El Fauvismo no debe entenderse como movimiento hermético, sino como un estallar estético y sentimental. El Fauvismo es un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se rechaza la existencia de un método riguroso, en pro de una libertad total ante la naturaleza. La primacía del color obliga a la forma a ser más expresiva que fiel a la realidad. El pintor fauve establece una patética comunión con la naturaleza, rechaza convencionalismos y descubre un lenguaje personal para alcanzar el máximo objetivo, la unión de arte y vida. El artista es un Demiurgo, o un nuevo dios que moldea su obra, la crea según un principio generador asimilable a la naturaleza. Esta liberación fauvista no tiene que ser entendida como desorden, rechazo de disciplinas o ignorancia, pues la libertad no se reclama hasta que se tiene plena conciencia de haber alcanzado los medios necesarios. Antes de lanzarse a la aventura de la innovación se aprende la técnica.

Podemos entender a Matisse como el representante más puro de la tendencia, seguido de André Derain Cada artista adapta el color a su forma de vida. Este es el caso de artistas como Dufy, Friesz, Braque, Rouault, Van Donguen

El Fauvismo constituyó un momento extraordinario por la integración de artistas de tan diferente origen y carácter. Por lo general los fauves franceses no se detienen en investigaciones psicológicas o sociales, mientras que los alemanes otorgan un contenido más sentimental a sus videncias.



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Expresionismo.

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.

La Primera Guerra Mundial destruye el grupo, pero el Expresionismo no se extingue, al contrario, los desastres y la crueldad de la guerra incita a otros artistas a traducir el dolor provocado.

El austriaco Oscar Kokoschka (1886-1980) con su personalidad vigorosa, busca la expresión a través de la pasta y el color. En La noria del viento trasciende lo puramente figurativo y anecdótico para expresar contenidos interiores a través de sus composiciones. En La tempestad plasma al artista y a la mujer amada y refleja la perduración de la pasión amorosa en medio de circunstancias adversas.

En Francia, Roault es un ejemplo de cómo se puede pasar del fauvismo al Expresionismo sin cambiar los aspectos formales, simplemente con un cambio en la concepción.

Chagall y Modigliani formaron parte del grupo expresionista de la llamada Escuela de París. El italiano Modigliani destaca por sus obras humanas alargadas y nostálgicas que recuerdan al Greco.

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Cubismo

Guillaume Apollinaire, fue el principal teórico del Cubismo, escribió Méditations esthétiques. Les peintres cubistes en 1913. En esta obra estableció las tipología y etapas del Cubismo: científico, órfico e instintivo. Otros especialistas se han referido a las etapas con otros nombres como fase analítica, fase hermética y fase sintética.

En el primer momento, se partió de la observación de la realidad para proceder después a su "destrucción". Resultaba un conjunto de planos indescifrable, lo que es en definitiva es la obra cubista.

Para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión. Por ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical, o un pomo la de una mesa. En esta etapa también se hizo habitual la imitación "realista" de caracteres de imprenta, letras o cifras, que lleva a la comprensión de que nos hallamos ante la presencia de un periódico, de una etiqueta de botella o de un sobre. Se empieza a imitar la madera o el mármol para sugerir por ejemplo un violín.



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Dadaísmo

El Dadaísmo inaugura un nuevo modo de pensar. Se lucha contra todo lo preestablecido, de ahí que sus manifestaciones se denominen antiartísticas.

Hugo Ball y su mujer Emmy Hennings inauguran en 1916 el Cabaret Voltaire en Zurich, en él se llevaban a cabo actuaciones con piano y declamaciones. Pronto se les unieron los hermanos Janco y el poeta Tristán Tzará, con ellos las actuaciones dieron un gran giro. Tzara pretendía unas actuaciones que supusieran una afrenta para el público que las presenciara. Se leían simultáneamente poemas, haciendo ruidos con raras percusiones, así se provocaba al público.

Tzará escribió Siete Manifiestos Dadá. La palabra "dadá" fue hallada por Tzará al abrir al azar un diccionario, y según sus propias declaraciones, no posee ningún significado. Él afirma que el dadaísmo nunca estuvo fundado en teoría alguna y que siempre fue una protesta, de ahí que también se le conozca bajo el nombre de arte de repulsa. En la fundación del dadaísmo confluyen la decepción ante la situación mundial, el desencanto de pintores escasamente reconocidos y el deseo de llevar la pintura a la destrucción que por entonces asolaba Europa. El lema lo dio Bakunin: "La destrucción también es creación".La difusión de las ideas se debió a la publicación de la revista Dadá, gracias a ella, el movimiento se fue extendiendo por Alemania, París, Nueva York.



  • En Berlín, trabajan los pintores Raoul Hausmann y Hannah Höch. Ellos introdujeron en Alemania la técnica del collage.

  • En Hannover, destaca Kurt Schwitters.

  • En Colonia, Max Ernst.

  • En Nueva York, el Dadaísmo adoptó trayectorias diversas. Algunos de sus más importantes representantes son: Francis Picabia, y sus máquinas en que se burla de la ciencia, Man Ray, cuyos fotomontajes se divulgaron en la revista Camera Work, y Marcel Duchamp, cuya principal aportación es el ready-made . Éste consiste en entresacar un objeto de su contexto para situarlo en otro distinto que pertenece al ámbito de lo artístico. Esto supuso una gran transformación del concepto de arte. Los cimientos en los que se había fundamentado el arte empiezan a resentirse muy seriamente.

  • En París, el Dadaísmo halló seguidores, destacaron poetas que más tarde formarían el grupo surrealista.

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Futurismo

Mientras en Francia se cultiva el Fauvismo y el Expresionismo en Alemania, en Italia se engendra el Futurismo.


El comienzo se sitúa en 1909, el ideólogo fue Filippo Tommaso Marinetti que escribe Manifiesto del Futurismo en el que afirma: "un automóvil de carreras, que parece correr sobre metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia".

  • Tras la Revolución Industrial y la científica la sensibilidad humana se transforma en lo más profundo.

  • Se trata de rechazar la tradición en pro de la modernidad.

  • Se toma el automóvil como símbolo de velocidad y dinamismo.

  • Bergson apunta a la importancia de lograr un arte que caminara siempre hacia el futuro.

Al hablar de Futurismo no sólo nos ceñimos al ámbito pictórico, sino también al literario, músico, fotográfico, cine.
Los temas preferidos en pintura son la ciudad y figura humana en movimiento. Para expresar el movimiento es usual el repetir la misma imagen a modo de secuencia fílmica. A ello se le ha llamado simutaneísmo. Se usa la técnica del Divisionismo y una amplia gama de color.

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Surrealismo

La actitud irracionalista del movimiento dadá derivó hacia un intento de mayor envergadura. André Breton aseguraba que la situación histórica de postguerra, exigía un arte nuevo que se esforzara por indagar en lo más profundo del ser humano. Bretón había contactado con las doctrinas de Freud, fundador del psicoanálisis, y entendió que la palabra escrita descurre tan de prisa como el pensamiento y que las ensoñaciones y asociaciones verbales automáticas podían ser métodos de creación artística.

El Surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes. Este sector recóndito del ser humano se considera apto para el análisis artístico. Breton intenta descubrir las profundidades del espíritu. Así lo pone de relieve en su Primer Manifiesto del Surrealismo (1924): "Creo en el encuentro futuro de esos dos estados, en apariencia tan contradictorios, como son el sueño y la realidad, en una especie de realidad absoluta, de surrealidad". El Surrealismo no sólo afectó al mundo de la pintura, sino también al cine, la fotografía, el teatro, la poesía... El resultado es un mundo aparentemente absurdo, alógico, en el que los fenómenos del subconsciente escapan al dominio de la razón.

Salvador Dalí ha sido el más destacado excéntrico en sus hechos, dichos automáticos, escritos y por supuesto obra. La relación de artistas que se mueven dentro del surrealismo es extensa: Duchamp, Max Ernst, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, René Magritte, Yves Tanguy, Paul Delvaux.

Para algunos grandes maestros el surrealismo fue solamente una fase como para Joan Miró, el que en su etapa de grafismo infantiles se acerca al monigote. El Surrealismo fue una vía de escape para muchos artistas de los más diversos ámbitos, cabe citar a una Frida Kalho.

Los maestros del Surrealismo supieron poner a presión la "gran libertad de espíritu" que Breton consideraba básica para hacer estallar la imaginación. ¿Acaso Goya no se había acercado ya a este plateamiento?.



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Pop art

Es un movimiento que subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática. Los objetos industriales, los carteles, los embalajes y las imágenes son los elementos de los que se sirve.

Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes, y ajeno por completo a la Naturaleza. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.

Andy Warhol en su Filosofía de B a A y de A a B, recoge muchas de las ideas que subyacen en su concepto de lo "pop". En el Pop-Art, la belleza es susceptible de ser encontrada en cualquier objeto de consumo. Se aceptan desde los materiales nobles hasta los plásticos, papeles, cartones, latas y botellas de coca-cola.

Entre otros artistas, Andy Warhol y Roy Lichtenstein son de los más representativos.

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Conclusión

En mi opinión y según mis criterios y gustos puedo tomar como favorita la corriente artística del dadaísmo, ya que me siento identificada con ella en el aspecto de que era toda protesta ante la sociedad y tenía un sentido común dentro del surrealismo.

Cartel igual a espacio publico

El primer anuncio apareció en Iglaterra en el siglo XVII

Los carteles nacieron en el siglo XV con la invención de la imprenta. Los primeros, que generalmente no iban ilustrados, daban aviso de proclamaciones reales, decretos municipales, ferias y mercados y, en algunos casos, anunciaban libros. En los siglos siguientes a veces estaban ilustrados con pequeños grabados a fibra, pero su producción no era fácil por lo que no eran muy comunes. Los pósteres no empezaron a tener su aspecto actual hasta el siglo XIX.

Hacia 1800 se produjeron dos acontecimientos que dieron lugar a la era moderna del cartel. Uno de ellos fue el inicio de la industrialización a gran escala, que generó la necesidad de una publicidad extensiva. El otro fue el invento, en 1798, de un nuevo método de impresión, la litografía, que hacía mucho más fácil la ilustración de carteles en color. El auge de la producción de pósteres tuvo lugar durante la primera mitad del siglo XIX, pues se utilizaron para anunciar una amplia gama de productos y de servicios. También por esa época aparecieron los primeros carteles teatrales, generalmente con ilustraciones realistas de escenas de las obras, óperas o espectáculos que anunciaban.

Los métodos de Chéret se extendieron rápidamente a Europa y a América y, aplicados tanto a los carteles teatrales como a los de publicidad de productos comerciales, dieron lugar a un arte del cartel, visualmente encantador, que apelaba directamente a los sentidos y resultaba comprensible también para los analfabetos.

Toulouse-Lautrec, uno de los cartelistas más destacados del siglo XIX, introdujo importantes cambios en su contenido y en su estilo artístico. Abandonó el impresionismo lírico de los estilos precedentes para utilizar grandes zonas de colores lisos, técnica tomada de los grabados japoneses. Las figuras femeninas idealizadas de las épocas anteriores fueron sustituidas por personas reales, aunque sutilmente estilizadas, formando viñetas, como una mujer bebiendo en un bar, o un caballero y una dama sentados a una mesa besándose. El artista redujo la importancia del texto, obligando al espectador a concentrar su atención en el aspecto pictórico del cartel.

Los representantes del Art Nouveau introdujeron un estilo pictórico alternativo al de Toulouse-Lautrec, creando carteles de imágenes exóticas y estilizadas por medio de líneas fluidas y de elegantes formas alargadas. Entre los artistas de carteles estilo Art Nouveau más representativos se encuentran el inglés Aubrey Beardsley, el francés nacido en Checoslovaquia Alphonse Mucha, el belga Henri van de Velde, las hermanas escocesas Frances y Margaret MacDonald, el estadounidense Will Bradley, el austriaco Gustav Klimt y el holandés Jan Toorop.

Con el estallido de la I Guerra Mundial en 1914, el arte del cartel experimentó un cambio radical. Los pósteres pasaron a ser instrumentos de propaganda y se utilizaron también para llamar a filas y para vender bonos de guerra. Comparándolos con los estilos anteriores, resultaban artísticamente toscos, pero con un mensaje contundente.

Durante la II Guerra Mundial volvieron a aparecer contundentes carteles de propaganda, a menudo realizados por artistas tan importantes como Ben Shahn.

Conclusión

Actualmente, los anuncios a través de televisión, radio y de imágenes fotográficas en multitud de periódicos y revistas, ponen en tela de juicio la efectividad del cartel y el papel que desempeñaba el artista en su diseño. Sin embargo, las agencias publicitarias han reaccionado produciendo carteles fotográficos muy llamativos visualmente y de gran calidad.

Historia de la fotografía

La fotografía empieza oficialmente en el año 1839, con la divulgación mundial del primer procedimiento fotográfico: el daguerrotipo desarrollado y perfeccionado por Louis Daguerre, el daguerrotipó fue inspirado a partir de las experiencias previas de Niépce terrateniente francés, químico, litógrafo y científico aficionado, que inventó, junto a su hermano, un motor para barcos

La fotografía estudia: todos los aspectos relacionados con las imágenes fotográficas, a través del tiempo.

Como Antecedentes: se encuentran la cámara oscura y las investigaciones sobre las sustancias fotosensibles, especialmente el ennegrecimiento de las sales de plata.



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A mediados del siglo XIX

comenzarían a menudear los cuadros de acusado hiperrealismo, pues tenian una enorme finura y precisión en los detalles, que en realidad partían de

una base fotográfica. Es decir, la imagen fotográfica, en ocasiones, estaba fijada sobre el lienzo, y el pintor se limitaba a colorearla por encima y, como mucho, a añadir o corregir algunos detalles menores de la composición. Paul Gauguin, Paul Cézanne, Vincent Willem van Gogh, Pablo Picasso, etc.

Periodo surrealista

Desde su matrimonio con Olga y el nacimiento de su primer hijo, Pablo, Picasso disfrutaba de una vida familiar feliz; llevaba una vida social muy activa,

alternando con la aristocracia y la intelectualidad parisina; la crítica de vanguardia alababa sus logros artísticos, aunque se centraban en los aspectos formales, ignorando los elementos intuitivos y psicológicos de su obra. Aceptado por la sociedad y la crítica, Picasso estaba considerado como una parte de la tradición francesa que descollaba por encima de las travesuras de la nueva generación de dadaístas anti burgueses, que empezaban a ser suplantados por el grupo que se conocería como los surrealistas.

El arte en el extreme oriente

El término Extremo Oriente o también Lejano Oriente, designa un área geográfica convencional ubicada al este del continente euroasiático, compuesta por una serie de países que tienen diversas culturas. Sus habitantes suelen ser llamados orientales

Occidente siempre ha considerado el Extremo Oriente como un mundo lejano, diferente misterioso, fuente de continuas ensoñaciones. Y, por eso, se ha sentido sumamente atraído por su arte, su cultura y su literatura.

Conclusión

Es increíble como la fotografía logra detener un momento, capturar una escena, plasmarnos sentimientos y así realmente convertirse en una obra de arte realmente interesante y apreciable, ya que nos remota al lugar o a la escena y nos da más un concepto de la realidad.



La Helvética.

Nos introducen a la tipografía, respectivamente de la helvética, lo más saturado y lo más minimalista hablando de tipografías. Todas las tipografías hablan por sí mismas, queriéndonos expresar algo, dándonos a conocer su estado de ánimo y así dándolo cierta coloración al mundo.
La Helvética, primero fue llamada como Die Neue Haas Grotesk, totalmente un producto de Miedienger y Eduar HoffmanDe primera impresión se quiso hacer una versión moderna de Akzidenz Grotesk, y su proceso fue minimizarla y limpiarla, generando así los trazos de lo que es hoy la Helvética.   El nombre Helvética hace relación a la tipografía suiza.
Se hablan de las diferentes características que la identifican, como es el uso masivo de esta tipografía, ya que en realidad los lugares por los cuales diariamente transitamos y no nos damos cuenta, están llenos de Helvética. Esta tipografía surge de la necesidad de una tipografía que pueda ser usada en todo tipo de información. Fue resultado de querer crear una mayor legibilidad al espectador, logrando ser una tipografía muy clara y moderna; y entendida por los diseñadores cómo respuesta a sus necesidades.
La Helvética desde siempre, ha sido amada por los gobiernos y las corporaciones.

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EL MUNDO COMO MERCADO

En el siglo XIX la figura del diseñador de producto no estaba profesionalmente definida.

Los ingenieros y técnicos industriales que diseñaban nuevos sistemas de transporte, artefactos para la comunicación o instrumentos de trabajo para el hogar y la oficina lo hacían con espíritu científico pero, al mismo tiempo, se enfrentaban a las tareas culturalmente comprensibles sus innovaciones y debían procurar que el público las aceptara, las adquiriera y las usara.

Ingeniería y cambio social:


El transporte

Primera locomotora en servicio. Rocket de G. Stephenson, 1829



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A mediados de siglo XIX la locomotora alcanzo un nivel de refinamiento formal y constructivo tan elevado que se convirtió por derecho propio en símbolo de la estética maquinista de los nuevos tiempos.

La evolución de la locomotora a lo largo del siglo XIX resulta espectacular, pero al llegar las ultimas décadas el vapor fue desafiado por una nueva energía: la electricidad.

-El viaje en ferrocarril no era accesible a todas las clases sociales.


-Los vagones de primera se decoraban de acuerdo con el gusto burgués.

Su historia es muy antigua y se inicia en 1791 con el Cheval de Bois o vèlocipede del conde Mede de Sivrac

COMUNICACIÓN Y TELECOMUNICACIONES

Siglo xx


Se integró la radio culturalmente a la vida cotidiana.

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El visionario hombre, quien inventó el teléfono, fue Alexander Graham Bell. Este construyó el primer teléfono en 1876, en el estado de Massachussets, en los Estados Unidos. Este útil invento, consiste en la transmisión de sonidos a la distancia usando la electricidad.

Charles cross (1877)  antes que Edison, fue uno de los precursores del fonógrafo, y le dio el nombre de paleófono a su invención.

THOMAS EDISON (1878)



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Perfiles tecnológicos del mundo contemporáneo: las industrias eléctricas, un sistema telefónico viable, elfonógrafo, las películas, etc.

1866 Primer Industria discográfica

Emile Berliner

Guglielmo Marconi (1901)

Señales Morse se enviaban mediante un procedimiento inalámbrico cruzara el Atlántico.

Art Nouveau 

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El término Art Nouveau se utiliza en la Historia del Arte con un sentido amplio, para referir a diversos movimientos de vanguardia europeos que, a partir de 1890 aproximadamente, compartían similares inquietudes respecto de la necesidad de renovación de la arquitectura y las artes aplicadas y no pocas similitudes formales en sus producciones, aunque también reconocían diferencias nacionales.

En el campo de la arquitectura no existen dudas respecto a que el Art Nouveau se presenta por primera vez, perfectamente definido, en Bélgica con la casa Tassel, proyectada por el arquitecto Víctor Horta en 1893, cuyo vestíbulo y escalera abren esta página.

Víctor Horta Casa Tassel Fachada 1893 Bruselas, Bélgica

Hector Guimard Acceso al Metropolitain 1900 París, Francia
El "Art Nouveau" también se manifestó con notables ejemplos en las artes gráficas, que en el siglo XIX habían ido creciendo en importancia. En realidad puede decirse que el estilo comenzó en las artes gráficas.
Revolución industrial

El libro caligráfico era un producto de encargo realizado en talleres civiles o monásticos.

Gutenberg y la imprenta

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La biblia publicada en 1452 inicia una nueva etapa en la historia del libro y la comunicación. Gracias a la imprenta aparecieron nuevos oficios pensionistas, fundidores, cajistas, prensadores y grabadores también aparecieron nuevos negocios.

Talleres de tipografía

Talleres de impresión

Establecimientos de distribución y venta

Los repertorios caligráficos manuales se sustituyeron y se abrió la vía de la investigación tipográfica moderna

Aldo Manuzio de Italia y Geoffrey Teory en Francia configuraron para el libro un orden de contenidos, paginación y créditos que se apartaban de sus antepasados góticos. A principios siglo xvi el libro ya tenía la estructura que hoy conocemos

1750 y 1850 en Europa occidental y E.U.A transacción de economía rural a industrial de agrario a urbana

el cambio tecnológico se deriva del combustible el carbón sustituye a la madera.

Fue un cambio transformado en gran Bretaña de la economía agraria mediante el sistema de fábricas. El resto del continente europeo fue más tranquilo y se produjo por emulación del modelo británico. El aumento de la población y la revolución agraria que se llevó acabo cerca de los campos y la rotación de cultivos (hecho que acabo con las hambrunas) se unió a un cambio de mentalidad en relación con los negocios y la actividad mercantil.

La abolición del sistema gremial, fin de la doctrina económica apoyada por las monarquías durante siglos y que se basaba en el proteccionismo y el intervencionismo del estado.

Ocasiono deshacerse de regulaciones y trabas que obstaculizaban, el comercio interregional eh internacional, el nuevo espíritu emprendedor, liberal y asociativo favoreció la creación de las sociedades económicas, la voluntades de ahorro y la inversión en forma productiva.

Concentración de capitales necesaria para la adquisición de bienes de equipo que exigía el paso de la manufactura artesanal a la producción mecanizada.

Enquiry intro the nature and causes of the wealth of nations se convirtió en el catecismo de las empresas y naciones progresistas. Adam Smith “las bases del crecimiento económico se encontraban en la división del trabajo”.

La revolución industrial británica fue en gran parte estimulada por la demanda de los mercados internacionales importar materias primas, maderas, hierro en barras, cáñamo, ceda algodón, exportar productos manufacturados, valorados por su calidad y diseño en el primer cuarto del siglo xiv se habían mecanizado el sector siderometalúrgico y el sector textil.

1750 Wedgwood ceramista con la empresa Burslem

LA REVOLUCIÓN FRANCESA 

(1789)


Destruyo los remanentes del viejo orden feudal y creo las condiciones para el desarrollo del capitalismo moderno.

ALEMANIA


Como resultado de la Guerra Franco-Prusiana en el año 1870, se desarrolló la unificación alemana, liderada por el primer ministro alemán Otto Von Bismarck, impulsando la Revolución industrial en Alemania.

ITALIA


La unificación italiana realizada en el año 1870, al igual que la alemana, impulso, sin embargo tardíamente, la industrialización del país. Aunque la industrialización se quedó limitado al norte de Italia, mientras que el sur continuo esencialmente agrícola.

RUSIA


En ese país la Revolución Industrial se inició realmente en la última década del siglo XIX. Las razones para la industrialización rusa fueron la gran disponibilidad de mano de obra, intervención gubernamental en la economía y las inversiones extranjeras.

ESTADOS UNIDOS

La Revolución Industrial se iniciaría final de la Guerra de Secesión (1865). El termino del conflicto, abolió la esclavitud y concentro esa mano de obra en las fábricas, que fueron impulsadas por las estados industrializados de norte que ganaron la guerra. Estados Unidos era un país inmenso con numerosos recursos naturales que explotaron para esta industrialización.

JAPÓN


La modernización de Japón data desde el inicio de la "era Meiji", en 1879, cuando la superación del feudalismo unifico el país, centralizo la autoridad política, libero la mano de obra, posibilito la intervención gubernamental en la economía, la asimilación de la tecnología occidental.

En el siglo XIX la figura del diseñador de producto no estaba totalmente definida. La contribución a la cultura material de la época ha sido reivindicada por los historiadores contemporáneos, que en su día lo que fue la arquitectura del hierro, considerada hoy como el auténtico embrión de la arquitectura moderna.

El gran motor del cambio social durante el siglo XIX fue el transporte. El ferrocarril es difícil de analizar, por su repercusión social. El sistema del ferroviario, se extendió rápidamente por Europa, América y parte de Asia. La formalización de la locomotora no era competencia de un solo individuo, era futuro de una completa labor de trabajo en equipó entre ingenieros, delineantes, administrativos y constructores. Durante este siglo llego a poseer una tipología perfectamente delineada. Durante este mismo siglo el vapor fue desafiado por una nueva energía que fue la electricidad.

La gran aportación norteamericana seria el diseño del coche-cama que traería consigo el total confort para un viajero y acabaría por tener éxito en todas partes. Los vagones de primera se decoraban de acuerdo con el gusto del burgués.

En 1791 El conde Mede de Sivrac crea el velocípedo, en Paris fue la primera feria de fabricantes de bicicletas, en 1890 las damas ingeniaron una especie de bombachos a medio camino entre falda y pantalón, pero no se veía de una manera adecuada ya que era un acto de rebeldía ante el machismo que se presentaba en esa época, hasta la fecha la tipología de las bicicletas no ha cambiado desde 1900.

Entre 1900 y 1914 había 150 productores de automóviles, la industria de este, empezó en Alemania, Italia y sobre todo en Francia.

La aparición de sistemas de transporte causó una auténtica revolución en la costumbre de los ciudadanos , nuevos retos y necesidades . En el siglo XIX nace la industria del viaje y se diseñan, bolsos, maletas y baúles. Tecnologías empezarían a invadir el ámbito doméstico cotidiano.

Los primeros aparatos de comunicación y telecomunicaciones fueron resultado de la investigación científica, nacieron en un laboratorio y carecían de pretensión estética.

En el siglo XIX la increíble preocupación por la diferenciación tenía que quedar muy claro qué clase de peines, relojes, navajas y complementos eran para uso masculino, femenino o infantil. La diferencia sexual era muy importante, dado que las clases medias y altas daban por sentado que hombres y mujeres llevaban una existencia muy distinta.

En el siglo XIX la mecanización se fue introduciendo progresivamente en la vivienda. En la mitad de este siglo la higiene adquiere prestigio social y el baño dejo de contemplarse como un acto meramente terapéutico.

Michael Thonet abrió su primera fábrica en Viena en 1849 con la intención de producir muebles mediante un sistema revolucionario de curvado de la madera mediante vapor a presión.

Alrededor de 1900 la factoría empleada a 4000 obreros y producía 6000 modelos por día.

En 1750 y 1850 ingenieros y técnicos se preocuparon fundamentalmente por crear infraestructuras. Hacia 1870 se entró en la era de los artefactos, fue dando paso a una industria más sofisticada, impulsada por turbinas y motores movidos por gasolina o electricidad.

Había que exponer al público la fantástica cantidad de productos que la nueva industria ofrecía sin cesar.

Dichas exposiciones solían tener lugar en pabellones proyectados a tal efecto, que podían ser montados y desmontados en un corto espacio de tiempo y que respondían a un concepto de la construcción mucho más ligado a la ingeniería moderna que a la arquitectura tradicional.

El siglo XIX había sido estéticamente confuso debido a su complejidad y que por lo tanto despachar el periodo en su totalidad afirmando que se trató de un paréntesis desgraciado en la industria de la cultura. El paso de una producción manual a una producción mecanizada o la enorme disponibilidad de muchos materiales anteriormente escasos.

El siglo IX quiso revivir la arquitectura romana; el renacimiento se basó en la recuperación del legado intelectual de la antigüedad, mientras que el neoclásico se dedicó a estudiarla científicamente.

El eclecticismo mostro una deliberada, desatención a la precisión cronológica, en 1828 adquirió su formulación teórica a través de las conferencias que el filósofo francés Victor Cousin dio con gran éxito en la Sorbona. Afirma que el eclecticismo es un sistema de pensamiento construido por puntos de vista tomados de otros varios sistemas y que nadie debería aceptar a ciegas la legitimidad de un único sistema filosófico, formulaciones filosóficas del pasado resultarían adecuadas para los problemas del presente.

La tercera crítica del diseño de la plena industrialización se basa en el exceso ornamental. Se puede argumentar que el gusto por la ornamentación era una reacción contra la austeridad y el rigor neoclásico.

De todos la obra maestra de la época seria “The Grammar of Ornament, publicada por Owen Jones en 1856.Este fue el primer trabajo realizado con un planteamiento científico y analítico, pues partía de un estudio riguroso de todos los estilos ornamoentados del mundo;su objetivo era llegar a 37 proposiciones que definiesen el buen diseño.

Arts and Crafts

Se dice que cuando los visitantes de la Feria Universal de 1851 llegaban al Crystal Palace de Londres, además de asombrarse por los avances técnicos, se sorprendían por el mal gusto de todo lo que se fabricaba en masa. De manera que la idea de progreso industrial comenzó a mezclarse con la intuición de que era necesaria una reacción que devolviera a los objetos de la vida cotidiana una cierta dimensión estética, que acompañase a las funciones naturales para las que eran fabricados. Esa reacción se denominó Arts and Crafts, Artes y Oficios, ya que pretendió elevar la dignidad social y estética del diseño y de todas las artes aplicadas, integrándolas en un entorno arquitectónico armonioso y bello.

El art nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño 

Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina "La maison del Art Nouveau", diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905), aunque se conoce con distintos nombres según los países: modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Sezession (en Austria), Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia, modernisme o Estilo modernista en Cataluña etc.


Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.

Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla intimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.

Características generales del Art Nouveau:
Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.

Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.

Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartel ismo, la impresión.

Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial



Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890. 

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