Camáras fotográficas: slr = Single Lents Reflex. Dslr= Digital Single Lents Réflex Gran Formato



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CAMÁRAS FOTOGRÁFICAS:

SLR = Single Lents Reflex. DSLR= Digital Single Lents Réflex



-Gran Formato

A las cámaras de gran formato también se les denomina bancos ópticos, porque utilizan formatos de película que van desde las longitudes 10x12 a 20x25 cm. Las imágenes que realizan este tipo de cámaras son de altísima nitidez y calidadcámaras linhof



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Algunas características:
-Son cámaras de dimensiones muy grandes y engorrosas.
-Son lentas en cuanto a su preparación, se requiere un aprendizaje especializado antes de conocer su funcionamiento.
-Son cámaras manuales, no presentan ningún tipo de automatismo.
-La película se tiene que cargar hoja a hoja.
-Sus imágenes tienen una gran definición y una extrema nitidez.

Basculación y descentrado


Basculación y descentrado. La basculación, el descentrado de la película y el objetivo se utilizan para corregir la perspectiva, lo que da un control total sobre la forma de la imagen, su perspectiva y el reparto de la profundidad de campo.
La basculación del objetivo se emplea, generalmente para enfocar ya sea el primer plano o fondo, sin llegan a cerrar excesivamente el diafragma.
El descentramiento se utiliza para fotografiar una superficie reflectante (un espejo) sin que el fotógrafo se refleje en ella.basculación y descentrado

-Formato medio: hasselblad 503

Estas cámaras son excelentes especialmente para el estudio. Son una gran arma para los profesionales del sector.

Son cámaras más voluminosas y pesadas. No disponen de muchas funciones de las que se encuentran dotadas las cámaras de formato más pequeño.

Son muy adecuadas para realizar toma fotográfica en estudio, paisajes o retratos.

Otras características de las SLR formato medio:
-Estas cámaras utilizan formatos de película de 120 mm. ; 6x6 ; 6x7 ; 6x4’5
-Las imágenes tienen una definición y resolución tonal muy elevada.
-El sistema de enfoque que utiliza es el TTL, a través de su objetivo

cámara réflex binocular tlr: twin lens reflex

Las cámaras binoculares réflex llevan incorporados dos objetivos gemelos (Twin Lens Reflex) hoy en día no se fabrican muchas.


La función del objetivo superior es para el enfoque y el objetivo inferior se utiliza para la toma y control del estado del diafragma junto con el obturador central.

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-Formato Pequeño:

Las cámaras de pequeño formato muy conocidas también como réflex SLR ( single lents reflex) de un solo objetivo. Estas cámaras son unas de las más pequeñas en su categoría. El enfoque de estas cámaras se realiza controlando la imagen a través del visor volteando el anillo situado en su objetivo. La exposición correcta en casi todas las cámaras, se indica en la parte interior del visor y se regula ajustando la abertura del diafragma o el tiempo de obturación.

Llevan películas de 35 mm colocadas en la parte posterior que se hacen avanzar con una manivela de arrastre. La sensibilidad de la película se ajusta manualmente. Después de cada exposición, la película se sitúa en próximo fotograma.

Pentaprisma, obturador, disparador


El pentaprisma: Los rayos luminosos son reflejados, pero el elemento que se quiere fotografiar atraviesa las lentes del objetivo alcanzando el espejo móvil dispuesto a unos 45º llegando hasta el visor.pentaprisma, obturador, disparador

El pentaprisma rectifica la imagen permitiendo una vision y encuadre perfectos.



Obturador: De cortinilla es un dispositivo colocado detrás del espejo para determinar el tiempo de abertura.

Selector de la sensibilidad: Toda la película está ajustada para determinar la sensibilidad y obtener exposición correcta de las imágenes. La cámara debe estar bien ajustada, antes de utilizarse

El disparador: Acciona el obturador y el diafragma.

Contador de exposiciones: El paso de los fotogramas es visible en una ventanita situada cerca de la palanca de arrastre o bien display, cristal líquido que funciona a través de pilas.
Avance de la película: Es para el arrastre de la película, se utiliza una palanca situada en la parte superior de la cámara.

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-Camara Telemétrica: Formato pequeño sin ser réflex

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04/11/09


TECNICA:

Fotografía en color.

No existen materiales sensibles a la variación cromática, ni en fotografía electrónica ni química. Los materiales sensible q tenemos todos reaccionan a la luz. En sí, los materiales siempre hacen en blanco y negro.

La fotografía en color se inventó en 1861, por parte de J.C.Maxwell. fue un experimento, costoso y un tanto primitivo, pero q puso las bases del sistema RGB.

Este señor. Tenía la hipótesis de que tenemos células sensibles al color... y se plantearon varias hipótesis, entre ellas, la hipótesis de los tres colores primitivos (RGB), y que después por síntesis de esos tres colores, producimos en el cerebro... el resto de colores... para demostrar esta teoría, se hizo el experimento de la foto a color.

El retrato en blanco y negro un tangram de colores, y le salió una escala de grises, pero lo retrató poniendo delante del objetivo un filtro de vidrio rojo. Repitió esa foto con un filtro rojo y otro azul.

Las fotos eran en blanco y negro, pero si cada foto la proyectaba volviendo a poner el filtro, era con una gama de rojos, azules y verdes... y superponiendo las tres fotos,... se produce el milagro...todos los colores del original, al menos los colores q el ojo humano puede ver.

La fotografía hacerla así, era muy costoso (3fotos...) de ahí hasta llegar a la película, que son así *

Película negativa de color” Espesor 0’005mm



pelicula color

+acop = acoplador, es decir, un negativo, un poco de amarillo.

Filtro totalmente amarillo para no dejar pasar luz azul (amarillo es el antiazul)

Capas sensibles al verde y al rojo. Ahora se hace una sola capa para el azul, tres para el verde. Y tres para el rojo. Separadas por una capa transparente y coloreadas del color complementario.

Y lo mismo pero en color... es la “Diapositiva”

El positivo directo, donde hay blanco hay blanco y donde hay negro, hay negro, es decir, un positivo directo. La capa sensible al azul, esta tintada de azul, no amarillo.

Reaccionan cuando lo ponemos en el revelador.

En película, el color es una invención posterior a la impresión de la película, lo conseguimos con tintes, no con la cámara.



17/11/09


TEORIA:

Historia de la Fotografía:

Hay que tener en cuenta que el ser humano siempre ha deseado plasmar la realidad, comenzó con dibujos, grabados y cuadros… y luego llegó la técnica fotográfica.

La cámara oscura, es el antecedente más antiguo de la fotografía, es un instrumento óptico que permite obtener una proyección plana de una imagen externa sobre la zona interior de su superficie. Constituyó uno de los dispositivos ancestrales que condujeron al desarrollo de la fotografía. Los aparatos fotográficos actuales heredaron la palabra cámara de las antiguas cámaras oscuras.

Originalmente, consistía en una sala cerrada cuya única fuente de luz era un pequeño orificio practicado en uno de los muros, por donde entraban los rayos luminosos reflejando los objetos del exterior en una de sus paredes. El orificio funciona como una lente convergente y proyecta, en la pared opuesta, la imagen del exterior invertida tanto vertical como horizontalmente.

A partir de la cámara oscura, nace la cámara lúcida, que es lo contrario que la cámara oscura. Ésta no es un antecedente de la fotografía porque no tiene que ver con ella.

Una cámara lúcida es un dispositivo óptico usado por artistas como ayuda para dibujar. Fue patentado en 1806 por William Hyde Wollaston. Parece ser que la cámara lúcida no es más que una reinvención de un dispositivo descrito claramente 200 años antes por Johannes Kepler en su obra Dioptrice (1611). Hacia el siglo XIX la descripción de Kepler cayó en el olvido, así que nadie demandó a Wollaston. El término cámara lúcida es de Wollaston.

La cámara lúcida realiza una superposición óptica del tema que se está viendo y de la superficie en la que el artista está dibujando. El artista ve las dos escenas superpuestas, como en una fotografía que se haya expuesto dos veces. Esto permite al artista transferir puntos de referencia de la escena a la superficie de dibujo, ayudándole así en la recreación exacta de la perspectiva.

Si se utiliza papel blanco, la superposición del papel con la escena tiende a eliminar ésta, haciéndola difícil de ver. Al trabajar con una cámara lúcida es recomendable utilizar papel negro y dibujar con un lápiz blanco.

La historia de la fotografía se inicia a principios del siglo XIX, cuando en el año 1816 el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, aunque la fotografía más antigua que se conserva es una imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata.

Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba ocho horas de exposición a plena luz del día para obtener sus imágenes. En 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata denominado daguerrotipo, que resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Su procedimiento resulta ser el antecesor de la actual fotografía instantánea de Polaroid. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado por William Fox Talbot se basaba en un papel cubierto con cloruro de plata que es mucho más cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que podía que ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara.

Por esos tiempos el daguerrotipo era mucho más popular ya que era particularmente útil para los retratos, que empezaron a divulgarse entre la clase media burguesa de la Revolución Industrial por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva técnica.

Para captar las imágenes se empleó la cámara oscura que sufrió constantes mejoras en su diseño y tamaño, así como en las lentes ópticas u objetivos utilizados, debido a las aportaciones de diferentes investigadores de punta.

Los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron el daguerrotipo, el calotipo, el colodión húmedo y el gelatino-bromuro. Éstos dos últimos son los que más evolucionaron el conocimiento fotográfico mediante una serie de mejoras en el calotipo creado por William Fox Talbot. No deben olvidarse las aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que nos permiten concluir el camino hacia la instantánea fotográfica.

El Colodión húmedo es un procedimiento fotográfico creado en el año 1851 por Gustave Le Gray, que fue el primero en indicar un procedimiento con este compuesto, consiguiendo imágenes mediante el revelado con sulfato de protóxido de hierro. Scott Archer publico ese mismo año, en Inglaterra, un estudio de tal agente que supuso un gran avance en el desarrollo de la fotografía. El método supone la utilización del colodión una especie de barniz que se aplica a las placas y sobre éste se extiende la emulsión química, así como una placa de cristal, superficie transparente y pulida, lo cual permite la obtención de imágenes nítidas en negativo o, incluso, positivo.

El gelatino-bromuro es un procedimiento fotográfico creado en el año 1871 por R. L. Maddox y mejorado en el año 1878 gracias a los trabajos de Charles E. Bennett que acabó desplazando definitivamente en el año 1882 al Colodión Húmedo.

Este proceso básicamente supone en sus inicios el empleo de una placa de cristal sobre la que se exitiende una solución de bromuro, agua y gelatina sensibilizada con nitrato de plata, que ya no necesita mantener húmeda la placa en todo momento, lo cual pone fin a uno de los grandes inconvenientes del Colodión Húmedo.

Al conseguir Charles E. Bennett mejorar la sensibilidad del Gelatino-bromuro dejando secar durante más tiempo la placa emulsionada, consiguió rebajar el tiempo de exposición a un cuarto de segundo, lo que nos permite acercarnos al concepto de instantánea fotográfica.

La creación de este método supuso la culminación del invento de la fotografía, quedando básicamente constituida hasta la aparición de la halografía y la fotografía digital.

En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la fotografía deben resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal de Étienne Jules Marey y Edward Muybridge.

La fotografía tuvo su auge comercial a partir de 1888 cuando Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de 100 fotos circulares, y sobre todo debido a la industrialización del proceso de impresión de película fotográfica. Para el usuario de a pie, que 100 años después usa una cámara de usar y tirar, muy poco ha cambiado desde entonces, salvo que la fotografía en color se ha impuesto como estándar, y que las ayudas en el enfoque y el cálculo automático de la velocidad de exposición y apertura del diafragma son ahora habituales. Tal y como para los aficionados de la fotografía en blanco y negro prácticamente no ha cambiado nada desde la introducción en el mercado de la Leica 35mm en 1925.

La fotografía en color fue desarrollada durante el siglo XIX. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. La primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861. Sin embargo, la primera película fotográfica en color -Autochrome- no llegó a los mercados hasta 1907. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más modernas, a excepción de ésta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.

La Primera Foto en España fue el 10/11/1839, por R. Alabern (lonja de Barcelona).

24/11/09

TEORIA:

SEMIÓTICA (Teoría que estudia los signos)

Representada por F. de Saussure y Ch. S. Peirce.



Peirce: La semiótica era pragmática, un estudio de comunicación en tanto en actos de comunicación. Un signo es todo aquello que utilizan como signo (palabra, bandera, gesto…)

Un signo es un primero que está en relación tríadica con un segundo llamado “su objeto”, de manera que determina a este objeto a establecer relación con un tercero llamado su “interpretante” que entrará en la misma relación tríadica que él tiene con el objeto.



Saussure: Denomina la semiótica como ciencia que estudia la vida de los signos en el seno de la vida social. El signo como la unión de dos factores (significado y significante)

Tipos de signo: Según la relación con el objeto.

  1. Icono: es un signo que se relaciona con su objeto a través de cualidades o sensaciones en nuestra mente. Ejemplo: disfraz.

  2. Indicio: es un signo que está conectado físicamente con su objeto. Es una conexión que existe en realidad, no en nuestra mente. Ejemplo: huella dactilar.

  3. Símbolo: un signo conectado con su objeto a través de una ley o una convención. Ejemplo: las señales.

Los signos utilizados en la comunicación humana no son de tipo culto.

En la época de Peirce la fotografía ya es importante, en blanco y negro, la califica como el icono perfecto. Lo que reproduce la exactitud.

La fotografía es indicio, si como icono es tan perfecto, es porque tiene su origen indicial.

La pintura no es indicio, es icono porque es un objeto fabricado por ser icónica, basado en la similitud.



Dubois:

Clasifica varias opiniones de artistas, pintos y varios autores sobre la fotografía. Y él los clasifica de la misma manera que Peirce. Clasifica las opiniones más antiguas.

25/11/09

PRÁCTICA”



FORMATOS DE ARCHIVO FOTOGRÁFICO (IMÁGENES):

Para guardar una imagen , hay que tener en cuenta la memoria que necesitaremos para guardarla, ya que dependiendo el formato, la imagen ocupará más o menos memoria y tendrá más o menos calidad.

JPEG es el formato que hemos utilizado. Es un tipo de archivo que tiene compresión de la infomracion, es decir que no guarda toda le información del sensor. Comprime la información, es decir, no guarda todos los datos, de cada zona de la imagen guarda algunos datos para después reconstruirla. Tiene muchos grados de compresión, cuanto más alto es el número de JPEG (3, 4, ...10, 12), más información tiene la imagen, aunque siempre hay una perdida de información, aunque visiblemente no se aprecia.

Si hacemos modificaciones y despues volvemos a guardar, ya no guarda de la misma manera. Si lo repetimos muchas veces, al final si que se acaba notando el deterioro.

Cuando menor sea la comprension, menos se notaran esos cambios.

JPEG es ideal para documentos con varias capas (photoshop), si guardamos como formato JPEG, acopla la imagen como una sola capa.

En la cámara fotografia cempre tenemos una opcion para guardar la imagen, JPEG mayor, mediano o pequeño... L (large), M (medium) , S (small) ... y en cada tenemos la opción de una buena calidad o muy comprimido.

Guardar toda la información:

RAW (crudo, en bruto): toda la información del sensor. Éste es el bueno, pero según para qué. No todas las camaras tienen la posibilidad de guardar en RAW. Aunque también hay información que falta. Un trabajo que hace el procesador de la cámara, que no guarda la información del sensor tal cual, sino que reelabora la información creando los píxels. Ese trabajo de la interpolación sin hacer nada más es el formato RAW. Se guarda la imagen sin la interpolación. Esa faena que enu n principio la puede hacer el procesador que tiene la cámara. Un archivo RAW no es universal ni semi universal, no se puede abrir en cualquier ordenador. Un archivo RAW será muy diferente entre una cámara y otra.

Se necesita un programa específico para abrir el archivo RAW, suele llamarse Conversor, que convierte la imagen bruta en una imagen, es decir, esa conversi´ón que no esta hecha, este programa la hace.

Esta sería una migane com mucha fidelidad.

Photoshop, no puede abrir los archivos RAW. Para abrirlos, Adobe crea “camera RAW” para poder trabajar con photoshop. CR2 (Canon Raw) es el programa para Canon. El de Nikon es NEZ.

Hay que tener un programa que te sepa abrir este archivo.

PSD (photoshop) esta extensión (phosohop doument)... es sin comprimir. El archivo ocupa menos en JPD, en PDS ocupa más que en RAW.

Es un formato que no está cerrado. Se puede volver a abrir para modificarlo.

TIFF (Tagged Image file Formate = formato de archivo de imagen etiquetado), parecido al PSD, también de Adobe, formato que era muy universal, guarda la información sin comprimri, aunque tiene opciones para poder comprimir... por ejemplo, la comprensión LZW que dicen que es la comprensión sin perdida de calidad.

Tiene una opción que es sin comprension. Algunas cámaras la opción a parte de JPEG que te brindan, es esta.

Para enviar un documento a revelar o a una maquina que revela sola, normalmente, no las llevas en RAW, lo más normal es que las lleves en JPG o con gran calidad en TIFF. Los documentos pesan mucho más, pero es de gran calidad.

Puedes hacer cambios,... y retornar, porque siempre guarda la informacoión en bruto, y los cambios, como cambios, es decir, que siempre se pueden deshacer.

Hay muchos otros formatos:

GIF es Grafic Interchange Formate (formato de intercambio de gráficos) es una imagen de calidad muy baja, tiene una gran compresión y una paleta de colores muy limitada, solo 256 colores y por lo tanto son imágenes que se hacen para internet, para que tengan muy poco peso y se pueda distribuir fácil.

Muchos fotógrafos lo cuelgan en GIF para que cuando lo descarguen, no puedan trabajar mucho con ellas y que si quieren ampliar o algo, no se pueda porque salga muy mal. Es una técnica para que no te “roben” las imágenes.



CAPTURA DE OBJETOS EN MOVIMIENTO:

Hemos visto que a través de la composición, las líneas, el color, el descentramiento son técnicas para mostrar movimiento.

Ahora vamos a ver una técnico original de la fotografía, que se trata de captar el objeto no de una manera nítida, sino un poco emborronado.

Ya que cada punto del objeto, en lugar de punto, será una línea, dando borrosidad.

Si el tiempo de exposición es muy breve, podemos congelar la imagen, pero si el tiempo de exposición es más largo, ese movimiento del objeto me dejará una borrosidad.

Depende de la distancia y de la velocidad de obturación.

Lo que nos pide es un objeto nítido, con borrosidad de espacio. El truco es acompañar el movimiento con mi movimiento. Si yo acompaño el movimiento (girando, movimiento de barrer) Objeto como un peatón, una bicicleta, etc. cuando se acerca, no tengo que moverme, hasta que no esté delante de mí. Cuando justo esta delante es cuando debo girar. Tengo que disparar la foto justo cuando está delante de mí. El movimiento se traslada, no al coche, sino al fondo.

Velocidad de obturación no muy alta, más o menos a entre 125 y 30. Lo mejor es que no sean los extremos (90, 60, 100).

Si no va muy rápido el objeto, corremos el riesgo de que quede todo congelado.

Truco, si lo hacemos en automático, no tendremos un buen resultado, ya que cuando estemos girando, estará cambiando de enfoque ella sola, o acabará enfocando el fondo y no el objeto... Es mejor hacerlo manual.

Truco: cojo un lugar, en frente de mi (calle con semáforos), cuando están los coches parados, elijo un coche y gradúo el enfoque manual, cuando venga uno pasando, aprieto y me giro a la vez que pasa el coche.

Truco: saber girar bien. Hago la foto y giro, sin parar el movimiento.

01/12/09

TEORIA:

EL ESTATUTO SEMIÓTICO DE LA FOTOGRAFIA (Capítulo de Dubois)

Dubois: Clasifica varias opiniones de artistas, pintos y varios autores sobre la fotografía. Y él los clasifica de la misma manera que Peirce. Explica la relación específica que existe entre el referente externo y el mensaje producido por ese medio. Recoge y clasifica diferentes posiciones sostenidas a lo largo de la historia por los críticos y teóricos de la fotografía respecto a este principio de realidad propio de la relación de la imagen fotoquímica y se referente. Este recorrido se articula en tres tiempos:


  1. La fotografía como espejo de lo real

Comienzos del s.XIX. La fotografía como una imitación, y la más perfecta, de la realidad. Icono.

  1. La fotografía como transformación de lo real

Reacción contra ese ilusionismo del espejo fotográfico.

La imagen fotográfica es un útil de transposición, de análisis, de interpretación, incluso de transformación de lo real, en el mismo sentido que el lenguaje, por ejemplo, y cómo él, culturalmente codificado.

En el s.XX.


  • R.Arnheim (1932) “El cine como arte”. La fotografía es un objeto producido por unos elementos mecánicos que comportan una serie de artificios mediante los cuales nosotros establecemos una convención con el resultado, que representa una parcela del mundo real, aunque hay más diferencias que similitudes entre fotografía y realidad.

-La fotografía ofrece al mundo una imagen determinada a la vez por el ángulo de visión elegido, por su distancia respecto del objeto y por encuadre.

-La fotografía, reduce por una parte, la tridimensionalidad del objeto a una imagen bidimensional, y por otra parte, todo el campo de las variaciones cromáticas a un contraste entre blanco y negro.

-La fotografía aísla un punto preciso del espacio-tiempo y es puramente visual.

De la misma forma que la lengua es una forma de convención, un instrumento de análisis de lo real. Acuerdos culturales que se transmiten por enseñanza.



  • Alain Bergala (1976) Critica las fotografías de los grandes acontecimientos históricos porque dice que no es una realidad, sino una convención, que la fotografía construye una realidad. Combate las “fotos históricas estereotipadas”, dice que son fotos enteramente dominadas, controladas, señuelo de un consenso universal facticio, simulacro de una memoria colectiva en la que imprimen una imagen relevante del acontecimiento histórico, la del poder que las ha seleccionado para hacer callar tolas las demás.

Denuncia toda la parte de “puesta en escena” de estas imágenes, toda la dimensión ideológica de sus dispositivos de enunciación siempre ocultados.

Ejemplo: los reyes nunca se habrían puesto con esa pose si no existiera la fotografía.

Gran Angular: hace el efecto que es estamos inmersos en un contexto. Intentar entrar dentro de la realidad. Se elimina toda la referencia de la enunciación.


  • Alan Sekulla: Revisa cosas escritas por antropólogos. Interés por la reflexión de la convención.

La foto aquí es un Símbolo: un conjunto de signos.

  1. La fotografía como huella de un real

Subsiste un sentimiento de realidad ineluctable del que uno no llega a desembarazarse a pesar de la conciencia de todos los códigos que allí están en juego y que han procedido a su elaboración.

  • Peirce: Teorías que consideran la foto como perteneciente al orden del “índex”.

  • R.Barthes: Cae en la trampa del referenciarismo. No hay diferencia entre la realidad y la fotografía.

“Llamo referente fotográfico a la cosa necesariamente real que ha sido colocada ante el objetivo y a falta de la cual no hubiera habido fotografía.” La fotografía es la “emanación del referente”.

La foto es ante todo: Índex.

El acto fotográfico está dividido en tres partes:

Antes: Acto voluntario: tomar decisiones: qué fotografiar, punto de vista, distancia, encuadre…

Instante de captura: lo que se plasma

Después: Revelado

La fotografía funciona como un signo simbólico

OPINIONES DEL LIBRO DE FONCUBERTA (EL BESO DE JUDAS: FOTOGRAFIA Y VERDAD)

Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) ha desarrollado una actividad plural en el mundo del arte como creador, docente, crítico, comisario de exposiciones, etc. En 1980 co-fundó la revista bilingüe (castellano-inglés) Photovision, de la que sigue ejerciendo como jefe de redacción. Desde 1996 es profesor en los Estudios de Comunicación Audiovisual de la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona.

Tanto su trabajo artístico como teórico reflexiona sobre temas de representación, conocimiento, memoria, verosimilitud, ambiguedad y trompe-l'oeil, explorando el valor documental y la naturaleza narrativa de la imagen fotográfica o relacionada con ella.

“El Beso de Judas: Fotografía y Verdad”

Parte de la foto como mentira.

Descree de la fotografía como documento y la reivindica como instrumento exclusivamente artístico.

OPINIONES:

Compara con la religión católica, empezando con el título que se refiere “La fotografía actúa como el beso de Judas: el falso afecto vendido por treinta monedas”. Esto es una afirmación fuerte, que acusa al arte que se ha llevado a cabo por años a ser engañoso. Llámese con toda razón la falacia con cara de verdad. Ingenuos los que nos dejamos llevar por ella. Pero la verdad es que a todos nos gusta y nos dejamos engañar de una manera sumamente fiel.

En sí, como tal, la fotografía es un mundo creado en nuestro mundo, es la parte que no todos ven de las cosas, es como un tercer ojo hecho para recrear lo ya creado, descubrir en lo existente lo que creíamos que no había, y de esta manera hacernos sentir vagamente bien o mal.

La fotografía está en todos lados y las imágenes son lo que más consumimos hoy en día, probablemente con un cerebro ya tan acostumbrado a captar tanta cosa, que se nos haría un infierno después de ver todo, quedarnos ciegos va casi de la mano a cometer suicidio. No sé que sería peor, el haber visto mucho y de repente no ver nada, o el no haber visto nunca nada. Que castigo. Dichosos los que vemos, los que vemos tres veces. Los que descubrimos momentos y no nos olvidamos de ellos, mediante fotografías, nuestra memoria se va llenando de recuerdos. Y no es exactamente que nos acordemos de todo, aunque ahí en el cerebro esté, nos es verdaderamente imposible. Me refiero a que sin la ayuda de la vanidad fotográfica no estuviéramos conscientes de tantas cosas que pasan a nuestro alrededor…

Otra opinión:


Joan Fontcuberta nos introduce en su ensayo al hablarnos del potencial expresivo de una fotografía cualquiera y de cómo es medido en diferentes grados de pertinencia informativa ya que desde el daguerrotipo a la cámara digital, el medio fotográfico ha evolucionado de forma contundente, pero hoy sabemos que la fotografía es tan maleable y tan fiable como la memoria.

Problema que nos plantea: La desconfianza como actitud básica al acercarse a la fotografía, y a las imágenes, basándose en utilizar de una manera pedagógica el potencial de estas imágenes que “mienten”, siendo esta ambigüedad entre la realidad y la ficción, tema principal de la obra de Fontcuberta.

En sí, habla de las circunstancias que hacen parecer a la fotografía como un pecado, prohibiéndola y a partir de estas prohibiciones genera una crítica sobre los valores estéticos, semióticos, psicológicos y antropológicos de la fotografía. La fotografía como control de la memoria, como difusión de información, como seriación…pero también la fotografía, nos dice, puede infundir temor, lesionar ciertos interiores, fragmentar la identidad y los convencionalismos de una sociedad temerosa de que se le muestre el retrato de su realidad, tal y como es.



Fontcuberta divaga sobre el fundamentalismo de la actividad documental, sobre los compromisos de una fotografía documental y de si puede o no existir un documentalismo subjetivo, sin tendencias de ningún tipo y neutral, únicamente dedicado a presentara la información lo mas objetivamente y es a través de la anécdota de la reconstrucción de una ciudad como nos plantea estos factores posiblemente tan familiares como los valores morales, políticos, socioculturales y6 estéticos de una ciudad y de cómo estos pueden ser trasformados, destruidos y reconstruidos a través del efecto del tiempo y de la intervención humana.

La fotografía como escritura aparente, más allá de su correcta interpretación etimológica, es una reflexión también importante dentro de la obra, en búsqueda de la autenticidad de la imagen y contrariamente a lo que la historia nos ha inculcado, la fotografía pertenece al ámbito de la ficción mucho más que al de las evidencias, la fotografía es pues una invención, dice Fontcuberta.

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